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艺术与象征
宗白华
诗人艺术家在这人世间，可具有两种态度：醉和醒。醒者张目人间，寄情世外，拿极客观的胸襟“漱涤万物，牢笼百态”（柳宗元语），他的心像一面镜子，照射到街市沟渠里面的污秽，却同时也映着天光云影，丽日和风！世间的光明与黑暗，人心里的罪恶与圣洁，一体显露，并无差等。所谓“赋家之心，包容宇宙”，人情物理，体会无遗。英国的莎士比亚，中国的司马迁，都会留下“一个世界”给我们，使我们体味不尽。他们的“世界”虽是匠心的创造，却都是具有真情实理，活色生香，与自然造化一般无二。
然而他们究竟是大诗人，诗人具有别才别趣，尤贵具有别眼。包容宇宙的“赋家之心”，反射出的仍是一个“诗心”所照临的世界。这个世界尽管十分客观，十分真实，十分清醒，终究蒙上了一层诗心的温情和智慧的光辉，使读者走进一个较现实更清朗、更生动、更深厚的，富于启发性的世界。
所以诗人善醒，他能透彻人情物理，把握世界人生真境实相，散布着智慧，那由深心体验所获得的晶莹的智慧。
但诗人更要能醉，能梦。由梦由醉诗人方能暂脱世俗，深深地坠入世界人生那一层变化迷离的奥妙境地。《古诗十九首》，读之者回顾踌躇，百感交集，一种无可奈何的情绪，无可表达的沉思，无可解答的疑问，令人愈体验愈深，文艺的境界已临近到宗教境界。
这样一个因体会之深而难以言传的境地，已不是明白清醒的逻辑文体所能完全表达。醉中语有醒时道不出的妙处。所以，诗人艺术家往往用象征的手法才能传神写照。诗人于此凭虚构象，象乃生生不穷，声调、色彩、景物，奔走笔端，推陈出新，迥异常境。戴叔伦说：“诗家之境，如蓝田日暖，良玉生烟，可望而不可置于眉睫之间。”就是说艺术之境要和我们有相当的距离，迷离朦胧，构成独立自足的美的意象，才能象征那难以言传的深心里的情和境。
所以最高的文艺表现，宁空毋实，宁醉毋醒。西洋最清醒的古典艺境，希腊雕刻，也要在圆浑的肉体上留有清癯而不十分充满的境地，让人们心中波动一痕相思和期待。阿波罗神像的面庞极清朗秀美，但额眉眼角之间仍流动着沉沉的梦意。
中国的诗人、画家，善于体会造化自然的微妙的生机动态。徐迪功所谓“朦胧萌坼，浑沌贞粹”的境界。画家发明水墨法，是想追蹑这朦胧萌坼的“神化”妙境。这种境界是哲理的，是偏于清醒的，和古诗十九首的苍茫踌躇，百端交集，大不相同。然而，同是人生的深境，同需要象征手法，才能表达出来。
清初叶燮在《原诗》里说得好：作诗者实写理、事、情。可以言言，可以解解，即为俗儒之作。惟不可名言之理，不可施见之得，不可径达之情，则幽妙以为理，想象以为事，惝怳以为情，方为理至，事至，情至之语。
他这话，已经透澈地说出文艺上象征境界的要素，以及它的技术，即“幽妙以为理，想象以为事，惝怳以为情”，然后运用声调、词藻、色彩，巧妙地烘染出来，使人默会于意象之表，寄托深而境界美。
（本文有删节）
1.英国的莎士比亚，中国的司马迁，都留下了“一个世界”。对“一个世界”的理解，符合原文意思的一项是
A．“一个世界”是诗人用理性的逻辑思维创作出的艺术世界。人间万象都能在这个世界表现出来，且并无差等。
B．“一个世界”虽然和现实世界一样都具有真情实理，活色生香，但比现实世界更富有启示性，因此我们只需关注这样的艺术世界即可。
C．“一个世界”既体现了诗人对人情万物和世界人生的把握，也散布着诗人那由深心体验所获得的晶莹的智慧。
D．诗人艺术家若要创造出这样的世界，必须要处于头脑清醒的创作状态，还要具有别才别趣，尤其是别眼。
2.下列理解和分析，不符合原文意思的一项是
A．诗人只有暂时超脱世俗，才能达到那种能醉能梦的奥妙境地，令读之者回顾踌躇，百感交集的《古诗十九首》就是如此。
B．诗人艺术家难以言传的复杂体会，清醒的逻辑文体不能完全表达出。所以，他们往往用象征的手法来传神写照。
C．运用象征的过程中，不能忽视想象的重要作用。想象的思维方式可以帮助诗人创作出生生不穷的的艺术形象和迥异常境的艺术境界。
D．具体实在的表现、明白清晰的逻辑文体并不是达到艺术化境的最佳途径。中西方最杰出的艺术领域对此有一致的认知。
3.根据原文的内容，下列理解和分析正确的一项是
A．诗人善醒，醒能透彻人情物理，把握真境实相。但在作者看来，最高的文艺表现应是宁空毋实，宁醉毋醒。
B．艺术之境只要和我们保持相当的距离，营造出独立自足的美的意象，就能象征那难以言传的深心里的情和境。
C．中国画家追求的妙境虽然比不上诗歌领域的艺术境界，但与中国的诗歌创作一样，都需要借助象征这一手法而达到艺术化境。
D．作者借用叶燮的话来强调，艺术家要融合“理、事、情”这三个要素，再运用好声调这一技术性要素，才能呈现优美的境界。
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艺术与象征
宗白华
诗人艺术家在这人世间，可具有两种态度：醉和醒。醒者张目人间，寄情世外，拿极客观的胸襟“漱涤万物，牢笼百态”（柳宗元语），他的心像一面镜子，照射到街市沟渠里面的污秽，却同时也映着天光云影，丽日和风！世间的光明与黑暗，人心里的罪恶与圣洁，一体显露，并无差等。所谓“赋家之心，包容宇宙”，人情物理，体会无遗。英国的莎士比亚，中国的司马迁，都会留下“一个世界”给我们，使我们体味不尽。他们的“世界”虽是匠心的创造，却都是具有真情实理，活色生香，与自然造化一般无二。
然而他们究竟是大诗人，诗人具有别才别趣，尤贵具有别眼。包容宇宙的“赋家之心”，反射出的仍是一个“诗心”所照临的世界。这个世界尽管十分客观，十分真实，十分清醒，终究蒙上了一层诗心的温情和智慧的光辉，使读者走进一个较现实更清朗、更生动、更深厚的，富于启发性的世界。
所以诗人善醒，他能透彻人情物理，把握世界人生真境实相，散布着智慧，那由深心体验所获得的晶莹的智慧。
但诗人更要能醉，能梦。由梦由醉诗人方能暂脱世俗，深深地坠入世界人生那一层变化迷离的奥妙境地。《古诗十九首》，读之者回顾踌躇，百感交集，一种无可奈何的情绪，无可表达的沉思，无可解答的疑问，令人愈体验愈深，文艺的境界已临近到宗教境界。
