阅读下面的文字，完成各题①绘画是一门运用色彩、线条和形体，在二度空间 (即平面 )内，反映...

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①绘画是一门运用色彩、线条和形体，在二度空间 (即平面 )内，反映现实美和表达人的审美感受、思想情感的艺术。由于绘画这种造型艺术具有形象的具体可感性，因此，绘画的艺术魅力是小说、诗歌、音乐等艺术所不能替代的。但是，绘画由于画面的有限性和绘画形象的固定性，又对绘画表现更广大的生活空间、表现时间过程、表现心理活动和声音形象 等带来了一定的局限性。因此，中国画非常讲究虚实藏露，就是为了用 “虚 ”和 “藏 ”来激发欣赏者的想象力，让欣赏者在作品的 “实 ”和 “露 ”的引导、启发下，调动自己的生活经验和形象储备，进行补充和再创造，从而达到以简胜丰、以少胜多的艺术效果，使欣赏者在这种再创造中得到极大的审美满足。一幅迎风招展的酒帘可以引导欣赏者去想象虚隐在竹林 背后的酒家；一个挑水的老和尚能够启发欣赏者联想到深藏在深山中那香火缭绕的古寺。一个优秀的画家，深深懂得什么要 “藏 ”，什么应 “露 ”，什么该尽力描画，而什么则应留给欣赏者去想象。（甲）这种以不全求全，能把广袤的现实内容压缩在有限的画幅之中，既可扩大艺术的容量，又能使意境显得更加深远。因此，画家在尺幅之间，既可以表现峰峦出没，溪桥渔浦，也可以描画江天归帆，风雨烟岚。大千世界，尽收画家笔下。

②现实空间可以靠欣赏者的想象来拓展，时间过程也能够利用欣赏者的想象来延伸。德国启蒙运动时期的著名美学家莱辛在《拉奥孔》一书中，曾提出造型艺术家要善于选择能够反映事件前后联系的某一瞬间，从而使固定不变的艺术形象在欣赏者头脑里引起对事件过程的想象。（乙）这可算是又一种虚实关系。

③达 ·芬奇的名画《最后的晚餐》描写了耶稣说出 “你们中间有一个人要出卖我 ”后，那一瞬间餐桌上十二个门徒各自的反应；德拉克罗瓦的《美狄亚》刻画了美狄亚为了向另有所爱的丈夫伊阿宋报复，忍痛杀死自己的两个孩子前那一瞬间；列宾的《伊凡雷帝》则表现了暴戾的伊凡雷帝一怒之下用权杖打死了与己争吵的儿子后，那惊恐万状的一瞬间 ……这种种 “一瞬间 ”之所以具有极大的时间张力，包含着极为丰富的内容，就是因为在这一瞬间之 “实 ”里，蕴含着无穷的 “虚 ”，欣赏者能够通过这瞬间之 “实 ”，去体味、咀嚼事件的前因后果，去领悟艺术家所要表现的思想感情。

④中国画中有一种重要的以虚为实的表现方法叫 “空白 ”。八大山人朱耷画鱼不画水，白石老人画虾不画水，这水虽被藏了，在画面上留下空白，但欣赏者仍然能够通过鱼虾的活泼动态去感受那满纸的水。有 “独步画院 ”之誉的南宋著名山水画家马远，人称 “马一角 ”。马远的山水画，布局简妙，他善于对现实的自然景色作大胆的概括、剪裁。他画山，常画山之一角；画水，常画水之一涯，其他景物也十分简练。他的山水画，画面上常常留出大片空白，空旷渺漠，意境十分深远。他的名作《寒江独钓图》，只画了漂浮于水面的一叶扁舟和一个在船只上独坐垂钓的渔翁，四周除了寥寥几笔的微波之外，几乎全为空白。然而，就是这片空白表现出了烟波浩渺的江水和极强的空间感，衬托了江上寒意萧瑟的气氛，从而更加集中地刻画了渔翁专心于垂钓的神气，也给欣赏者提供了一种渺远的意境和广阔的想象余地。（丙）这真是 “虚实相生，无画处皆成妙境 ”!

