阅读下面的文字，完成下面小题。尽管古代东方写意画的意境潇洒、品格高雅，但这恐怕还不是中国画...

阅读下面的文字，完成下面小题。

尽管古代东方写意画的意境潇洒、品格高雅，但这恐怕还不是中国画主要的成就，西方绘画在表现个性情感方面所产生的经典作品应该也是______。况且西方画家生性淳朴，待艺术真诚，且开放______，尤其越到近代，画面意味也越醇厚，这是值得我们学习的。中国画作品令西方羡慕的恐怕还是水墨写意画里因为书法线条的介入以及______理论的完善，最终完成了中国画的主体。也可以说，正是因为有了书法线条的介入，中国绘画就在反“写实”和纯“抽象”的环境中成立了自己的语言系统，并且广博幽微，包含广大，这个语言系统又极具现代价值。

中国画赖以存在的基本特征是以毛笔线条表现为主导的“写意画”，（　　）。有了“自然质朴”的社会情感，就会少很多______的“假大空”的，脱离人们群众真实情感的美术样式，这也是中华文明以淳朴务实为基础的民族精神的特征——对“浮华制作”的厌弃以及对具有“朴实内美”精神品格的笔墨写意的尊重。

1.依次填入文中横线上的词语，全都恰当的一项是（　　）

A.不胜枚举　　　　　 包容　　　　　 现代化　　　　　 装腔作势

B.不乏其人　　　　　 容纳　　　　　 体系化　　　　　 矫揉造作

C.不胜枚举　　　　　 包容　　　　　 体系化　　　　　 矫揉造作

D.不乏其人　　　　　 容纳　　　　　 现代化　　　　　 装腔作势

2.文中画横线的句子有语病，下列修改最恰当的一项是（　　）

A.所以中国绘画就在反“写实”和纯“抽象”的环境中建立了自己的语言系统，并且这个语言系统包含广大，极具现代价值，广博幽微。

B.所以中国绘画才在反“写实”和纯“抽象”的环境中成立了自己的语言系统，极具现代价值，并且这个语言系统包含广大，广博幽微。

C.中国绘画就在反“写实”和纯“抽象”的环境中成立了自己的语言系统，并且这个语言系统包含广大，广博幽微，又极具现代价值。

D.中国绘画才在反“写实己和纯“抽象”的环境中建立了自己的语言系统，并且这个语言系统包含广大，广博幽微，又极具现代价值。

3.下列填入文中括号内的语句，衔接最恰当的一项是（　　）

A.它可以统摄在以“自然”观照为特征的人文范畴内，并且也可以容纳诸多的现代艺术观念

B.它可以容纳诸多的现代艺术观念，并且也可以被统摄在以“自然”观照为特征的人文范畴内

C.它可以被统摄在以“自然”观照为特征的人文范畴内，并且也可以容纳诸多的现代艺术观念

D.它可以容纳诸多的现代艺术观念，并且也可以统摄在以“自然”观照为特征的人文范畴内

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笔墨与写意

颜锋

中国传统绘画表现手法的明显特征，是运用线条和笔墨，塑造成点线结构的艺术形象。这固然与绘画所用的毛笔、水墨加宣纸有关，但更是写意的审美追求所致。

西方绘画的表现手法有两个明显的特征：一是透视，二是光影素描法。这两大艺术法则都是建立在几何学、物理学的知识基础之上的，渗透着科学的成分。达·芬奇在画论中甚至明确地把绘画作为科学来研究。可见，西方绘画是非常注重理论和技法的科学性的。这与科学正在那时兴起不无关系。文艺复兴产生了人文主义，也产生了科学主义。

二者在近代以来的西方绘画中都有突出的表现。没有科学，也就没有西方绘画。从摹真这一点来看，中国传统绘画与西方绘画是有相当大的区别的。在表现技法上，西方绘画使用的是块面结构，中国传统绘画使用的是点线结构。如果说西方绘画是块面与颜色的交响。那么中国传统绘画则是点线与水墨的协奏。总体说来，块面结构长于描摹，点线结构长于写意。此外，中国传统绘画不强调透视、光影和色彩，只是粗略地要求近大远小、黑白阴阳。因此，想让中国传统绘画达到完全的摹真是不可能的。

中西绘画表现手法存在这些差别，究其原因大概有三：一是中西方绘画工具的差别；二是中国没有产生近代科学；三是中国古代画家不看重摹真，因而不去进一步追求透视和光影。最根本的原因在于第三条，中国古代画家追求神似，追求写意。也就是说，“神似”“写意”的艺术观决定了中国传统绘画的表现手法。

对于神似和写意而言，笔墨可谓极佳的表现手法。笔法可以画出长短粗细、轻重疾徐、繁简虚实、刚柔润枯的各种线条。可以模拟各种对象及其不同的质感。花的柔嫩、鸟的轻盈、山的坚硬、水的灵动等。在功力深厚的画家笔下都可以描绘得惟妙惟肖。墨法则利用墨的浓、淡、干、湿、焦、枯、宿、积、泼、破进一步刻画对象。

笔墨的作用远不止此，最重要的是表达画家的思想感情。唐朝以后，由于书法的发展，线条的表现能力明显增强了。到了宋代，苏轼、文同等人把书法导入了文人画。笔墨成为中国传统绘画中的重要因素。线条不只是描摹对象的轮廓线，而是本身就具有了一种抽象的形式美。水墨也成为相对独立于对象的要素，墨色的清新意趣成为评价一幅画的优劣的一个标准。由于用笔墨写意比油画或素描的精雕细刻来得快捷，因此写意画更适宜表达灵感或瞬间的感受和情绪。

笔墨看似仅仅是绘画技巧，实际上却是画家思想观念、道德情操、学识阅历、志趣个性的综合体现。在中国传统绘画的发展过程中，金石书法、诗词和音乐都对它产生了较大的影响。“书骨”“诗魂”“乐韵”是一幅优秀中国画的美学特色。西方绘画要求画家对色彩光影有敏锐的观察力和相应的几何学、物理学知识。中国传统绘画则要求在观察力的基础上还具有丰富的学识和诗情画意。