这样一个因体会之深而难以言传的境地，已不是明白清醒的逻辑文体所能完全表达。醉中语有醒时道不出的妙处。所以，诗人艺术家往往用象征的手法才能传神写照。诗人于此凭虚构象，象乃生生不穷，声调、色彩、景物，奔走笔端，推陈出新，迥异常境。戴叔伦说：“诗家之境，如蓝田日暖，良玉生烟，可望而不可置于眉睫之间。”就是说艺术之境要和我们有相当的距离，迷离朦胧，构成独立自足的美的意象，才能象征那难以言传的深心里的情和境。
所以最高的文艺表现，宁空毋实，宁醉毋醒。西洋最清醒的古典艺境，希腊雕刻，也要在圆浑的肉体上留有清癯而不十分充满的境地，让人们心中波动一痕相思和期待。阿波罗神像的面庞极清朗秀美，但额眉眼角之间仍流动着沉沉的梦意。
中国的诗人、画家，善于体会造化自然的微妙的生机动态。徐迪功所谓“朦胧萌坼，浑沌贞粹”的境界。画家发明水墨法，是想追蹑这朦胧萌坼的“神化”妙境。这种境界是哲理的，是偏于清醒的，和古诗十九首的苍茫踌躇，百端交集，大不相同。然而，同是人生的深境，同需要象征手法，才能表达出来。
清初叶燮在《原诗》里说得好：作诗者实写理、事、情。可以言言，可以解解，即为俗儒之作。惟不可名言之理，不可施见之得，不可径达之情，则幽妙以为理，想象以为事，惝怳以为情，方为理至，事至，情至之语。
他这话，已经透澈地说出文艺上象征境界的要素，以及它的技术，即“幽妙以为理，想象以为事，惝怳以为情”，然后运用声调、词藻、色彩，巧妙地烘染出来，使人默会于意象之表，寄托深而境界美。
（本文有删节）
1.英国的莎士比亚，中国的司马迁，都留下了“一个世界”。对“一个世界”的理解，符合原文意思的一项是
A．“一个世界”是诗人用理性的逻辑思维创作出的艺术世界。人间万象都能在这个世界表现出来，且并无差等。
B．“一个世界”虽然和现实世界一样都具有真情实理，活色生香，但比现实世界更富有启示性，因此我们只需关注这样的艺术世界即可。
C．“一个世界”既体现了诗人对人情万物和世界人生的把握，也散布着诗人那由深心体验所获得的晶莹的智慧。
D．诗人艺术家若要创造出这样的世界，必须要处于头脑清醒的创作状态，还要具有别才别趣，尤其是别眼。
2.下列理解和分析，不符合原文意思的一项是
A．诗人只有暂时超脱世俗，才能达到那种能醉能梦的奥妙境地，令读之者回顾踌躇，百感交集的《古诗十九首》就是如此。
B．诗人艺术家难以言传的复杂体会，清醒的逻辑文体不能完全表达出。所以，他们往往用象征的手法来传神写照。
C．运用象征的过程中，不能忽视想象的重要作用。想象的思维方式可以帮助诗人创作出生生不穷的的艺术形象和迥异常境的艺术境界。
D．具体实在的表现、明白清晰的逻辑文体并不是达到艺术化境的最佳途径。中西方最杰出的艺术领域对此有一致的认知。
3.根据原文的内容，下列理解和分析正确的一项是
A．诗人善醒，醒能透彻人情物理，把握真境实相。但在作者看来，最高的文艺表现应是宁空毋实，宁醉毋醒。
B．艺术之境只要和我们保持相当的距离，营造出独立自足的美的意象，就能象征那难以言传的深心里的情和境。
C．中国画家追求的妙境虽然比不上诗歌领域的艺术境界，但与中国的诗歌创作一样，都需要借助象征这一手法而达到艺术化境。
D．作者借用叶燮的话来强调，艺术家要融合“理、事、情”这三个要素，再运用好声调这一技术性要素，才能呈现优美的境界。
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略谈敦煌艺术的意义与价值 宗白华
中国艺术有三个方向与境界。第一个是礼教的、伦理的方向。三代钟鼎和玉器都联系于礼教，而它的图案画发展为具有教育及道德意义的汉代壁画，东晋顾恺之的女史箴图，也还是属于这范畴。第二是唐宋以来笃爱自然界的山水花鸟，使中国绘画艺术树立了它的特色，获得了世界地位。然而正因为这自然主义支配了宋代艺坛，遂使人们忘怀了那第三个方向，即从六朝到晚唐宋初的丰富的宗教艺术。这七八百年的佛教艺术创造了空前绝后的佛教雕像。云冈、龙门、天龙山的石窟，尤以近年来才被人注意的四川大足造像和甘肃麦积山造像。中国竟有这样伟大的雕塑艺术，其数量之多，地域之广，规模之大，造诣之深，都足以和希腊雕塑艺术争辉千古！而这艺术却被唐宋以来的文人画家所视而不见。
这个灿烂的佛教艺术，在中原本土，因历代战乱，及佛教之衰退而被摧毁消灭。富丽的壁画及其崇高的境界真是如幻梦如泡影，从衰退萎弱的民族心灵里消逝了。支持画家艺境的是残山剩水、孤花片叶，虽具有清超之美而乏磅礴的雄图。天佑中国！在西陲敦煌洞窟里，竟替我们保留了那千年艺术的灿烂遗影，那些美丽绝伦的人物雕像。我们的艺术史可以重新写了！我们如梦初觉，发现先民的伟力、热力、想象力。
最使我们感兴趣的是敦煌壁画中的极其生动而具有神魔性的动物画。我们从一些奇禽异兽的泼辣的表现里透进了世界生命的原始境界，意味幽深而沉厚。而现代西洋新派画家厌倦了自然表面的刻画，企求自由天真原始的心灵去把握自然生命的核心层。德国画家马尔克震惊世俗的《蓝马》，可以同这里的马精神相通。而这里《释尊本生故事图录》，尤以“游观农务”一幅简直是近代画家盎利卢骚的特异的孩稚心灵的画境。几幅力士像和北魏乐伎像的构图及用笔，使我们联想到法国野兽派洛奥的拙厚的线条及中古教堂玻璃窗上哥提式的画像。而马蒂思这些人的线纹也可以在此找到他们的伟大先驱。不过这里的一切是出自古人的原始感觉和内心的迸发，浑朴而天真。而西洋派画家是在追寻着失去的天国，是有意识的回到原始的意味。
敦煌艺术在中国整个艺术史上的特点与价值，是在它的对象以人物为中心，在这方面与希腊相似。但希腊的人体的境界和这里有一个显著的分别。希腊的人像是着重在“体”，一个由皮肤轮廓所包的体积。所以表现得静穆稳重。而敦煌的人像，全是在飞腾的舞姿中；像的着重点不在体积而在那克服了地心吸引力的飞动旋律。所以身体上的主要衣饰不是贴体的衫褐，而是飘荡飞举的带纹。佛背的火焰似的圆光，足下的波浪似的莲座，联合着这许多带纹组成的一幅广大的繁富的旋律，象征着宇宙的节奏，以包容这躯体的节奏于其中。这是敦煌人像所启示给我们的中西人物画的主要区别。只有英国的画家勃莱克的《神曲》的插图中的人物，也同样表现这上下飞腾的旋律境界。近代雕刻家罗丹也摆脱了希腊古典意境，将人体雕像谱入于光的明暗闪烁的节奏中，而敦煌人像却熔化在线纹的旋律里。敦煌的艺境是音乐意味的，全以音乐舞蹈为基本情调，《西方净土变》的天空中还飞跃着各式乐器呢。