⑤中国画中的空白，是构图中的有机组成部分，在画家的构思中具有重要的意义。 “计白当黑 ”中的 “白 ”已非空白，而是画家从整体构思的高度，将 “虚 ”与 “藏 ”有意识地运用于艺术表现的结果。

⑥美国画家安德鲁 ·怀斯说过： “画面表现出的东西越少，观众接受的东西就越多。 ”此语深得 “虚实藏露 ”之妙谛。

1.“中国画中常有借一芽萌而绘春光似海，画一叶落而写秋意如杀，露一爪以示云海神龙， 流片霞以呈天宇空阔” 这一句是从文中抽出来的 ,它的恰当位置应在文中甲、乙、丙三处中的哪 处。

2.结合第四段内容，给“空白”下个定义。

所谓“空白”，就是 ________________________________________

3.“画面表现出的东西越少，观众接受的东西就越多。”结合文章，谈谈你对此话的理解。

4.“虚实结合”的艺术手法，不仅在绘画中得到充分体现，在诗歌中也得到充分运用。结合选文，根据你对“虚实藏露 ”的理解，分析下面这首诗歌是怎样“虚实结合，创造意境”的。

寻隐者不遇

贾岛

松下问童子 ,

言师采药去 ,

只在此山中 ,

云深不知处。

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中唐艺术的内在矛盾

从中唐起，现实如杜甫、韩愈等，其审美理想中渗透了儒家的思想，表达出富有现实内容的社会理想和政治伦理。尽管风格趣味大不相同，当时的文坛却贯穿着这一思潮脉络。连生性浪漫的杜牧，也力赞《楚骚》“言及君臣理乱，时有以激发人意”。他们与封建前期门阀士族对文艺的主张、观念和理论是有差别的。钟嵘《诗品》讲“若乃春风春鸟，秋月秋蝉，夏云暑雨，冬月祁寒，斯四候之感诸诗者也”，刘勰《文心雕龙》讲“文之为德也大矣，与天地并生”，都认为文艺是受客观事物感发触动的产品。而韩愈“文起八代之衰”，白居易要回到诗歌的“六义”，都是要回到两汉的儒家经学，把文艺和伦理紧捆在一起。文艺被规定为伦理政治的使用工具，艺术自身的审美规律被抛在一边。这对文艺的发展当然没有好处，迟早走向其反面。

就在这些文以载道的倡导者们身上，已经酝酿一种深刻的矛盾。作为世俗地主阶级知识分子，他们提倡儒学，企望天子圣明，自己也志得圆满，那时他们会选择兼济天下。但事实上，现实不会那么理想，皇帝并不英明，自己的仕途也不会一帆风顺，因此他们在强调“文以载道”的同时，也不由自主地走向反面，即“独善其身”，结果就形成了既关心政治又躲避政治的矛盾。

此外，文章和生活在中唐以后文人心中也日趋分野，一方面他们高喊周孔道统，另一方面却耽于名位、声色、财富。他们虽然标榜儒家教义，实际却沉浸在他们各自的生活爱好中。这是一种无奈的抗争。一方面，打着孔孟旗号，声称文艺为政治服务，发展为宋代理学的文艺观。另一方面，他们对现实世俗的沉浸和感叹导致他们转向对个人审美趣味的研磨打造，并使之成为文艺的真正主题和对象，这又为宋元词曲的出现做铺垫。如果说，在魏晋，文艺和哲学是相辅相成的，那么唐宋以后，二者则是彼此背离，分道扬镳。但是，并非宋明理学而是宋元词曲，把中国的文学趣味带进一个新的天地。这些千古名句的审美情趣完全不同盛唐，而是沿着中唐线索，走进更为细腻有官能感受和情感色彩的捕捉追求中。它的作者尽管仍然大做治国平天下的美梦，但他们的审美重点已经游离了这些。他们的时代精神已经不在马上，而在闺房；不在世间，而在心境。所以，从这一时期，最为成功的艺术作品是那些不关时事的山水画、爱情诗，而不是爱发议论的宋诗。与粗犷而不事雕琢的盛唐诗歌相比，纤细而极尽柔媚的花间词更为时下文人所心仪。

至此，在词中，中晚唐以来艺术趋向生活的这种时代心理终于找到了它最合适的归宿。种种与诗境截然不同的词境的创造，正是这个时代典型的审美音调。它使得艺术正逐步摆脱长久控制着自己的枷锁。