中国传统绘画的笔墨手法缺少科学因素，摹真能力不如西方绘画，这不能不说是一种缺陷。但艺术毕竟不同于科学，渗透着科学成分的绘画并不一定比没有科学因素更高级。相反，中国传统绘画在“神似”“写意”表达画家思想感情方面更胜一筹。因此，中国传统绘画的笔墨是较多体现出人文精神的绘画技法。

“笔墨当随时代”。中国传统绘画的笔墨如何吸收西方绘画中的合理因素，使中国画既具有科学性又更具有人文精神，是中国画今后发展中需要探索和解决的问题。
1.下列对中国传统绘画表现手法“笔墨”的理解，不正确的一项是

A．笔法可以利用画出的各种线条来模拟不同的对象及其质感，墨法则可以利用墨的浓、淡、干、湿等不同方式来进一步刻画描摹的对象。

B．随着书法的线条表现能力的明显增强，宋代苏轼等人把书法导入文人画，笔墨成为传统绘画中的重要因素，能够更好地表达画家的思想感情。

C．笔墨中的线条本身就具有抽象的形式美，水墨也可以相对独立于描摹对象，可以说墨色运用的好坏是评价中国传统绘画优劣的主要标准。

D．笔墨不仅仅是绘画技巧，与画家的个人修养有着密切的联系，是画家思想观念、道德情操、学识阅历、志趣个性的综合体现。
2.关于中国传统绘画和西方绘画的区别，下列表述不正确的一项是

A．中国传统绘画表现手法的明显特征是运用线条和笔墨，而西方绘画表现手法的明显特征是运用透视和光影素描法。

B．中国传统绘画不注重科学性，与中国没有产生近代科学有关；西方绘画注重理论和技法上的科学性，与西方文艺复兴时期产生了科学主义有关。

C．中国传统绘画注重点线与水墨的和谐，追求写意，追求神似；西方绘画注重块面与颜色的和谐，追求摹真，追求形似。

D．中国传统绘画和西方绘画都要求画家具有敏锐的观察力，前者还要求画家具有丰富的学识和诗情画意，而后者只要求画家具有相应的自然科学知识。
3.下列表述，符合原文内容的一项是

A．中国传统绘画不强调透视、光影和色彩，只是粗略地要求近大远小、黑白阴阳，无法达到完全的摹真，在艺术价值上低于西方绘画。

B．西方的油画或素描讲究精雕细刻，没有中国传统绘画的笔墨写意来得快捷，不能表达灵感或瞬间的感受和情绪。

C．金石书法、诗词和音乐都对中国传统绘画的发展产生了较大的影响，使得中国传统绘画作品兼具“书骨”“诗魂”“乐韵”的美学特色。

D．中国画要在保持人文精神等传统精髓的基础上，探索吸收西方绘画中科学性等合理因素，以更好地顺应时代的发展。

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阅读下面的文字，完成以下3题。

说“似”

杨铸

与西洋绘画一度发展到极致的科学写实精神不同，中国古代绘画开辟的是一条具象写意的创作道路。所谓具象写意，非严格写实，亦非纯粹表现；不离物象，又不拘于物象；“造化”与“心源”化合为一，了无痕迹。    一个“似”字，其中潜存着厘清中国古代绘画具象写意传统的重要线索。古代绘画理论言“似”，主旨乃是在标示绘画作品形象体系与外在世界之间的复杂对应关系。

一方面，古代绘画理论通过对“似”的肯定，实际上肯定了中国绘画艺术的具象特性。  “似”之本义即相像、近似。宋代以前，绘画的题材一直“以人物居先”。画人物，最基本的要求之一就是“似”。在这里，“似”被理解为绘画的恒常追求。宋代以后，山水画、花鸟画繁盛，“似”的意识则一直不断延展，有新变，但并未遭到过彻底的颠覆。讲“似”，意味着绘画作品不是绝对独立自足的：讲“似”，强调了绘画作品需要以外在世界作为自身的基本参照系统；讲“似”，引导着画家超越对抗关系而去追求与外在世界的一致。

另一方面，古代绘画理论通过对“似”的具体界定和阐发，准确揭示了中国绘画艺术的写意趋势。肯定绘画要“似”，并不等于倡导极端的写实。在人物画占据中心位置的阶段，借着“传神”目标的确立，古代绘画理论适度地拉开了“似”同完全写实之间的距离。谢赫称“画有六法”，居首者为“气韵生动”，而联系人物画的艺术实践可知，所谓“气韵生动”，强调的就是“传神”。由强调“传神”，延伸到厘分“神似”与“形似”，再延伸到重“神似”而轻“形似”，这一历程带给中国古代绘画的直接结果，就是对严格写实的艺术超越。

到山水画兴盛以后，古代绘画理论与时俱进，对“似”的阐发叉出现了重要的衍变。

新变之一是推重“神似”的范围，由人物扩展到了山水景物。所谓“物”之“神”，并非纯粹的客观存在，实乃画家对山水草木之生机天趣与文化底蕴的艺术掌握，是物理与人情的统一，自然与艺术的统一。显然，这种为“物”“传神”的要求本身，即已经潜移默化地将写实与写意两极，均衡地融为了一体。

新变之二是“不似之似”意识的确立。伴随着大写意技法的孕育和发展，明清之际一些在绘画史上占有重要地位的画家，在继续贬抑“形似”的同时，高张起了“不似之似”的理论旗帜。

中国古代绘画作品自身的艺术形象体系，并不与外在世界的艺术掌握对象保持形态上的高度同一，故曰“不似”。“不似”者，乃“形”“不似”，是对写意趋向的首肯，对执著于“形似”的极端写实艺术道路的否定或超越、这“不似”，绝非造型能力低下，而是一种艺术自觉的标志。同时，中国古代绘画创作叉始终坚定不移地将追求同外在世界的深层一致，设定为终极的艺术目标，故曰“似”。“似”者，乃“神”之“似”，理之“似”，自然之“似”，艺术之“似”，既是对具象方式的固守，更是对艺术与自然交融为一的理想境界的简明表述。