（节选自《美学散步》）
1.下面所列各项中，属于礼教、伦理道德方向的绘画艺术的两项是（ ）（5分）
A．汉代壁画 B．三代钟鼎和玉器
C．四川大足造像和甘肃麦积山造像 D．东晋顾恺之的女史箴图
E．甘肃的敦煌壁画
2.下列石窟雕像中，最能代表我国古代的雕塑艺术的一项是（ ）（3分）
A．云冈、龙门、天龙山的石窟雕像 B．西陲敦煌洞窟的人物雕像
C．四川大足造像和甘肃麦积山造像 D．从六朝到晚唐宋初的丰富的佛教雕像
3.根据第三段文意，简略谈谈敦煌壁画中的动物画所体现出的艺术风格。（4分）
4.请你概括一下，以人物为中心的敦煌艺术的高妙之处在哪里？（4分）
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艺术与中国社会
宗白华
孔子说“兴于诗，立于礼，成于乐。”这三句话挺简括地说出孔子的文化理想、社会政策和教育程序。中国古代的社会文化与教育是拿诗书礼乐做根基。教育的主要工具、门径和方法是艺术文学。艺术的作用是能以感情动人，潜移默化培养社会民众的性格品德于不知不觉之中，深刻而普遍。尤以诗和乐能直接打动人心，陶冶人的性灵人格。而“礼”却在群体生活的和谐与节律中，养成文质彬彬的动作、步调的整齐、意志的集中。中国人在天地的动静、四时的节律、昼夜的来复、生长老死的绵延，感到宇宙是生生而具条理的。这“生生而条理”就是天地运行的大道。这种最高度的把握生命和最深度的体验生命的精神境界，具体地贯注到社会实际生活里，使生活端庄流丽，成就了诗书礼乐的文化。
礼和乐是中国社会的两大柱石。“礼”构成社会生活里的秩序条理。“乐”涵润着群体内心的和谐与团结力。然而礼乐的最后根据，在于形而上的天地境界。《礼记》上说：礼者，天地之序也；乐者，天地之和也。
人生里面的礼乐负荷着形而上的光辉，使现实的人生启示着深一层的意义和美。礼乐使生活上最实用的、最物质的衣食住行及日用品，升华进端庄流丽的艺术领域。三代的各种玉器，是从石器时代的石斧石磬等，升华到圭璧等等的礼器乐器。三代①的铜器，也是从铜器时代的烹调器及饮器等，升华到国家的至宝。而它们艺术上的形体之美、式样之美、花纹之美、色泽之美、铭文之美，集合了画家书家雕塑家的设计与模型，由冶铸家的技巧，而终于在圆满的器形上，表出民族的宇宙意识（天地境界）、生命情调，以至政治的权威、社会的亲和力。在中国文化里，从最低层的物质器皿，穿过礼乐生活，直达天地境界，是一片混然无间、灵肉不二的大和谐、大节奏。
因为中国人由农业进于文化，对于大自然是“不隔”的，是父子亲和的关系，没有奴役自然的态度。中国人对他的用具（石器铜器），不只是用来控制自然，以图生存，他更希望能在每件用品里面，表出对自然的敬爱，把大自然里启示着的和谐、秩序，它内部的音乐、诗，表现在具体而微的器皿中。一个鼎要能表象天地人。
中国人的个人人格、社会组织以及日用器皿，都希望能在美的形式中，作为形而上的宇宙秩序与宇宙生命的表征。这是中国人的文化意识，也是中国艺术境界的最后根据。
孔子是替中国社会奠定了“礼”的生活的。然而，孔子更进一步求“礼之本”。礼之本在仁，在于音乐的精神。理想的人格，应该是一个“音乐的灵魂”。
社会生活的真精神在于亲爱精诚的团结，最能发扬和激励团结精神的是音乐！音乐使我们步调整齐，意志集中，团结的行动有力而美。中国人感到宇宙全体是大生命的流行，其本身就是节奏与和谐。人类社会生活里的礼和乐，是反射着天地的节奏与和谐。
但西洋文艺自希腊以来所富有的“悲剧精神”，在中国艺术里，却得不到充分的发挥，且往往被拒绝和闪躲。人性由剧烈的内心矛盾才能掘发出的深度，往往被浓挚的和谐愿望所淹没。固然，中国人心灵里并不缺乏雍穆和平的大海似的幽深，然而，由心灵的冒险，不怕悲剧，以窥探宇宙人生的危岩雪岭，发而为莎士比亚的悲剧、贝多芬的乐曲，这却是西洋人生波澜壮阔的造诣！ （本文有删改）
【注】三代：夏、商、周三个朝代的合称。
1.关于诗书礼乐与中国社会的关系，下列理解符合原文意思的一项是
A．诗书礼乐是中国古代社会文化与教育的根基，因此，从根本上讲，中国古代社会的教育内容就是艺术文学，教育的目的是以情动人。
B．诗书礼乐涵盖了中国古代社会文化的全部内容。“礼”作用于群体，造就群体生活的和谐；诗与乐则作用于个体，陶冶个体的性灵。
C．诗书礼乐的文化能够培养社会民众的性格品德，对中国社会生活具有重要意。礼乐可以在群体生活中养成步调的整齐、意志的集中。
D．正是由于礼乐的最后根据在于形而上的天地境界，所以二者成为中国社会的两大柱石，成为“兴于诗”得以实现的基础。
2.下列理解和分析，不符合原文意思的一项是
A．石斧石磐升华到圭璧等礼器乐器，烹调器及饮器升华为国家至宝，礼乐使生活中的日用器具超越了实用层面，进入艺术领域。
B．中国人对自然的态度是亲和、“不隔”的，对用具器皿的制作不单是为了控制自然，满足生存所需，还希望以此表现对自然的敬爱，反映自然所给予的启示。
C．一个鼎要能表象天地人，这反映了中国人的一种文化意识：在制作具体器皿时希望以富有美感的形式表现宇宙秩序与宇宙生命。
D．礼乐在社会生活中担负具体功能，调节社会关系，只有在个人的生活中才展现形而上的启示意义，使个体人生具有更深的意义和美。
3.根据原文内容，下列理解和分析正确的一项是
A．天地的节奏与和谐在中国社会的礼乐中得到反映与体现，物质器皿、礼乐生活与天地境界并非彼此孤立，而是三者融通和谐。
B．人类社会里的礼和乐体现着天地运行的大道，而礼之本在仁，在于音乐的精神，所以乐是一切人类艺术的最髙境界和最终追求。
C．中国的礼乐文化讲求个人人格、社会组织与天地大道、宇宙秩序、自然节律的交融，由此导致中国文化精神中没有“悲剧精神”。
D．西洋艺术直面人生中的冲突与悲剧，展现波澜壮阔的人生气象，与表现和平静穆的中国艺术相比更能打动人，具有更高的艺术价值。
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李白的诗歌固然有高超的艺术技巧，但若论章法的严密、用典的巧妙、对偶的工整，他未必就比其他诗人高明许多。李白乃以气夺人。气的充沛与浩大是盛唐文化的特点，也是李白诗歌具有特殊魅力的一个重要原因。至于艺术技巧，不过是在气的统帅之下更加充分地发挥了它们的作用而已。