那么中唐艺术的内在矛盾如何解决？这需要艺术与政治的分离，走向专业细致的发展道路。与从中唐经晚唐到宋元的这种艺术发展相吻合，在美学理论上突出来的就是对艺术风格、韵味的追求。这种风格韵味往往让人有欲说还休、休又欲说的愁肠百结。如果说，钟嵘《诗品》和刘勰《文心雕龙》还是与文艺理论混合在一些的美学，那么，司空图《二十四诗品》和严羽的《沧浪诗话》，就是更为纯粹更为标准的美学了。但无论多么纯粹的美学如果要完全脱离儒家思想而独立，却又是一种空中楼阁，这就是研究者需要谨慎的。只有彼此呼应协调，相互补充配合，方成为一代美学风神。

（选自李泽厚《美的历程》，有删改）

1.下列关于原文内容的表述，不正确的一项是（　　 ）

A．若皇帝圣明，自己志得圆满，中唐这些知识分子就强调兼济天下；而当皇帝昏庸，自己仕途不顺时，他们就选择独善其身。

B．中唐以后文人心中标榜儒家教义、强调文艺为政治伦理服务的观念，后来发展成为宋代理学的文艺观，而对个人审美趣味的研磨打造为宋元词曲的出现作了铺垫。

C．与盛唐诗歌相比，花间词缺乏粗犷豪放的气象，趋于细腻柔媚的风格，也更为时下那些不关心时事的文人所喜爱。

D．艺术趋向生活，需要摆脱长期控制自己的政治伦理枷锁，而与诗境不同的词境正是实现这一目标的关键所在。

2.下列理解，不符合原文意思的一项是（　　 ）

A．从中唐起，无论现实主义还是浪漫主义诗人，尽管风格趣味不同，但都在审美理想中渗透了儒家的思想，表达出富有现实内容的社会理想和政治伦理。

B．魏晋时代的文艺和哲学是相辅相成的；唐宋之后，二者彼此背离，分道扬镳；最终不是哲学而是文艺将中国文学趣味带入一个新天地。

C．宋元以来诗人更注重细腻的官能感受和情感捕捉，不再有治国平天下的理想追求，转而关注自我的个人生活和体验。

D．韩愈和白居易虽然主张有区别，但他们的共同之处在于都强调文艺的政治伦理功能，而摒弃了艺术自身的审美规律。

3.根据原文内容，下列理解和分析不正确的一项是（　　 ）

A．中唐诗人和封建前期门阀士族的不同之处在于前者强调诗歌为政治伦理服务，后者强调诗歌对客观事物表达感怀触动。

B．中唐之后的文人耽于名利、声色，沉浸于个人生活，过去标榜的儒家教义成为一种幌子，体现了这些文人的思想有虚伪之处。

C．所谓艺术要与政治分离，就是要求文艺去捕捉、表达和创造出那种可意会而不可言传却又动人心魄的情感、意趣和韵味。

D．作者认为，美学追求既要独立不成为儒家思想的附庸，又不能脱离儒家思想孤立存在，需要相互补充，才会体现美的神髓。

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阅读下面的文字，完成小题。(25分)

“狂人”谭盾的理想与现实

喻 盈

他状态年轻，留着平头，天蓝棉麻衬衫、亮橙T恤、白色长裤，色彩搭配颇有些“小清新”，也隐约显露着依然紧致的身体线条。

他就是谭盾。他认为，自信是最大的资本，又说“湖南人的气质是既鬼气又放荡，既浪漫又高尚，既理想又现实”。 这个有着“霸蛮”性格的湖南人，头脑中没有框框。他的确是永远的“年轻人”，不断尝鲜。2013年推出的是“微电影交响诗”，之前他在做的是“建筑音乐”、“互联网交响乐”，还想尝试“互联网歌剧”。

“建筑音乐”的实施地，是他位于上海郊区古镇朱家角的工作室“水乐堂”。他请来矶崎新工作室的建筑设计师，把一幢水乡老宅改造成声音剧场，下层是现代极简的钢结构支架，以便将屋外的河水引入屋内，而上层，依旧是中国传统民居的木质样式。

不止如此，他还创作了专在水乐堂演出的《天顶上的一滴水》，把河流当琴弦，把他改造的这个建筑当成一件乐器。一出场，乐手们便敲击水乐堂的钢梁和铁梯，是为“钢铁摇滚”，然后天顶上水滴坠落，那声音被建筑的回响不断放大，好似一支水的交响乐队。