“不似之似”，可以说是对“似”的最为切当的解释和说明，是对中国古代绘画艺术具象写意特征的最为精辟的概括和揭示。中国古代绘画为创造“不似之似”的具象写意的形象体系，开辟了一条个性化的艺术道路。在这里，师法自然与抒写性灵之间达成了完美的平衡。古代画家极为重视对外在世界的接触、观察、把握，视其为作画的前提条件。对于古代画家来说，用以审视的“目”，固然不可忽视；用以感受的“心”，更具有决定性的意义。以心灵去师法自然，将心灵与自然化合为一，这样重新熔铸而创造出的绘画形象体系，既保留着自然的大体形貌，又艺术地超越了细节的精确一致，正所谓“不似之似”。

(节选自2010年第1期《文史知识》）

1.下面对“不似之似”的理解，最恰当的一项是(    )(3分)

A．“似”是绘画的恒常追求，指所绘人物、花鸟等与客观实际相像。

B．“不似”是指不与外在世界的艺术掌握对象保持形态上的高度同一。

C．“不似之似”是指绘画作品有像又不像，是造型能力低下的一种表现。

D．“不似之似”是既“形似”又“神似”，是艺术与自然交融为一的理想境界。

2.下列理解和分析，不符合原文意思的一项是(    )(3分)

A. 我国古代绘画强调具象写意，而西洋绘画则追求科学写实。

B. 我国古代绘画理论通过对“似”的肯定、界定和阐发，既肯定了中国绘画艺术的具象特性，又揭示了中国绘画艺术的写意趋势。

C．我国古代绘画中“似”的意识一直不断延展，却并未遭到彻底的颠覆，例如：人物画强调神似，而花鸟画、山水画则只求形似。

D．“不似之似”，是对“似”的最为恰当的解释，是对我国古代绘画艺术具象写意特征的最为精辟的概括。

3.根据原文内容，下列推断正确的一项是(    )(3分)

A．“具象写意”的绘画传统指的是：既不离物象，又不拘泥于物象；既不写实，也不纯粹表现心灵感受。

B．中国古代绘画作品形象体系与外在世界之间的复杂对应关系存在三种情形：一曰“似”，二曰“不似”，三曰“不似之似”。

C．对于画家来说，用心灵感受与用眼睛观察具有同样重要的意义。

D．“文同画竹，早已胸有成竹”，说的是北宋画家文同画竹子根本用不着画草图。这说明绘画并不一定要师法自然，而完全可以想象创造。

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阅读下面的文字，完成各题。

中国画的本质特点是什么呢？我认为主要有两点：一是象形与写意的相辅相成，这种主客体的对立统一，生成了中国绘画的本质哲学观，并由此生发出中国画丰富多样的独特表现方法；二是兴成教化的核心价值观和适情达意的审美价值论的辩证统一。

中国画具有写形、象形之历史传统，虽然文人画重写意简笔，但仍有写实工笔的意蕴存在于中国画的形式和精神之中，否则，中国画会完全拒绝西式素描、明暗造型等写实手法，而西方之古典写实方法在中土也会水土不服。无论是徐悲鸿、蒋兆和等人的教学与创作体系，还是周昌谷、方增先等人的新浙派人物画，都较为成功地将西方写实因素同中国水墨画相结合，推动中国画的现当代革新和发展。如果中国画本身没有工笔写实的历史传统和白描、色彩晕染等方法，这种结合就没有基础，这种革新也就不会成功。

中国美学精神又有言志表情的传统。先秦至汉魏美学，将诗歌、音乐和书法都看成是心灵意志和情感的表达。汉魏六朝绘画美学虽然主形和重形，但是我国的心志论和情感论美学精神，对于绘画仍有影响，这种影响在理论上主要表现为东晋顾恺之的“以形写神”“传神观照”，以及南朝宗炳的“畅神”和谢赫的“气韵生动”等观念中。顾恺之、宗炳、谢赫都是著名画家，他们在强调写形、象形的同时，还注意到写形状物的精神表达，即更高的精神与心志内容的要求，就是要以形“写神”“传神”，还要“畅神”，借以达到最高的美学标准“气韵生动”。

对“意”的表达也是中国画最重要的本质特点。唐代张彦远在《历代名画记》中提出“意存笔先，画尽意在”。苏轼进一步发展了士夫画观即文人画观，强调以画达意，以诗适情。而到元代倪瓒，更鲜明地提出“聊以写胸中逸气”。此外在创作中，唐代王维提出水墨最为上，五代董源、巨然，到宋代文同、苏轼、米芾，再到元四家、吴门四家、清四王，水墨写意，特别是山水画、花鸟画得到较快发展，成为主流画科和主要表现方法，那么写意自然成为中国画最重要的本质特点。

中国画家和理论家是辩证把握了主体与客体二者的关系，既强调写形，也强调传神；既强调写实，也强调表意。由于中国文人画的写意表情特点，所以在20世纪初，当西方现代主义艺术流派引入到中国时，林风眠等人开辟中西结合的另一道路，即将中国写意笔墨同立体主义、表现主义等相结合，创造现代形态的新的中国画。中国画的本性中所具有的象物写形及水墨写意的双面特征，既辩证地解决了创作中的主客体精神哲学问题，同时也为中国画发展开辟了无限广阔的道路，使中国画具有较大的包容性，以至20世纪初以来，在中西文化交流之中，既能够吸纳西方古典写实和素描的表现方法，创造新的水墨人物画，又能够融合西方现代艺术中的表现、抽象以及立体主义语言特征，创造新的现代艺术。