气是一个哲学概念，在先秦诸子的著作中已经屡见不鲜。气的概念首先被引进音乐理论，在《左传》中已有这方面的记载。曹丕创作《典论·论文》时开始以气论文。此后在绘画、音乐、书法等领域也运用了气的概念。气是指艺术家的思想境界、人格力量、性情才调，以及创作的激情、冲动、勇气等。说李白的诗以气胜，就是着眼于这些方面的。读者会感到，李白的诗里有一股与云天比高、与历史等量的气回荡着。李白的诗，综而言之，其气奇，其气逸，其气壮。
所谓气奇，是指李白的诗歌显示了超凡的创造力，创造了许多按常规不可思议的诗歌形象，使人惊讶、叹服。南北文化的交流和中外文化的交流，激发了唐人的创造力，而李白的创造力尤其旺盛。他既尊重传统，学习前人，又勇于创新，走自己的路。东施效颦、邯郸学步，最为他所不齿。他的艺术风格是前无古人的，他的许多诗的写法是前人不敢想象的。自然界的许多景物，前人曾不止一次地吟咏过，但在李白的笔下又有了新的创造，成为新的意象。海就是这样。自《诗经》开始，写海的除了曹操的《观沧海》之外，留在人们记忆中的并不多，写海而能写出海的气魄的，要推李白。在“海寒多天风，白波连山倒蓬壶……半壁见海日”这些诗句中，海与风、日相互配合，构成了一幅幅壮观的图画。
李白诗歌的气逸表现为对自由的热爱与追求。李白的诗风飘逸不群，他的才情不受拘束，他一再把自己比作大鹏。李白用以自比的大鹏，既不同于蓬莱的黄鹄，也不同于报晓的天鸡。那些鸟都丧失了自由，唯独大鹏可以无拘无束地翱翔于天地之间。李白不甘心受礼教的约束，不屑于做一名皓首穷经的儒生，他甚至不屑于参加士大夫视为正途的进士考试，而欲凭借自己的社会声望直取卿相，功成身退，依旧还他自由的身份。
这种热爱自由、追求自由的精神，在李白的山水诗中表现得很突出。他笔下那种咆哮愤怒、一泻千里的江河，奇险挺拔、高出天外的峰峦，往往是这种精神的体现。李白的求仙、饮酒也曲折地表现了这种精神。他厌恶世俗，向往仙境，想在仙境中求得自由。李白追求自由的精神还表现在他不肯让诗歌格律束缚自己，到高潮时，往往冲破格律的束缚，写出一些散文化的诗句，如“清风朗月不用一钱买，玉山自倒非人推”等。
气壮，表现为一种强烈的自信心，而这也是根植于唐代的。盛唐时代高涨的民族自信心和民族自豪感，培育了李白乐观自信的精神。不论遇到什么困难、挫折和打击，李白都能以积极的态度去对待。他有苦闷和忧愤，但主导方面还是对前途的自信和斗争的勇气。李白也经常写愁，但只要和中唐孟郊、李贺的愁比一比，和晚唐温庭筠、李商隐的愁比一比，就可以感到李白即使是愁，也是强者之愁，也有一股浩然壮气充溢其间。（选自袁行霈《李白诗歌与盛唐文化》，有删改）
1.下列对文中“气”的理解，不正确的一项是（ ）
A．“气”可以统帅艺术技巧，使艺术技巧发挥更大的作用。
B．“气”是一个哲学概念，先被引进音乐理论，后又被引进文学理论。
C．“气”在我国出现很早，春秋时的《左传》就有了以气论文的记载。
D．艺术家的思想境界、人格力量、性情才调等都是“气”的重要内容。
2.下列诗句中，不能体现李白诗歌“气奇”的一项是（ ）
A．长风破浪会有时，直挂云帆济沧海
B．我寄愁心与明月，随君直到夜郎西。
C．狂风吹我心，西挂咸阳树。
D．雁引愁心去，山衔好月来。
3.下列理解和分析，符合原文意思的一项是（ ）
A．既尊重传统，不全盘否定，又勇于创新，不东施效颦，使李白的诗歌创作独树一帜。
B．李白的诗歌具有一股豪迈之“气”，这和贯通中外、南北，充满自信的盛唐文化密不可分。
C．李白诗歌中无拘无束地翱翔于天地之间的大鹏形象，是作者渴望直取卿相、建功立业的自身形象的象征。
D．李白的山水诗最为突出地表现了他热爱自由、追求自由的精神，这种精神往往寄托在江河、峰峦之上。
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艺术与中国社会
宗白华
孔子说“兴于诗，立于礼，成于乐。”这三句话挺简括地说出孔子的文化理想、社会政策和教育程序。中国古代的社会文化与教育是拿诗书礼乐做根基。教育的主要工具、门径和方法是艺术文学。艺术的作用是能以感情动人，潜移默化培养社会民众的性格品德于不知不觉之中，深刻而普遍。尤以诗和乐能直接打动人心，陶冶人的性灵人格。而“礼”却在群体生活的和谐与节律中，养成文质彬彬的动作、步调的整齐、意志的集中。中国人在天地的动静、四时的节律、昼夜的来复、生长老死的绵延，感到宇宙是生生而具条理的。这“生生而条理”就是天地运行的大道。这种最高度的把握生命和最深度的体验生命的精神境界，具体地贯注到社会实际生活里，使生活端庄流丽，成就了诗书礼乐的文化。
礼和乐是中国社会的两大柱石。“礼”构成社会生活里的秩序条理。“乐”涵润着群体内心的和谐与团结力。然而礼乐的最后根据，在于形而上的天地境界。《礼记》上说：礼者，天地之序也；乐者，天地之和也。
人生里面的礼乐负荷着形而上的光辉，使现实的人生启示着深一层的意义和美。礼乐使生活上最实用的、最物质的衣食住行及日用品，升华进端庄流丽的艺术领域。三代①的各种玉器，是从石器时代的石斧石磬等，升华到圭璧等等的礼器乐器。三代的铜器，也是从铜器时代的烹调器及饮器等，升华到国家的至宝。而它们艺术上的形体之美、式样之美、花纹之美、色泽之美、铭文之美，集合了画家书家雕塑家的设计与模型，由冶铸家的技巧，而终于在圆满的器形上，表出民族的宇宙意识（天地境界）、生命情调，以至政治的权威、社会的亲和力。在中国文化里，从最低层的物质器皿，穿过礼乐生活，直达天地境界，是一片混然无间、灵肉不二的大和谐、大节奏。
因为中国人由农业进于文化，对于大自然是“不隔”的，是父子亲和的关系，没有奴役自然的态度。中国人对他的用具（石器铜器），不只是用来控制自然，以图生存，他更希望能在每件用品里面，表出对自然的敬爱，把大自然里启示着的和谐、秩序，它内部的音乐、诗，表现在具体而微的器皿中。一个鼎要能表象天地人。
中国人的个人人格、社会组织以及日用器皿，都希望能在美的形式中，作为形而上的宇宙秩序与宇宙生命的表征。这是中国人的文化意识，也是中国艺术境界的最后根据。