谭盾又一次实现了他所擅长的“东西方交汇、古典与现代合流”。他形容这是李白所说的“大音自成曲，但奏无弦琴”。但实际上他总是在把“大音希声”变成具体的可见、可触、可闻、可感，光是乐音还不够，各种多媒体都是他的武器。

对于这些，谭盾说，他要感谢纽约，“到了纽约，你疯狂的程度是不一样的”。

1986年，谭盾从中央音乐学院作曲系研究生毕业，拿着美国哥伦比亚大学的奖学金飞往纽约，继续攻读博士学位。那时他在国内已经成名，与叶小纲、郭文景、陈其钢并称为中央音乐学院“四大才子”，还为电影《火烧圆明园》写了主题曲《艳阳天》。他的“离经叛道”也初露端倪。22岁时创作第一部交响乐作品《离骚》，他就加入了鼓、箫等中国民乐元素，因为过于前卫而引起极大争议。他还记得老师拿着他的曲谱，皱起眉，用四川话问：“你有那么深刻没有？”

奔向纽约的谭盾，携带着满身锐气和满怀雄心。第三天，他就被震了一下。在留学生座谈会上他见到了西装革履的诺贝尔物理奖得主李政道、杨振宁，和建筑界最高奖普利兹克奖得主贝聿铭。李政道跟他谈话，谈的都是音乐。谭盾有点懵：要到什么样的程度，我才能够跟这些人对话？

谭盾很快察觉到，纽约是分层的。哥伦比亚大学代表的是学术圈，是high culture（精英文化），斯文、严谨、刻苦耐劳、对知识的追求永无止境；而纽约大学和艺术家聚集的格林威治村，则是low culture（通俗文化、前卫艺术）生机勃勃的催化地。

谭盾觉得他能够成为现在的自己，得益于同时在哥伦比亚大学与纽约大学的“浸淫”。“你会发现我的创作里，既有哥大训练带来的知识面，又有下层那种狂妄、实验、不屑一顾的胆量。”

在上世纪80年代末到90年代初那段“又穷又浪漫”的时光里，谭盾做了后来使他声名大噪的陶乐、水乐、纸乐实验。烧制坛坛罐罐，揉搓、撕扯纸张，探索它们的发声，这位音乐青年有时看上去更像个装置艺术家。他也的确在当代艺术圈激起了波澜。1990年纽约古根海姆美术馆还邀请他展出了他为作品《九歌》自制的一组陶乐器。

那时候他住在中国城的地下室，室友是如今的著名导演顾长卫。《九歌》首演的海报，就是顾长卫在那个地下室里替他拍的。“我没有钱去工作室拍照。顾长卫说，这还不简单吗。他拿绳子串起几件中国古乐器，挂在一个架子上，然后让我在那前面席地而坐。他把相机架上，设定成自拍，自己举个手电筒站一旁给我打光。我最好的一张照片就是这么拍出来的。”

谭盾喜欢纽约。他说纽约让他看到自己，自己就是最大的资本，“ ‘你’就是价值”。

但是，谭盾仍觉得，要真正获得世界性的影响，还是得借助“上层的训练”。他想到了交响乐，“全世界有多少交响乐团？交响乐团就是世界性的音乐平台！我决定我就要做这个，把陶乐、水乐、纸乐放进交响乐里去”。

就像他所预期的，全世界交响乐团都成了他的舞台。然后，他又往更“上层”去，发展出一套有意与西方“乐音音乐”相对应的“有机音乐”体系——陶乐是土地之声，水乐是河流之声，纸乐是风之声。一切自然之声，都被他用创作的“巫术”驱赶着，攻占曾被主流音乐体系垄断的殿堂。