（节选自陈池瑜《中国画的本质：写形兼写意》）

1.下列关于原文内容的理解和分析，不正确的一项是（　　 ）

A. 中国画会拒绝西式素描、明暗造型等手法是因为中国文人画看重写意简笔，强调以画达意。

B. 中国画工笔写实的历史传统和白描、色彩晕染等方法为新浙派人物画的诞生提供了基础。

C. 中国绘画美学发展到汉魏六朝，虽然出现了心志论和情感论等观念，但整体还是强调写形、象形的。

D. 在理论上，苏轼等人强调文人画观；在创作上，王维等人强调水墨为上。水墨写意成为主要表现方法，写意为中国画最重要的本质特点。

2.下列对原文论证的相关分析，不正确的一项是（　　 ）

A. 文章开头提出中国画的本质特质主要有两点；其中本文着重于论述第一点，即象形与写意的相辅相成。

B. 文章以对比论证的方式证明了中国画具有写形、象形之历史传统又有言志表情的传统。

C. 文章按历史发展的顺序论述了水墨写意是如何逐步发展为中国画最重要的本质特质。

D. 文章立足于中国画的写意特征，以林风眠等人创作新派国画的例子，论证了中国画的包容性。

3.根据原文内容，下列说法正确的一项是（　　 ）

A. 中国画强调兴成教化的核心价值观和适情达意的审美价值论的辩证统一，所以对中国画而言，最重要的是承担社会责任和发挥伦理作用。

B. 汉魏六朝绘画美学追求的最高的美学标准是“气韵生动”，因此“畅神”比“写神”“传神”更重要。

C. 正是因为中国画家和理论家辩证把握了主体与客体二者的关系，因此中国画既强调写形，也强调传神；既强调写实，也强调表意。

D. 得益于中国画的包容性，中国画融合西方现代艺术中的语言特征，创造新的现代艺术。

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被文人所轻视的界画

中国传统的绘画技法，是当今国画发展的前提。无论是大写意，还是工笔花鸟，都是传统绘画技法的延续。然而，据今已有数千年的传统绘画技法——界画，却遭到相当长时间的冷落。

中国画传统技法界画，起源很早，据史书记载，产生于晋代，到了隋朝，界画的技法日见成熟。唐代的绘画理论家张彦远曾在《历代名画记》一书中高度评价了隋代画家展子虔的界画，他还评价了董伯仁的界画是“楼生人物，旷绝古今”。到了唐代，李思训父子的界画达到了很高的境界，他们父子继承了隋代展子虔的画风，并有较大的发展，界画技巧更为成熟。故宫博物院收藏有几件李派风格的作品，其中《宫苑图》描画工细，设色浓丽，金碧辉煌，洋溢着唐王朝欣欣向荣的时代精神。

界画，在作画时使用界尺引线而故名。明代陶宗仪所著《辍耕录》，把中国传统绘画分为十三种，即佛菩萨相、玉帝君王道相、金刚鬼神罗汉、风云龙虎、宿世人物、全境山水、花竹翎毛、野蠃走兽、人间动物、界画楼台、一切旁生、耕种机织、雕青嵌绿，而界画并列其中。

界画讲究的是严谨工丽、端庄雍容、准确、细致。画面处理上运用了动静结合、粗细相兼、方圆对应等对比绘法。界画以画建筑物见长，并以工笔技法配合，是中国画的一个独立门类。北魏时期，洛阳地区盛极一时的宗教建筑，成为界画的主要题材。数万间佛寺落墨于数万计的图本，可谓是“雕梁粉壁，青缫绮疏，难得尽言。”但是，界画也有其自身的弱点，由于过分精细，画者不仅要具有极深的绘画功底，同时还需耗费大量的时间和精力，不少文人画家为了挥洒自如，纵情于一时灵感，不太愿意把精力花费在界画创作上，久而久之，人们视界画为工匠们所为，而不屑一顾。这种艺术上的偏见一直延续至今。因此，自从18世纪初以来的约300年间，中国画坛上仅仅出现过3位有建树的界画家：清代的袁江、袁耀和1979年去世的江西画家黄秋园。在18世纪下半叶、整个19世纪和20世纪初期的将近200年时间里，界画艺术领域是一片荒凉的废墟。然而，在元代出现了一个有趣的现象。元代有几位画家因向皇宫献界画而被重用，甚或升官。其中最著名者为何澄、王振鹏。何澄曾向皇帝进献界画佳作《姑苏台》、《阿房宫》、《昆明池》，得到皇帝器重，官至昭文馆大学士，中奉大夫。王振鹏很得元仁宗赏识，献上《大明宫图》，竭力迎合，仁宗赐他在秘书监任职。在献画风气的影响下，不少文人画家从事界画，即使非专职，亦兼而能之

令人欣喜的是，界画在中国美术教学，特别是工笔画教学中，仍有一席之地。也许界画与昆曲有着同等的命运，如何改变文人对界画的轻视，使这一传统的绘画得以延续，很值得我们一思。