孔子是替中国社会奠定了“礼”的生活的。然而，孔子更进一步求“礼之本”。礼之本在仁，在于音乐的精神。理想的人格，应该是一个“音乐的灵魂”。
社会生活的真精神在于亲爱精诚的团结，最能发扬和激励团结精神的是音乐！音乐使我们步调整齐，意志集中，团结的行动有力而美。中国人感到宇宙全体是大生命的流行，其本身就是节奏与和谐。人类社会生活里的礼和乐，是反射着天地的节奏与和谐。
但西洋文艺自希腊以来所富有的“悲剧精神”，在中国艺术里，却得不到充分的发挥，且往往被拒绝和闪躲。人性由剧烈的内心矛盾才能掘发出的深度，往往被浓挚的和谐愿望所淹没。固然，中国人心灵里并不缺乏雍穆和平的大海似的幽深，然而，由心灵的冒险，不怕悲剧，以窥探宇宙人生的危岩雪岭，发而为莎士比亚的悲剧、贝多芬的乐曲，这却是西洋人生波澜壮阔的造诣！
（本文有删改）
【注】三代：夏、商、周三个朝代的合称。
1.关于诗书礼乐与中国社会的关系，下列理解符合原文意思的一项是
A. 诗书礼乐的文化能够培养社会民众的性格品德，对中国社会生活具有重要意义。礼乐可以在群体生活中养成步调的整齐、意志的集中。
B. 诗书礼乐涵盖了中国古代社会文化的全部内容。“礼”作用于群体，造就群体生活的和谐；诗与乐则作用于个体，陶冶个体的性灵。
C. 诗书礼乐是中国古代社会文化与教育的根基，因此，从根本上讲，中国古代社会的教育内容就是艺术文学，教育的目的是以情动人。
D. 正是由于礼乐的最后根据在于形而上的天地境界，所以二者成为中国社会的两大柱石，成为“兴于诗”得以实现的基础。
2.下列理解和分析，不符合原文意思的一项是
A. 石斧石磐升华到圭璧等礼器乐器，烹调器及饮器升华为国家至宝，礼乐使生活中的日用器具超越了实用层面，进入艺术领域。
B. 中国人对自然的态度是亲和、“不隔”的，对用具器皿的制作不单是为了控制自然，满足生存所需，还希望以此表现对自然的敬爱，反映自然所给予的启示。
C. 礼乐在社会生活中担负具体功能，调节社会关系，只有在个人的生活中才展现形而上的启示意义，使个体人生具有更深的意义和美。
D. 一个鼎要能表象天地人，这反映了中国人的一种文化意识：在制作具体器皿时希望以富有美感的形式表现宇宙秩序与宇宙生命。
3.根据原文内容，下列理解和分析正确的一项是
A. 人类社会里的礼和乐体现着天地运行的大道，而礼之本在仁，在于音乐的精神，所以乐是一切人类艺术的最髙境界和最终追求。
B. 天地的节奏与和谐在中国社会的礼乐中得到反映与体现，物质器皿、礼乐生活与天地境界并非彼此孤立，而是三者融通和谐。
C. 中国的礼乐文化讲求个人人格、社会组织与天地大道、宇宙秩序、自然节律的交融，由此导致中国文化精神中没有“悲剧精神”。
D. 西洋艺术直面人生中的冲突与悲剧，展现波澜壮阔的人生气象，与表现和平静穆的中国艺术相比更能打动人，具有更高的艺术价值。
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丰富多彩的唐嘎艺术
在西藏寺院、宫殿、经堂里，无处不悬挂唐嘎。作为一门艺术，唐嘎在宗教界和美术界具有独特的地位。
唐嘎是一种轴画，是我国藏族地区独有的一种彩画，大都绘于布面，其历史可以上溯到唐代吐蕃松赞干布时期，距今已有1300多年的历史。唐嘎是中国文化的瑰宝，被誉为藏族人民的“百科全书”，它融历史、知识、趣味、宗教、民风民俗于一炉，展示了藏族社会的变迁、人民的才智和艺术的追求。
唐嘎，最小的只有7厘米，最长的有几十米，用刺绣、织锦和贴花等方法制作，构图严谨，笔力精细，细腻饱满，风格华丽，动中有静，静中有动，绘形绘色，内容丰富，包罗万象。在画法上，有工笔重彩和白描两种，按照造像度量标准起稿，面部五官及头、胸、腰、腿等各部位比例均有严格要求，在用色上强调对比，讲究色彩富丽，追求金碧辉煌的效果。线条粗细有致，刚柔相济，运笔讲究顿挫变化，有的线条粗犷有力，有的则圆润流畅，形象逼真，传神动人。
唐嘎艺术经过藏族画师千百年来的不断创造，积累了丰富的经验，形成了自己独特的风格，在藏族绘画传统的基础上，汲取了汉族地区和印度、尼泊尔等地区绘画技艺，形成了自己的特色，并在长期实践中出现了不同流派，其中以“门当”派和“青孜”派最为著名。“门当”派严谨庄重，功底颇深，其代表作多见于布达拉宫、大昭寺、哲蚌寺等寺院；“青孜”派的风格奔放活泼，想象丰富，多见于白居寺、夏鲁寺、托林寺等寺院。
西藏最珍贵的唐嘎珍藏在山南的昌珠寺，这幅唐嘎用两万九千多颗珍珠镶嵌而成，主像是观音菩萨，珍珠唐嘎银光闪闪，灿烂辉煌。西藏最大的唐嘎珍藏在举世闻名的布达拉宫中，共九幅，布达拉宫专门建造了一栋340平方米的二层楼房珍藏这些唐嘎，保存完好，织锦亮丽如新，佛像容颜清晰，均为珍贵的国宝。
西藏有世界上最大的唐嘎，叫“至贵殊灵”，诞生于20世纪90年代，1996年3月3日在拉萨布达拉宫开光，这幅唐嘎高45米，宽32米，重3吨，为世界之最。其制作历经1年零3个月，耗资2千万元，由佛像绘画大师扎西次仁设计，领衔裁剪缝制的是多吉，经过7道复杂的手工工序完成，其工作量之大，可想而知。这幅唐嘎的画面塑造了藏传佛教各大教派的创始人，是没有教派门户之见的大荟萃。在布达拉宫里，还有一组唐嘎，共一百多幅画面，描绘萨迦法王八思巴降生、赴凉州、应召进京、返藏、二次进京、皇帝册封、圆寂等主要生平事迹，故事性极强。在唐嘎中，不仅有这种人物传记画，还有宗教画、肖像画、故事画、建筑画、风俗画、历史画等丰富多彩的内容，唐嘎是藏族人民的“百科全书”。
1.下列关于“唐嘎”的表述，符合原文意思的一项是 ( )
A．唐嘎是我国藏族地区独有的一种彩画，悬挂于西藏寺院、宫殿、经堂之中，在宗教界和美术界具有独特的地位，是珍贵的国宝。
B．唐嘎是在藏族绘画传统的基础上，汲取了汉族地区和印度、尼泊尔等地区的绘画技艺，展示了西藏社会的变迁，是各族艺术家创作智慧的结晶。
C．唐嘎最著名的流派是“门当”派和“青孜”派，“门当”派以严谨见长，“青孜”派以奔放活泼著称，其代表作品多见于当地不同寺院。
D．唐嘎是一种绘于布面的轴画，大小不等，风格各异，它融历史、知识、趣味、宗教、民风民俗于一炉，是藏族人民的“百科全书”。
2.下列对唐嘎制作工艺的理解，不符合原文意思的一项是( )