这个湖南人站在聚光灯下，不是偶然。

　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　 （有删改）

1.下列对传记有关内容的分析和概括，最恰当的两项是（5分）

A．传记开头写“他状态年轻，留着平头，天蓝棉麻衬衫、亮橙T恤、白色长裤，色彩搭配颇有些‘小清新’”，意在表现谭盾自信的精神状态。

B．“湖南人的气质是既鬼气又放荡，既浪漫又高尚，既理想又现实”，文中引用谭盾的这句话主要是为了突出谭盾作为湖南人的骄傲之情。

C．谭盾为实施“建筑音乐”，曾将位于上海郊区古镇朱家角的一幢水乡老宅改造成为声音剧场，以河流和建筑作为乐器进行音乐演出。

D．谭盾的“离经叛道”很早就显现出来了，他的第一部交响乐作品《离骚》因过于前卫而引起极大争议，但他的老师仍支持他继续走下去。

E．纽约求学的经历对谭盾影响很大，“到了纽约，你疯狂的程度是不一样的”，谭盾在纽约求学时学到了自由、浪漫，学到了狂妄、实验、不屑一顾。

2.联系全文回答：“狂人”谭盾的“狂”表现在何处？（6分）

3.文章中提到了在谭盾眼中哥伦比亚大学与纽约大学的不同，这样写有何作用？请简要分析。（6分）

4.文末说“这个湖南人站在聚光灯下，不是偶然”，请联系文本，谈谈你对“不是偶然”的认识。（8分）

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完全让语文不染一点意识形态色彩是不现实的，古今中外语文教育都有其“教化”功能。新文化运动以前，新式教育体制并未推广，大多数地区还是传统的私塾或书院式教育，语文并不是单独的一门课程，品德教育和语言文字教育混杂在一起，教孩子识文断字时，便按照主流价值观熏陶孩子，比如忠孝仁爱礼仪廉耻等等。蒙学课本《三字经》、《增广贤文》莫不是这样。在中国这样一个极重名教的国度，如此做很正常。至圣先师孔子当年就是这样做的，将德育和美育一起搞，弦歌之中，对学生施行文学教育、品德教育和职业培训。

可孔子不是庸俗地、急功近利地教导学生怎样做一个通晓礼法的士，孔子注重循循善诱，用美妙的诗文来教化学生。《论语》中师生们对话多处引用《诗经》。“子贡问曰：‘贫而无谄，富尔无骄，何如？’子曰：‘可也。未若贫而乐，富而好礼者。’子贡曰：‘如切如磋，如琢如磨，其斯之谓与？’子曰：‘赐也，始可与言《诗》已矣，告诸往而知来者。’”这可算是融汇德育与语文教学中的范例。我们想想，如果孔子把《诗经》开篇的《关雎》，拆得支离破碎，味同嚼蜡得阐释君子当发乎情止乎礼，学生怎么能有“乐而不淫，哀而不伤”的感受？

话题回到今天的语文教材乃至整个语文教学上来，我以为要解决两个问题。一是教材的内容，即选什么样的文章；二是怎样向学生讲解这些文章。课文固然应当是美文，美文被讲授时更需要传递美感。

文章之美自然见仁见智，文章所蕴含之“微言大义”亦如此，但我想在一个时代应当有普世标准。从文章之美来说，起码应有音韵和辞章之美，那种充斥暴力与仇恨的粗鄙文章传达不出这样的美。从其“教化”功能来说，体现的应当是普世价值而不是逆历史潮流的价值观。孔子那个时代以及后来的几千年皇权时代，中国是宗法社会，让孩子们读《弟子规》、《颜氏家训》、《三字经》，潜移默化地接受父慈子孝君明臣忠夫唱妻随等价值观，是有利于整个社会的稳定的。可是到了清末，传统的秩序不能再维持下去，还用这种东西教化小孩，岂不是刻舟求剑？“打倒孔家店”很重要的目的就是要将对孩子传统的教化模式推翻、更新，用鲁迅的话来说就是“救救孩子”。现代的语文教育就是在这样的背景下产生的，蔡元培等人推崇“美育”便是这样的努力。首先要让学生感受到民族语文的美，有种自豪感，才能在品德上对其陶冶。现代的语文教材传达的价值观显然不应是古代的那种纲常伦理，当是平等、自由、自信、诚实、仁爱这类现代文明社会的价值观。

1.下列关于“普世标准”的表述，不正确的一项是（3分）   （   ）

2.下列理解，不符合原文意思的一项是（3分） （   ）

是更为高尚的情操。

3.根据原文的内容，下列分析不正确的一项是（3分）（   ）

社会的价值观和古代的纲常伦理明显不同。

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汉字书法作为一种特殊的审美信号系统，传导着中国人的文化心理和审美人格。它以特有的形态，将中国人或规范或潇洒的人格价值，中国人或守格或破格的文化精神暗传出来。在线条的飞扬和变化的布局中，你会时不时感觉到中国人平衡与欹侧、协调与矛盾、统一与变化、齐整与错落等等独特的哲理气息和思辨方式。