1.关于“界画”的理解，不符合原文意思的一项是

A.“界画”是中国传统绘画技法，因在作画时使用界尺引线而得名。

B.“界画”突出的特点，主要是严谨工丽、端庄雍容、准确、细致。

C.“界画”主要运用对比绘法处理画面，如动静结合、粗细相兼、方圆对应。

D.“界画”以画宗教建筑为主，并以工笔技法配合，是中国画的一个独立门类。

2.下面不属于界画日渐没落原因的一项是

A.界画过分精细，要求画者必须具备极深的绘画功底。

B.大多数文人画家为了纵情于一时灵感，不愿意把精力花费在界画创作上。

C.由于艺术上的偏见，人们视界画为工匠们所为，而不屑一顾。

D.18世纪初以来的约300年间，中国画坛上仅仅出现过3位有建树的界画家。

3.下列表述，符合原文意思的一项是

A.界画和大写意、工笔花鸟画，都是中国传统绘画技法的延续。

B.界画产生于晋代，到了隋朝技法日见成熟，在唐代到达顶峰。

C.何澄因向皇帝进献界画《姑苏台》、《阿房宫》、《大明宫图》而得到皇帝器重。

D.界画在中国美术工笔画教学中，占有一席之地，说明其命运已大大改善。

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阅读下面的文字，完成各题。

有着辉煌历史的中国传统色彩体系具有独特的东方文化审美内涵，在漫长的岁月中，已凝炼为中国精神　　　　　　 的部分。然而，近一百年来，在谈及绘画的色彩时，总有人认为中国画的色彩不及西方绘画丰富。这种认知，使我们与中国绵延数千年的人文艺术传统相互隔绝。还记得北京奥运会开幕式上，一幅青绿山水长卷徐徐展开，令世人　　　　　　 。这幅长卷诞生于宋朝，叫作《千里江山图》。在用色上，创作者以石青、石绿两种矿物质颜料为主要色彩着色，并在青绿颜料叠绘中寻求色彩微妙的变化，画面层次分明，色彩照人。这一富有装饰性的　　　　　　 ，是如何穿越近千年的历史。展现在我们面前的呢？从材料物性的角度分析，首先是载体的质量上乘。古人有“纸寿千年，绢寿入百”的说法。其次，（　　　　 ）。其实，从历史遗存中可以判断，东西方色彩的装饰功能均先于再现功能而出现，而且最早基本上都是利用天然的矿物质颜料在适宜的载体上涂绘。从表现的角度分析，西方艺术的表现以绚烂的色彩画为主导，而中国艺术同样也有丰富的色彩基因，一直到宋朝，色彩表现仍占据中国艺术的主流位置。如果我们不能从材料和技法的视角领悟古人，就难以理解《千里江山图》色彩何以如此绚烂多彩。唯有　　　　　　 ，梳理我们自才的传统，看清中国人文艺术真正的价值，赋予和彰显本民族人文艺术精神品位与主体性，才能确定中国人文艺术在人文艺术世界殿堂中应有的位置。

1.依次填人文中横线上的成语，全都恰当的一项是

A. 绝无仅有　 叹为观止　 吉光片羽　 寻根究底

B. 不可或缺　 叹为观止　 鸿篇巨制　 追本溯源

C. 绝无仅有　 击节称叹　 鸿篇巨制　 寻根究底

D. 不可或缺　 击节称叹　 吉光片羽　 追本溯源

2.下列在文中括号内补写的语句，最恰当的一项是

A. 是颜料及绘画手段的独特性，然而矿物质颜料性质稳定不易变色

B. 是独特的绘画手段及颜料，所以矿物质颜料性质稳定不易变色

C. 是颜料及绘画手段的独特性，因为矿物质颜料性质稳定不易变色

D. 是独特的绘画手段及颜料，而且矿物质颜料性质稳定不易变色

3.文中画横线的部分有语病，下列修改最恰当的一项是

A. 赋予和彰显本民族人文艺术精神品位与主体性，才能确立中国人文艺术在人文艺术世界殿堂中应有的位置。

B. 赋予和彰显本民族人文艺术精神尊严与主体性，才能确定中国人文艺术在世界人文艺术殿堂中应有的位置。

C. 赋予和彰显本民族人文艺术精神品位与主体性，才能确立我们中国人文艺术在世界人文艺术殿堂中应有的位置。

D. 赋予和彰显本民族人文艺术精神尊严与主体性，才能确立中国人文艺术在世界人文艺术殿堂中应有的位置。

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中国画的“写意性”

中国画表现物象、反映生活，都有自己的认识和方法。中国画家对生活中的实体形象在提炼、概括当中，运用的不是写实手法，它追求的不是形象的真实性、典型性。那么，中国绘画艺术审美意识物化形态的特征是什么？简单说来，就是“写意性”。

把“写意”视为笔墨形式，是明以后的事。中国画的“写意”，是中国传统美学的艺术观，是中国绘画艺术的表现方法，是迥异于西方美学的另一种美学体系。它理应包括从经营意象、塑造形象、表现思想主题的整个创作过程。如果把“写意”简单地看成是笔与墨之间的一种形式和单纯的绘画技法问题的话．就会妨碍我们对中国传统绘画的了解。

“神似论”所以成为中国古代画论中的一交巨流，因为“神”是主宰形貌的精神本质。所谓“形无神不活，神无形而不存”表现物象， 没有“神”，不管“形”怎样鲜明、逼肖，也很难生气郁勃。所以把写“神”、表现“神韵”“神似”作为塑造形象的最高表现。中国画在注重“神”之外，还更注重“意”，因为“神”多在物“意”之中，轻“形”与其说是基于重“神”，毋宁说是为了表“意”。因为从艺术表现看，“意”是构成“神似”、“神韵”的重要条件：“意”既是中国绘画的绘画观．又是创作方法。

“意”的内涵在中国古典绘画中是比较宽泛而多义的。“意”除指画家的主观意志、情思、画的意旨、意蕴外，还指神似、神韵、意趣：也指艺术表现上的含蓄和精练概括，当然更指意境，这在一定程度上反映了“意”的概念在绘画中似无严格的界定：这表明中国画在追求“意”的表现上，是从对具体形象的表现发展为对作品画意的表现。

“意”的基本特征，如果用一句话来概括，就是“不到之到”。清人查礼在他的《画梅题跋》中论画梅时说：“画梅不要像，像则失之刻。要不到，到则失之描。不像之像有神，不到之到有意。”中国画“不似而似”则似在“神”，“不到而到”则到在“意”，这是艺术的更高境界。

“精而造疏，简而意足”，这虽说是宋的审美趣味和审美理想，但它可以代表中国绘画艺术的审美原则。“精”之所以要“造疏”，“精”在中国画中所以来能长足地发展，是因为中国绘画艺术多以“谨细”为忌。这在唐人的《历代名画记》‘中就已提出：“精之为病也，而成谨细。”“谨细”是指对物象外在形貌的过分刻画。张彦远的《论画体》有一段文字对我们了解这一审美原则，特别是理解中国画的重“意”很有帮助。他说：“夫画物特忌形貌彩章，历历具足，甚谨甚细， 而外露巧密。所以不患不了，而患于了。”