A．唐嘎在色彩运用上讲究富丽，强调对比，追求金碧辉煌的效果。其最珍贵的佛像作品用珍珠镶嵌而成，银光闪闪，灿烂辉煌。
B．唐嘎在画法上，有工笔重彩和白描两种，笔力精细饱满，强调动静结合，所画佛像身体各部位比例要求严格，构图严谨。
C．唐嘎在运笔上注重顿挫变化，刚柔相济，线条粗细有致，或粗犷有力，或圆润流畅，所绘形象栩栩如生，传神动人。
D．唐嘎在制作方式上丰富多彩，有刺绣、织锦和贴花等。其作品制作周期长，手工工艺复杂，耗资多，工作量大。
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当前，中国诗歌进入了缺乏创新激情的贫乏状态，摆脱不了平庸的纠缠，那些曾经让读者心动不已的追寻民族独特体验和表达人类普遍情感的具有独创性的艺术精品似乎与人们的日常生活渐行渐远，中国诗歌正难以避免地进入了缺乏艺术杰作的窘境。造成当前中国诗歌创作难尽人意的原因是多方面的，而其中最关键的因素则是，整个社会的文学审美意识的普遍弱化导致诗歌评价标准的缺失。
那么，究竟什么样的诗歌是好诗歌？
好诗歌是对一个时代的现实生活状况的深度把握和对一个民族的内在精神追求的审美洞察，是从诗人的心灵深处自然流淌出来的真诚关爱。诗人的把握现实生活既不是对当下生活时尚的浮光掠影式的涉猎，也不是对自我生活趣味的低吟浅唱式的回味，而是要深入到普通民众的具体生活中，挖掘隐藏在日常生活表象下的精神潜流。现实生活是文学创作的原点，诗人绝不是为了创作的目的才走进普通民众的生活里去，而是要以普通民众的生活作为出发点，深入到普通民众生活的底层。如同秘鲁作家马里奥·略萨所说，作家的责任就是“要用想象力穿透生活”，用自己的艺术创造去“结构生活现实”。一个时代的现实生活形态是复杂多样而又千差万别的，诗人对现实生活状况的把握绝不是在诗歌中表现琐碎的生活细节，而是要在涌动的生活潮流中追寻一个民族的内在精神走向，探求一个普通民众在日常生活中呈现出来的内在情绪。
好诗歌是对超越国界的人类精神的合理张扬和对跨越时空的人类永恒价值的诗意追问，是从诗人的精神底层逐渐升华出来的人性思索。文学是一个民族特定时代里的精神产物，理所当然具有鲜明的时代性和社会性，打上了无法替代的特定民族的烙印。然而，一切伟大的文学作品之所以能够超越国界和跨越时空，根本原因就在于其对人类共同追寻的普遍精神的表达．因此，好诗歌就不能将目光仅仅停留在一个时代的民族现实生活状况的展现上，而是要以此为出发点，善于发现隐藏在自己民族精神底层的具有人类普遍性的共同价值，诸如对真的肯定，对善的弘扬，对美的向往，对理想的追寻，对自我的超越，对个人自由的肯定，对人格尊严的尊重等等。诗人的责任就在于融入普通民众的现实生活中，在积淀了一个民族的历史记忆的日常生活中去追寻人类的终极价值。
好诗歌是对日常生活语言的审美升华。 “五四”新文化运动以后，白话成为文学创作的主要工具，口语化成为诗歌发展的一个重要趋向．然而，诗歌创作的口语化并不意味着语言的平庸化。日常生活中的口语可以成为诗歌创作的语言，但是它必须是经过诗人的审美加工的。诗歌语言的口语化不仅是诗歌语言的艺术化，而且更是诗人以诗意化的语言表达自己的生活情感的审美化。
（节选自郭国昌《诗歌价值如何认定》
1.下列各项中，对诗歌的分析不符合本文所论“好诗歌”标准的一项是（ ）
A．“金黄的稻束站在／割过的秋天的田里／我想起无数个疲倦的母亲……没有一个雕像能比这更静默。”（《金黄的稻束》）诗人表现了一个民族的“坚韧”和“静默”的精神内涵。
B．“卑鄙是卑鄙者的通行证／高尚是高尚者的墓志铭……告诉你吧／世界／我一不一相一一信！。”（《回答》）诗人以清醒的眼光审视十年浩劫，愤怒而又不失理性，强烈渴望重新确立人类的基本价值。
C．“你在桥上看风景／看风景的人在楼上看你／明月装饰了你的窗子／你装饰了别人的梦。”（《断章》）诗人通过日常生活语言和意象的排列组合，表达了常人司空见惯却又难以言说的人生体验。
D．“我是空心菜爱好者／所有的土地都种上空心菜／没有人知道这是为什么／没有为什么／我就是个空心菜爱好者。”（《空心菜》）诗歌自然地流露出诗人对自我生活趣味的欣赏，形式自由，不落窠臼。
2.下列理解和分析，不符合原文意思的一项是（ ）
A．当前中国诗歌创新激情缺乏，出现了平庸化的状态，艺术精品越来越少，缺乏真正追寻民族独特体验和表达人类普遍情感的艺术杰作。
B．好的诗歌不应该有诗人自己的影子，而应深度把握现实生活，作者要深入到普通民众生活的底层，表现隐藏在民众日常生活表象下的精神追求。
C．造成中国诗歌现状的原因很多，但最重要的因素是诗歌评价标准的缺失，而造成这一标准缺失的原因则是整个社会的文学审美意识的普遍弱化。
D．好的诗歌应该能够跨越国界、跨越时空，合理张扬人类共同的精神追求，诗意追问人类永恒的价值取向，是诗人对整个人类的人性的思索。
3.根据原文内容，下列理解和分析不正确的一项是（ ）
A．文学具有鲜明的民族性，世界的首先是民族的，如果诗人在创作时抓住了积淀了一个民族的历史记忆的日常生活，就能反映人类共同的价值。
B．诗人把握现实生活，不是表现琐碎的生活细节，也不是轻描淡写的反映当下生活的新时尚，而是应该把握涌动的生活潮流中的内在民族精神。
C．好的诗歌绝对不是离开一个民族的现实生活状况而去反映人类共有的普遍价值，人类共有的普遍价值体现在各个民族具体的现实生活中。
D．白话诗歌是现当代诗歌的主流，但白话不等同日常口语，好的白话诗，其语言必经诗人的审美加工，是以诗意化的语言表达自己的生活情感。
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生长在历史中的青藤
王敦贤
①我此来绍兴，是拜谒青藤书屋，凭吊饱受世间苦难的明代文学艺术大师徐渭的。
②走进书屋大门，迎面是一个小小的冷清的园子。园子尽头是一间后人重建的前后两室的老式瓦房。前室正中悬挂着明末大画家陈洪绶题写的“青藤书屋”匾额和徐渭画像。