汉字由象形的图画经由简化、抽象、变形，逐步演变为符号，每个汉字最初都是描摹事物的一个单幅画（如鱼、龙），或由两幅、多幅图画拼接起来的一幅组画（如有偏旁的好、安）。音指与象指在汉字中合一，笔划与结构中均有图像、意象和情象内容。后来随着字的日渐功能化、实用化、符号化，书与画在实用功能层面开始分离。自从书法进入了愈来愈重视以真草隶篆、特别是行草来表达书写者感情的阶段，艺术的功能重又上升，书与画在艺术审美层面重又结合。弹性幅度极大的毛笔，可浓可淡可枯可润的水墨，以及能够以吸水度和印迹感天然造成原生效果的宣纸，使中国书法因毛笔、水墨、宣纸的书写，能以在快慢、提按、推拉、扭折、顿挫、转甩、浓淡、湿枯、晕涩、虚实中相映相辉、相生相克，能以比其他纸笔无比丰富的艺术语汇，给书法作品的构思和表现提供无限张力，给精神创造和艺术创造提供了其他文字书写无可比拟的阔大空间。汉字的点、划、撇、捺、钩、方框（圆）和三角的多形态笔法，以及毛笔笔划的多方向性写法，这些在别的文字中罕有的特色，为各类线条和几何图形大量进入书法铺就了通道，使得现代逐步发展起来的徒手线艺术、点画造型艺术、符号化艺术、空间造型艺术的许多观念，很早就进入了汉字书写，同步提升了中国书法具象和抽象的双向表达能力。

汉字书写由具象的图画在漫长的岁月中逐级简化、变异、提升为书法艺术抽象的符号，却又草蛇灰线 ，留下了各种象形图画的印痕。中国书法在发生学领域的这一由形而神、由画面而符号的过程，其实全息着、也发酵着中国文化特有的思维。始终重视形神关系、持续解读形神关系，也就逐渐成为中国书论、画论、艺论、文论，乃至整个中国哲学文化思想的一大特色。

中国书法的特征，不是孤立的文化现象，它具有中国文化思维特有的“三易”质地，也就是说，在总的方面它诠释了“简易、变易、不易”的思维。西汉易学家总结出来的这个“三易”思维，“简易”不是简单化，而是统摄、宏观、浑一地在各种关系的综合把握中看问题，是统摄提升具体而又庞杂的现象，简化、转化为总体感觉的能力。“变易”不能乱变，要根据你创作的具体情况去实现符合规律的变化发展，但又要有“不易”精神，执守本质、执守原则、执守规律。字体和书风就是“不易”，经典和传统就是“不易”，碑帖和程式就是“不易”。在“简易”思维和写意表神精神统摄下，辩证处理好“不易”和“变易”的关系，是书法创作之精要，也是中国文化发展之精要。