在中国画的创作中，随着主观描写的增加，从塑造形象的写神、表意和追求自然浑成中生发机趣，进而又产生了表现画家自己思想、情意和主题内容的“写意”。但是无论是表现具体形象的“神”“意”，或是为表达画家思想感情和画中主题的“写意”，其基本方面都是相同的，这就是元人汤逅所说：“以意写之，不在迹象。”“不在迹象”并非不要依据客观“迹象”，而是说依据“迹象”，但不为“迹象”所牵，是化客观迹象为主观迹象。表物象之“意”是画家在他创造性想象的过程中，为了创造足以“达心”“适意”的艺术形象，可以不受客观对象拘束；当他创造“达心”“适意”、的艺术想象并进而表现自然景色和社会事物对，不仅不受客观对象的拘束，而且还可以用“运实入虚”或“运虚入实”的手法创造画意。

此外，中国历代画家、文人也以画“造意”，这和他们的绘画观、审美理想紧密相联。他们把绘画看作和创作诗文一样，也是抒发胸臆的一种方式。他们之所以重“意”，正是为了以达其心，适其意。唐代王维的画更带有较强的主观抒情的性质，宋人画更多的是借助梅、竹的习惯寓意来比喻人的节气和情操。

（选自2009年12月12日《美术报》，有删改）

【12、13题为选择题，请在答题卡“选择题答题区”作答。（12题选对一项给2分，选对两项给5分，多选不给分。）】

1.根据文意，下列说法正确的两项是（5分）

A．中国画的美学体系迥异于西方美学体系，它运用的不是写实手法，因此，它所塑造的艺术形象既缺乏典型性，也不真实。

B．中国绘画艺术的轻“形”，不仅是为了强调“神似”“神韵”，更是为了表“意”，因为“神似”“神韵”的构成离不开“意”。

C．中国画的创作：“意”贯穿始终。从审美构思．形象塑造，到思想主题表达，都离不开“意”，“意”既是手段，也是目的。

D．中国古典绘画力求避免“谨细”，是因为“精”在中国画中未能得到长足发展，因此，只有“精而造疏”，才能“简而意足”。

E．中国传统绘画艺术为了使艺术形象足以表达画家思想感情，在创作时，常常可以不依据客观物象，不受客观物象的拘束。

2.能够体现中国画“不到之到”的审美原则的一项是 （3分）

A．形无神而不活，神无形丽不存。

B．“意”的概念，似无严格界定。

C．画物特忌形貔彩章，历历具足。

D．宋人多以梅寄寓人之气节情操。

3.“不患不了，而患于了”中的“了”指什么？为什么中国画“患于了”？（4分）

4.在中国画的创作中，画家是怎样做到“达心”“适意”的？（4分）

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阅读下面的文字，完成下列各题。
中国画的“写意性”
中国画表现物象、反映生活，都有自己的认识和方法。中国画家对生活中的实体形象在提炼、概括当中，运用的不是写实手法，它追求的不是形象的真实性、典型性。那么，中国绘画艺术审美意识物化形态的特征是什么？简单说来，就是“写意性”。
把“写意”视为笔墨形式，是明以后的事。中国画的“写意”，是中国传统美学的艺术观，是中国绘画艺术的表现方法，是迥异于西方美学的另一种美学体系。它理应包括从经营意象、塑造形象、表现思想主题的整个创作过程。如果把，“写意”简单地看成是笔与墨之间的一种形式和单纯的绘画技法问题的话．就会妨碍我们对中国传统绘画的了解。
“神似论”所以成为中国古代画论中的一交巨流，因为“神”是主宰形貌的精神本质。所谓“形无神不活，神无形而不存”表现物象， 没有“神”，不管“形”怎样鲜明、逼肖，也很难生气郁勃。所以把写“神”、表现“神韵”“神似”作为塑造形象的最高表现。中国画在注重“神”之外，还更注重“意”，因为“神”多在物“意”之中，轻“形”与其说是基于重“神”，毋宁说是为了表“意”。因为从艺术表现看，“意”是构成“神似”、“神韵”的重要条件：“意”既是中国绘画的绘画观．又是创作方法。
“意”的内涵在中国古典绘画中是比较宽泛而多义的。“意”除指画家的主观意志、情思、画的意旨、意蕴外，还指神似、神韵、意趣：也指艺术表现上的含蓄和精练概括，当然更指意境这在一定程度上反映了“意”的概念在绘画中似无严格的界定：这表明中国画在追求“意”的表现上，是从对具体形象的表现发展势对作品画意的表现。
“意”的基本特征，如果用一句话来概括，就是“不到之到”。清人查礼在他的《画梅题跋》中论画梅时说：“画梅不要像，像则失之刻。要不到，到则失之描。不像之像有神，不到之到有意。”中国画“不似而似”则似在“神”，“不到而到”则到在“意”，这是艺术的更高境界。
“精而造疏，简而意足”，这虽说是宋的审美趣味和审美理想，但它可以代表中国绘画艺术的审美原则。“精”之所以要“造疏”，“精”在中国画中所以来能长足地发展，是因为中国绘画艺术多以“谨细”为忌。这在唐人的《历代名画记》‘中就已提出：“精之为病也，而成谨细。”“谨细”是指对物象外在形貌的过分刻画。，张彦远的《论画体》有一段文字对我们了解这一审美原则，特别是理解中国画的重“意”很有帮助。他说：“夫画物特忌形貌彩章，历历具足，甚谨甚细， 而外露巧密。所以不患不了，而患于了。”
在中国画的创作中，随着主观描写的增加，从塑造形象的写神、表意和追求自然浑成中生发机趣，进而又产生了表现画家自己思想、情意和主题内容的“写意”。但是无论是表现具体形象的“神”“意”，或是为表达画家思想感情和画中主题的“写意”，其基本方面都是相同的，这就是元人汤逅所说：“以意写之，不在迹象。”“不在迹象”并非不要依据客观“迹象”，而是说依据“迹象”，但不为“迹象”所牵，是化客观迹象为主观迹象。表物象之“意”是画家在他创造性想象的过程中，为了创造足以“达心”“适意”的艺术形象，可以不受客观对象拘束；当他创造“达心”“适意”、的艺术 想象并进而表现自然景色和社会事物对，不仅不受客观对象的拘束，而且还可以用“运实入虚”或“运虚入实”的手法创造画意。
此外，中国历代画家、文人也以画“造意”，这和他们的绘画观、审美理想紧密相联。他们把绘画看作和创作诗文一样，也是抒发胸臆的一种方式。他们之所以重“意”，正是为了以达其心。适其意。唐代王维的画更带有较强的主观抒情的性质，宋人画更多的是借助梅、竹的习惯寓意来比喻人的节气和情操。
（选自2009年12月12日《美术报》，有删改）
1.根据文意，下列说法正确的两项是  （5分）                       （   ）