③眼前的书屋与徐渭自己所画的“青藤书屋图”已大相径庭。徐渭的画上，是几间排列不规则的草屋，正如他在画上所题，“几间东倒西歪屋”。而据他题词的下句“一个南腔北调人”来推断，徐渭的晚年直至去世都是在那几间草屋中度过的。尽管书屋为后人重建，但确是在青藤书屋的故址上，这是毋须怀疑的。书屋旁的小天井里，那十尺见方、徐渭所称“天池”的小水池还在，天池正中竖有一方形石柱，上刻“砥柱中流”四字，也是徐渭手笔。靠墙，青砖砌成的花坛上，那一棵郁郁葱葱的青藤虽为后人补植，但在那同样的位置，徐渭手植的一棵青藤也确实蓊郁过。倔强孤傲长于顽石之中而终年葱绿的青藤，正是徐渭的精神象征，无怪乎他以“青藤”作为自己的别号了。
④我在这徐渭狂啸过、痛哭过的青藤书屋里久久地低徊默想，一阵阵寒意透进骨髓。这位旷世奇才，诗文书画俱佳的艺术大家，并非恃才傲物的狂狷之士，仅从他的《镜湖竹枝词》即可看出，他是热爱世俗生活的啊！可世俗生活却怎么也容不下他。一只看不见的手，在他刚刚成年时就给他预设了种种打击，直到他去世。
⑤徐渭少年时便才华显露，可却连续八次乡试未中。他当过幕宾，参加过抗倭斗争并立了功，参加过反奸相严嵩的斗争，曾六次坐牢。他一生穷困潦倒，晚年靠卖书画度日。为了生存，数千卷心爱的藏书也变卖一空，最后在贫困交加中离开了人世。
⑥这便是天才的命运吗？
⑦我想，设若命运改变一下徐渭的品格，他的人生又将是怎样一种境况呢？假如他不那么张扬个性，以他的才华，在科举考试中会一路顺利，那也就成了几品大员，锦衣玉食、宝马香车少得了吗？即使科举不中，随和一些，隐忍一些，找关系，托门子，拿自己的作品当礼送，在哪家权贵门下做个清客，总是可能的吧，也可衣食无忧，免遭冻馁啊！
⑧当我踱进展室，看见《黄甲图》和《墨葡萄图》时，立即否定了自己荒唐的设想。徐渭笔下的汪洋恣肆，乃是一个天才画家内心深度焦虑的宣泄。正是这种宣泄，构成了他艺术的精魂。他是那样的孤高，那样的自信，那样的卓尔不群，那样的反叛正统。要这样的艺术天才、反传统的斗士去迎合世风、摧眉折腰是不可想象的。如果他真的放弃坚守，出卖自己，他还能做这水墨淋漓、恣肆放纵的画吗？还会有强心铁骨、才横笔豪的书法吗？还会有血气奔涌悲声如诉的诗文吗？不，不会有了。那就不会有我们现在称道的徐渭了。往深里想，命运也是公正的。在他那神秘之手的一再敲打下，徐渭落魄、困顿、遭受诟辱，在贫病中死去；但同是这敲打，又造就了徐渭独特的、后人难以企及的艺术品格。
⑨命运之手敲打过古人，也敲打着今人。我本是来凭吊徐渭的，本以为能在凭吊之后走笔行文，痛斥龌龊的世俗，给徐渭以真挚的悲悯，不想倒是徐渭先生悲悯了我。尽管我未遭冻馁，但我有属于我自己的哪怕一小片精神领地吗？有徐渭那种“深山无人收，颗颗明珠走”的坚信自己是明珠的自信吗？
⑩我站在书屋前，久久地、久久地凝视着眼前的青藤。这株在人们心目中存活了400多年的青藤啊。时间的推移,只会使它愈益葱茏。这株青藤已生长在人类的历史中了。
1.下列对原文的理解，不正确的两项是（ ）（4分）
A. 青藤书屋的前室正中悬挂着明末大画家陈洪绶题写的“青藤书屋”匾额，徐渭的晚年就是在绍兴的这几间老式瓦屋中度过的。
B. 作者写到书屋旁的“天池”及出自徐渭手笔的“砥柱中流”四字，证明了此地的确是青藤书屋的旧址，也透露着徐渭的志趣。
C. 徐渭曾在靠墙的花坛处亲手种过一株青藤，并将“青藤”作为自己的别号。青藤倔强孤傲、终年葱绿，正是他精神的象征。
D. 徐渭曾经参加过抗倭斗争和反奸相严嵩的斗争，正因为有过这样的斗争经历，他的作品才会具有强心铁骨，才会才横笔豪。
E. 徐渭笔下的汪洋恣肆，是内心深度焦虑的宣泄。是命运的敲打，造就了他独特的艺术品格，所以作者说“命运也是公正的”。
2.请具体说说，作者感到“一阵阵寒意透进骨髓”的原因是什么？（4分）
3.第⑦段中作者假设了徐渭品格改变后可能出现的人生境况，这样写有什么好处？（4分）
4.徐渭多才多艺，学识品格都给当世及后代留下深远影响。结合全文，概括徐渭广受人们推崇的原因，我们从中可获得哪些启示？请结合原文并联系现实加以探究。（8分）
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（一）
十三世纪中，教皇权势强盛，文化中心由罗马移向北欧，一种象征全盛的教权的教堂建筑样式——哥特式在那里产生。
哥特式教堂建筑的出现，使宗教艺术别开生面。其特色一言以蔽之，曰“高”。然而这与现代商业大都市的高层建筑的高不同，前者向天，后者着地。教堂建筑高而尖，有向上超升之妙；商业建筑高而平，有着地堆积之感。故百几十层的摩天阁虽然比哥特式的教堂高得多，但沉重地叠置在基地上并无崇高之美感。反之，哥特式的教堂形似一簇怒放的春花，彷佛拼命地想从地上抽发出来，向天空生长；又如一簇火焰，势将上冲霄汉：所谓“锦绣的森林”是也。
形成这种样式崇高而秀丽特色的要素是柱头和尖头拱门。为求增加垂直的效果，哥特式不用一根根的粗柱，改用一束束的细柱。又在屋顶上加尖高塔，使柱束上的许多垂直线因尖高塔的引伸而向天延长，至于无穷无尽之境。柱束之间，不用壁而用尖头拱门形的窗。壁有板滞之感，足以减却向上之势，尖头窗则增加了秀丽与崇高。教堂的内部，无数的尖头拱门交互错综于上，仰望时似觉身在大森林中，而毫无屋顶压迫之感。总之，哥特式建筑全无墙壁，只有细柱、尖窗和尖塔，几乎没有水平线，全体由垂直线构成。这种建筑形式萌芽后，很快风行全欧，不但教堂建筑上用之，一般的建筑也都受这种样式的影响。
“锦绣的森林”般的哥特式教堂诞生，宗教建筑的发展就达于极点。这种式样的杰作，多在北欧，德国的科隆大教堂为哥特式中的典范。这教堂工程历六世纪之久，其工作之困难盖可想见。为了表现宗教的神秘相，建筑师把宗教的精神翻译成视觉的形态，用形体来表现抽象的观念，于是否定了石材的力学的性质，极度地使用结构的技法。哥特式冒险尝试而成功的另一例是意大利的米兰大教堂。这教堂的形式，虽与科隆大教堂大同小异，但是北欧的大势与意大利的传统的合并式样，可为建筑史上的一件特殊的纪念物。这教堂全部用白色大理石为材料，据说，是意大利人欲与北方的阿尔卑斯山争高而建造的。
十六世纪，哥特式建筑无视建筑构成的约束一味冒险求高，终于陷入自灭的运命。此时基督教势力也由于极度地扩张，达到了衰沉的时期。世间一切文化相关联，政治、宗教、艺术，互相牵制而展进着，不可分离，哥特式建筑与中世纪的封建制和教会权同时没落不正说明了这一点吗?