　　　　　　　　　　　　　　　　　 （摘自肖云儒《中国书法的文化意义》）

1.下列关于原文内容的理解和分析，正确的一项是

A. 汉字书法以特有的形态，体现着中国人既规范又潇洒的人格价值，体现着中国人既守格又破格的文化精神。

B. 中国书法因毛笔、水墨、宣纸的书写，比其他纸笔拥有更丰富的语汇，在书写和表达内容上空间也更阔大。

C. 汉字书写经历了描摹事物到音指与象指结合、再到书与画实用功能分离、最后书与画艺术审美重又结合的过程。

D. 中国书法的特征与西汉就总结出来的“三易”思维有着紧密联系，“三易”思维完全可以诠释中国书法这一文化现象。

2.下列对原文论证的相关分析，不正确的一项是

A. 文章第一段提出观点，汉字书法能够体现中国人的文化心理和审美人格，人们在汉字线条的飞扬和变化的布局中能感受到中国人特有的哲理气息和思辨方式。

B. 文章第二段逐层递进论证，汉字书写元素的多形态多方向性笔划特性，比书画同源的造型特性对我们的文化思维和艺术思维产生的影响更广泛。

C. 文章第三段论述了中国书法在发生学领域的演变过程发酵着中国文化特有的思维，重形神是书论、画论、艺论、文论的特色，是中国哲学文化思想的特色。

D. 文章第四段进一步论述了不管是书法创作还是中国文化发展，都要在“简易”思维和写意表神精神统摄下，辩证处理好“不易”和“变易”的关系。

3.根据原文内容，下列说法不正确的一项是

A. 如果汉字没有飞扬的线条和变化的布局，我们也许不会从中感觉到中国人平衡与欹侧、协调与矛盾等独特的哲理气息和思辨方式。

B. 简化、抽象、变形，再演变为符号，是汉字由象形的图画开始演变必经的过程，这其中也有审美层面的追求。

C. 对形神关系的重视，对“三易”思维的总结体现着中国文化思维的独特性，这一独特性也可以在汉字书法中得以体现。

D. 汉字的多形态笔法、多方向性写法，促使了徒手线艺术、点画造型艺术、符号化艺术等许多观念在现代逐步发展起来。

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《沈从文文集》反映了沈从文创作的基本面貌。沈从文的作品有小说，散文，诗歌，评论和杂感等。他坚持“从现实生活里取证”，尝试着运用多样的技法和手段进行创作。他创作的题材广泛，人物众多，人物个性复杂。创作上从不_____________，主张“文学是用生活作为根据，凭想象生着翅膀飞到另一个世界里去的一件事情，它不缺少最宽泛的自由，能容许感情到一切现象上去散步”。他自觉地创造了以湘西生活为内容的“乡村世界”，是以文学的手法把神秘的湘西推向世界的第一人。

读者在阅读该文集时，应该把握重要的一点，（　　 ）。

他认为既然是事业，就要拿生命作投资，不能把写几个作品就当作是成名成家的_____________，而应代表国家与世界_____________的高手竞赛，不能超过他们也得_____________。他认为文学作品应当具有第一流政治家的能力，具有撼动世界的力量。因此，优秀的文学作品可以成为我们民族文化的经典。他主张经典重造，并以经典重造影响民族重造，国家重造。沈从文把一种文学当作事业的宏大志向是与国家重造，民族重造的伟大事业联系在一起的。

1.依次填人文中横线上的成语，全都恰当的一项是（　　 ）

A.因循守旧　　　　　 终南捷径　　　　　 聊胜于无　　　　　 比肩而立

B.因循守旧　　　　　 必由之路　　　　　 屈指可数　　　　　 比肩接踵

C.循规蹈矩　　　　　 终南捷径　　　　　 屈指可数　　　　　 比肩而立

D.循规蹈矩　　　　　 必由之路　　　　　 聊胜于无　　　　　 比肩接踵

2.下列在文中括号内补写的语句，最恰当的一项是（　　 ）

A.那就是沈从文在文学创作中的成就极高

B.那就是沈从文把文学创作当作一种事业

C.那就是文学创作成了沈从文的最高追求

D.那就是沈从文文学创作获得了最高成就

3.文中画线的部分有语病，下列修改最恰当的一项是（　　 ）

A.沈从文是把文学当作一种事业的宏大志向与国家重造、民族重造的伟大事业联系在一起的。

B.沈从文把文学当作一种事业的宏大志向是与国家重造、民族重造的伟大事业联系在一起。

C.沈从文是把文学当作一种事业的宏大志向与国家重造、民族重造的伟大事业联系在一起。

D.沈从文把文学当作一种事业的宏大志向是与国家重造、民族重造的伟大事业联系在一起的。

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从古典到现代，再到后现代，我们见证了艺术与世界从“不即不离”到“拉开距离”，再到“距离消蚀”的过程。

在古典的艺术话语体系中，如何借助线条、光影、色彩等手段，创造出如其所见、所知、所感的视觉真实，是艺术家的首要任务。所谓视觉真实，是指在接受者的观看模式中，造型艺术的符号与它所再现的世界之间具有“似真性”。之所以说“似真”，是因为艺术符号再现的不是实在的世界，而是表象的世界。

艺术与世界的关系妙就妙在似与不似，不即不离，既贴近生活，又融合了艺术家创造性的想象。艺术的世界虽是幻象，但具有接受效果上的真实感。说它是幻象，一是因为艺术的再现是一种创造性过程，艺术效果取决于再现的媒介、对象与技艺；二是因为艺术的再现是一种“观物取象”的抽象过程，再现什么、如何再现，取决于艺术家观察自然的眼光或图式。说它是真实，一是因为造型符号与所指涉的事物之间具有约定俗成的指涉关系；二是因为它并不记录时空中偶然的事态或个别的事实，而是表现人生普遍的情绪与意义。