E．中国传统绘画艺术为了使艺术形象足以表达画家思想感情，在创作时，常常可以不依据客观物象，不受客观物象的拘束。
2.能够体现中国画“不到之到”的审美原则的一项是    （3分）     （   ）

3.“不患不了，而患于了”中的“了”指什么？为什么中国画“患于了”？（4分）
4.在中国画的创作中，画家是怎样做到“达心”“适意”的？（4分）

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阅读下面的文字，完成下列各题（16分）

中国画的“写意性”

中国画表现物象、反映生活，都有自己的认识和方法。中国画家对生活中的实体形象在提炼、概括当中，运用的不是写实手法，它追求的不是形象的真实性、典型性。那么，中国绘画艺术审美意识物化形态的特征是什么？简单说来，就是“写意性”。

把“写意”视为笔墨形式，是明以后的事。中国画的“写意”，是中国传统美学的艺术观，是中国绘画艺术的表现方法，是迥异于西方美学的另一种美学体系。它理应包括从经营意象、塑造形象、表现思想主题的整个创作过程。如果把，“写意”简单地看成是笔与墨之间的一种形式和单纯的绘画技法问题的话．就会妨碍我们对中国传统绘画的了解。

“神似论”所以成为中国古代画论中的一交巨流，因为“神”是主宰形貌的精神本质。所谓“形无神不活，神无形而不存”表现物象， 没有“神”，不管“形”怎样鲜明、逼肖，也很难生气郁勃。所以把写“神”、表现“神韵”“神似”作为塑造形象的最高表现。中国画在注重“神”之外，还更注重“意”，因为“神”多在物“意”之中，轻“形”与其说是基于重“神”，毋宁说是为了表“意”。因为从艺术表现看，“意”是构成“神似”、“神韵”的重要条件：“意”既是中国绘画的绘画观．又是创作方法。

“意”的内涵在中国古典绘画中是比较宽泛而多义的。“意”除指画家的主观意志、情思、画的意旨、意蕴外，还指神似、神韵、意趣：也指艺术表现上的含蓄和精练概括，当然更指意境这在一定程度上反映了“意”的概念在绘画中似无严格的界定：这表明中国画在追求“意”的表现上，是从对具体形象的表现发展势对作品画意的表现。

“意”的基本特征，如果用一句话来概括，就是“不到之到”。清人查礼在他的《画梅题跋》中论画梅时说：“画梅不要像，像则失之刻。要不到，到则失之描。不像之像有神，不到之到有意。”中国画“不似而似”则似在“神”，“不到而到”则到在“意”，这是艺术的更高境界。

“精而造疏，简而意足”，这虽说是宋的审美趣味和审美理想，但它可以代表中国绘画艺术的审美原则。“精”之所以要“造疏”，“精”在中国画中所以来能长足地发展，是因为中国绘画艺术多以 “谨细”为忌。这在唐人的《历代名画记》‘中就已提出：“精之为病也，而成谨细。”“谨细”是指对物象外在形貌的过分刻画。，张彦远的《论画体》有一段文字对我们了解这一审美原则，特别是理解中国画的重“意”很有帮助。他说：“夫画物特忌形貌彩章，历历具足，甚谨甚细， 而外露巧密。所以不患不了，而患于了。”

在中国画的创作中，随着主观描写的增加，从塑造形象的写神、表意和追求自然浑成中生发机趣，进而又产生了表现画家自己思想、情意和主题内容的“写意”。但是无论是表现具体形象的“神”“意”，或是为表达画家思想感情和画中主题的“写意”，其基本方面都是相同的，这就是元人汤逅所说：“以意写之，不在迹象。”“不在迹象”并非不要依据客观“迹象”，而是说依据“迹象”，但不为“迹象”所牵，是化客观迹象为主观迹象。表物象之“意”是画家在他创造性想象的过程中，为了创造足以“达心”“适意”的艺术形象，可以不受客观对象拘束；当他创造“达心”“适意”、的艺术 想象并进而表现自然景色和社会事物对，不仅不受客观对象的拘束，而且还可以用“运实入虚”或“运虚入实”的手法创造画意。

此外，中国历代画家、文人也以画“造意”，这和他们的绘画观、审美理想紧密相联。他们把绘画看作和创作诗文一样，也是抒发胸臆的一种方式。他们之所以重“意”，正是为了以达其心。适其意。唐代王维的画更带有较强的主观抒情的性质，宋人画更多的是借助梅、竹的习惯寓意来比喻人的节气和情操。

（选自2009年12月12日《美术报》，有删改）

1.根据文意，下列说法正确的两项是   （5分）            （    ）

A．中国画的美学体系迥异于西方美学体系，它运用的不是写实手法，因此，它所塑造的艺术形象既缺乏典型性，也不真实。

B．中国绘画艺术的轻“形”，不仅是为了强调“神似”“神韵”，更是为了表“意”，因为“神似”“神韵”的构成离不开“意”。

C．中国画的创作：“意”贯穿始终。从审美构思．形象塑造，到思想主题表达，都离不开“意”，“意”既是手段，也是目的。

D．中国古典绘画力求避免“谨细”，是因为“精”在中国画中未能得到长足发展，因此，只有“精而造疏”，才能“简而意足”。

E．中国传统绘画艺术为了使艺术形象足以表达画家思想感情，在创作时，常常可以不依据客观物象，不受客观物象的拘束。

2.能够体现中国画“不到之到”的审美原则的一项是     （3分）      （    ）

A．形无神而不活，神无形丽不存。 B．“意”的概念，似无严格界定。

C．画物特忌形貔彩章，历历具足。 D．宋人多以梅寄寓人之气节情操。

3.“不患不了，而患于了”中的“了”指什么？为什么中国画“患于了”？（4分）

4.在中国画的创作中，画家是怎样做到“达心”“适意”的？（4分）

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阅读下面的文字，完成下面小题.