（选自《丰子恺谈建筑》，有删改）
1.下列理解和表述，符合原文意思的一项是 （ ）
A．教皇权势强盛，欧洲文化中心北移，使宗教建筑艺术发展到极点，别开生面的哥特式教堂应运而生。
B．哥特式教堂屋顶的尖高塔，使柱束的垂直线得以引伸而向天延长，至于无穷，切合了向上超升的宗教观念。
C．否定石材的力学的性质，极度地使用结构的技法，最终哥特式建筑在一味冒险求高中获得成功。
D．据说，为与阿尔卑斯山争高，意大利人兼容并蓄建造的米兰大教堂，成了建筑史上的一件特殊的纪念物。
2.对最后一段中作者所表达的观点，理解不正确的一项是 （ ）
A．十六世纪，哥特式建筑与基督教势力同时达到衰沉期，这并不是偶然的巧合。
B．基督教势力的极度扩张促使教堂建筑一味求高，是哥特式建筑自灭的外因。
C．无视建筑构成的约束，违背客观规律，是哥特式建筑走向衰亡的自身原因。
D．世间一切文化相互关联，不可分离，哥特式建筑与教权的同兴同衰就是明证。
3.根据原文提供的信息，以下推断不正确的一项是 （ ）
A．面对被誉为“锦绣的森林”的哥特式教堂，即使不是基督徒，也会赞叹其秀美与崇高。
B．普通的民用建筑受哥特式教堂建筑的影响，窗户往往采用尖头拱门的形式。
C．商业建筑大量采用板滞的墙壁，减却向上之势，即使高可摩天，也不能给人崇高的美感。
D．哥特式教堂的建筑样式，不仅影响了民用建筑，而且也会影响到其他的艺术形式。
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十三世纪中，教皇权势强盛，文化中心由罗马移向北欧，一种象征全盛的教权的教堂建筑样式——哥特式在那里产生。
哥特式教堂建筑的出现，使宗教艺术别开生面。其特色一言以蔽之，曰“高”。然而这与现代商业大都市的高层建筑的高不同，前者向天，后者着地。教堂建筑高而尖，有向上超升之妙；商业建筑高而平，有着地堆积之感。故百几十层的摩天阁虽然比哥特式的教堂高得多，但沉重地叠置在基地上并无崇高之美感。反之，哥特式的教堂形似一簇怒放的春花，彷佛拼命地想从地上抽发出来，向天空生长；又如一簇火焰，势将上冲霄汉：所谓“锦绣的森林”是也。
形成这种样式崇高而秀丽特色的要素是柱头和尖头拱门。为求增加垂直的效果，哥特式不用一根根的粗柱，改用一束束的细柱。又在屋顶上加尖高塔，使柱束上的许多垂直线因尖高塔的引伸而向天延长，至于无穷无尽之境。柱束之间，不用壁而用尖头拱门形的窗。壁有板滞之感，足以减却向上之势，尖头窗则增加了秀丽与崇高。教堂的内部，无数的尖头拱门交互错综于上，仰望时似觉身在大森林中，而毫无屋顶压迫之感。总之，哥特式建筑全无墙壁，只有细柱、尖窗和尖塔，几乎没有水平线，全体由垂直线构成。这种建筑形式萌芽后，很快风行全欧，不但教堂建筑上用之，一般的建筑也都受这种样式的影响。
“锦绣的森林”般的哥特式教堂诞生，宗教建筑的发展就达于极点。这种式样的杰作，多在北欧，德国的科隆大教堂为哥特式中的典范。这教堂工程历六世纪之久，其工作之困难盖可想见。为了表现宗教的神秘相，建筑师把宗教的精神翻译成视觉的形态，用形体来表现抽象的观念，于是否定了石材的力学的性质，极度地使用结构的技法。哥特式冒险尝试而成功的另一例是意大利的米兰大教堂。这教堂的形式，虽与科隆大教堂大同小异，但是北欧的大势与意大利的传统的合并式样，可为建筑史上的一件特殊的纪念物。这教堂全部用白色大理石为材料，据说，是意大利人欲与北方的阿尔卑斯山争高而建造的。
十六世纪，哥特式建筑无视建筑构成的约束一味冒险求高，终于陷入自灭的运命。此时基督教势力也由于极度地扩张，达到了衰沉的时期。世间一切文化相关联，政治、宗教、艺术，互相牵制而展进着，不可分离，哥特式建筑与中世纪的封建制和教会权同时没落不正说明了这一点吗?
（选自《丰子恺谈建筑》，有删改）
1.下列理解和表述，符合原文意思的一项是（ ）
A．教皇权势强盛，欧洲文化中心北移，使宗教建筑艺术发展到极点，别开生面的哥特式教堂应运而生。
B．哥特式教堂屋顶的尖高塔，使柱束的垂直线得以引伸而向天延长，至于无穷，切合了向上超升的宗教观念。
C．否定石材的力学的性质，极度地使用结构的技法，最终哥特式建筑在一味冒险求高中获得成功。
D．据说，为与阿尔卑斯山争高，意大利人兼容并蓄建造的米兰大教堂，成了建筑史上的一件特殊的纪念物。
2.对最后一段中作者所表达的观点，理解不正确的一项是（ ）
A．十六世纪，哥特式建筑与基督教势力同时达到衰沉期，这并不是偶然的巧合。
B．基督教势力的极度扩张促使教堂建筑一味求高，是哥特式建筑自灭的外因。
C．无视建筑构成的约束，违背客观规律，是哥特式建筑走向衰亡的自身原因。
D．世间一切文化相互关联，不可分离，哥特式建筑与教权的同兴同衰就是明证。
3.根据原文提供的信息，以下推断不正确的一项是（ ）
A．面对被誉为“锦绣的森林”的哥特式教堂，即使不是基督徒，也会赞叹其秀美与崇高。
B．普通的民用建筑受哥特式教堂建筑的影响，窗户往往采用尖头拱门的形式。
C．商业建筑大量采用板滞的墙壁，减却向上之势，即使高可摩天，也不能给人崇高的美感。
D．哥特式教堂的建筑样式，不仅影响了民用建筑，而且也会影响到其他的艺术形式。
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