中国古代文体的新维度

①中国古代的文体具有鲜明的特征，表现为复杂性、多义性和不确定性，与西方文体相对稳固的板块结构大不同。研究中国古代的文体，理应彰显本国的特色。从关键词的维度观照、审视文体,无疑是新颖的研究视角。下面就以唐宋文体为中心言之。

②在古代文体学史上，唐宋时期是一个承先启后的时代。唐宋众体咸备，各种文体都获得充分的发展空间，文学文体方面，诗、文、词三足鼎立,新兴的小说、戏曲也崭露头角；公牍和应用文方面，与新创文体竞相发展，迎来了历史上实用性文体发展的高峰。唐宋文体批评层累式地多角度探究,并与当时的文体书写产生互动，让文体写作与批评相得益彰。一言以蔽之，唐宋时期是古今文体骈与散、简与繁、文与质、雅与俗纠葛转关的枢纽。

③唐宋文化既恢宏又复杂，既多元又开放，属于成功的贯通、通变型文化,其通变特色影响到方方面面，自然包含文体。“融会贯通”，不妨说是对唐宋文化的最佳注脚。唐宋文体在文化的大视野下，表现为分化与综合、限制与超越对流与融通的复杂多元格局。

④唐宋文体学的贯通性，突出地表现在文体间的交流和互动上。古代文体的结构规则并非刻板不变，实具有灵活组装拆卸的机制,在一定条件下，其规则会发生位移改变。文体与文体之所以能发生关系，在于它们具有某种同质的因素，例如结构、形式、语言等。

⑤一个值得关注的现象是，与贯通密切相关,唐宋开始大量使用“文备众体”一词。黄庭坚等宋人用“兼备众体”来赞美唐代大诗人杜甫，这是充分肯定老杜在诗体方面的集大成。更重要的是，宋人开始用类似的词形容本朝文人。诸如欧阳修、王安石、苏轼、黄庭坚、朱熹等，都得到过类似“文备众体”的称赞。这种情况在宋以前，是没有的。可见唐宋文人的“兼备众体”，成为极为突出的现象。何以“文备众体”者愈来愈多？这其实是贯通的文化作用于文体的重要表现。

⑥当一种文体已发展极充分，内部的各种写作技巧、艺术手法差不多被穷尽时，或许只有“跨界”“贯通”，向其他文体寻求参酌，才有可能打破困局，实现新变。可见贯通的实质是创新。

⑦文体的贯通固然重要，但贯通不是纸上空文，还需要“人”去驾驭和创造。从人出发，“驾驭”就成为观照唐宋文体学的另一关键词。文体都有机制，具备特定的结构和功能，运行规律似较机械。然而，运用文体之“人”，却是既讲规则,又有策略的。加之人的创造力无比睿智旺盛，运用文体之人既可以设计新规则,又能打破旧机制，实在是文体变迁的最大原动力。尤其是那些创造力极强的大家，如杜甫、韩愈、欧阳修、苏轼、辛弃疾等，驾驭、控制和改造文体的能力极强，能够最大限度地扩展文体的疆域，文体的结构和功能在他们手上得到玲珑活络的调整。他们冲破既有的文体束缚，把不同文体的优长综合性地融汇到同一文学作品中。这充分体现出大家贯通的视野和超卓的驾驭文体能力。

⑧从此类关键词出发，研究古代文体学，或许可得出新人耳目的见解和结论，或者说凝练出一些可资借鉴的“精华”。

(节选自《光明日报》)

1.下列关于原文内容的理解和分析，不正确的一项是（　 ）

A. “贯通”表现在文体间的交流和互动上，这种交流和互动，同样体现在杜甫、苏轼等文学大家身上。

B. “驾驭”体现了创作者对文体的控制改造能力，有了这种能力，才能在同一作品中融进不同文体的优长。

C. “贯通”和“驾驭”是解读古代文体的关键词。从两个关键词出发就能得出关于古代文体研究的新见解。

D. 古代文体的写作与批评可以产生互动，这种互动既能促进文体的发展，也能让文体写作更加成熟。

2.下列对原文论证的相关分析，不正确的一项是（　 ）

A. 文章第一自然段先交代了中国古代的文体具有的特征，提出“从关键词的维度观照、审视文体是新颖的研究视角”的观点，指出文章讨论的对象，总领全文。

B. 第二、三自然段紧承第一自然段，论述唐宋文体发展现状、特点。

C. 第四到第七自然段紧扣标题分别论述贯通、驾驭两个关键词，列举了唐宋大家的名字，证明“贯通”“驾驭”对大家的诞生有影响作用。

D. 文章最后一段总结上文，指出研究古代文体的成果：从关键词出发研究古代文体学，就可以得出新人耳目的见解和结论。

3.根据原文内容，下列说法正确的一项是 (　　 )

A. “贯通”让文体有了创新的可能，“驾驭”实现了这种可能，二者共同作用，让唐宋文体多样、文学繁荣。

B. 古代文体是动态发展的，到唐宋时，各类文体竞相发展，迎来了发展的高峰，形成复杂多元的格局。

C. 那些创造力极强的大家冲破既有的文体束缚，把不同文体的优长综合性地融汇到同一文学作品中，所以有了文体驾驭能力，就一定能在同一作品中融进不同文体。

D. 唐宋时期各种文体都获得充分的发展空间，诗、文、词三足鼎立,新兴的小说、戏曲也崭露头角，公牍和应用文方面竞相发展，迎来了历史上文体发展的高峰。

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