因此，作为幻想的制造者，艺术家不仅呈现表象的世界，而且建构视觉的真实。以达芬奇、米开朗琪罗为代表的古典大师，用完美的技艺不仅把自然的微妙描绘得淋漓尽致，而且赋予他所创造的形象以情感和生命。在古典的艺术世界，艺术家总是在所知与所见之间作出妥协和选择，从而使古典艺术处于相对和谐的境界。

与古典的和谐不同，现代的艺术话语具有鲜明的断裂感。没有传统的延续和确定的规范，现代艺术转而强调“绝对的现代”，强调流动、变化和偶然，以及对艺术陈规的质疑。现代艺术家抛弃了对外部自然和现实世界的真诚，转而痴迷于视觉印象的真实和转瞬即逝的美。尤其从塞尚、高更、梵高以来，在对视觉现象的重估中，他们抛弃了三维空间的幻觉，“越来越大胆地切断艺术中的再现因素，以便越来越坚定地在至为简洁、至为抽象的要素中，确立其表现形式的根本法则”。

现代艺术以自我塑造为核心，它鼓励独立自主和表现的自由，给予自我探索以重要地位。一方面，它对艺术价值的评价是以个人兴趣为衡量尺度；另一方面，它又是反体制的、批判的。它以放荡不羁的形式表达了拒绝媚俗的精英意识，无形中拉大了精英与大众的距离。因而，现代艺术与大众格格不入，注定无法通俗。

如果说现代艺术以艺术的自主性为前提，刻意拉大艺术与世界、精英与大众、雅与俗的距离，那么后现代艺术则产生了“距离的消蚀现象，其目的是为了获得即刻反应、冲撞效果、同步感和煽动性”。

在艺术风格上，雅俗艺术之间、艺术与生活之间已经失去了泾渭分明的界限，艺术家们沉溺于折中主义与符号拼贴的混杂风格之中，现代美学一本正经的精英意识已经被戏谑的、嘲讽的审美立场所取代。在后现代艺术中，伴随着雅俗文化的融合以及不同风格艺术的混杂，各种距离感消失了。人们片面地强调直观性、轰动性、新奇和刺激，消解了时空感受的审美距离。

后现代艺术的主要策略是，通过对过去符号的拼贴、挪用、解构与重组，来消解信息与娱乐、现实与影像、精英与大众、艺术与非艺术、审美经验与日常经验的差异性。因此，后现代艺术往往不像现代艺术那样给人很强的距离感，与此同时，它的批判性也相对减弱了。

(摘编自周计武《微博橙子辅导》)

1.下列关于原文内容的理解和分析，不正确的一项是

A. 视觉真实强调造型艺术符号与客观世界在表象上的相似性，强调把自然的微妙表现得淋漓尽致。

B. 与强调偶然的现代艺术不同，古典艺术并不记录偶然和个别，而是表现人生普遍的情绪与意义。

C. 现代艺术的精英意识被新的审美立场取代后，雅俗融合，风格混杂，出现了“距离的消蚀现象”。

D. 后现代艺术采取折中主义，通过符号拼贴、重组等方式来获得同步感及煽动性、批判性等效果。

2.下列对原文论证的相关分析，不正确的一项是

A. 文章采用“总分式”结构，本论部分从古典到现代再到后现代，以时间为序层层推进，论述清晰。

B. 文章以达芬奇等艺术家为例，论证了古典艺术的和谐是他们在所知与所见之间妥协和选择的结果。

C. 文章从艺术再现是一种创造性过程和“观物取象”的抽象过程两方面来论证艺术世界是一种幻象。

D. 文章运用了举例、对比等多种手法，阐释了“古典”“现代”“后现代”在艺术语境下的丰富含义。

3.根据原文内容，下列说法正确的一项是

A. 从古典到现代再到后现代，都强调艺术与世界的关系，说明现实生活是艺术的唯一源泉。

B. 塞尚、高更以前的现代艺术家因依赖三维空间幻觉和再现因素，而使作品失去了批判性。

C. 现代艺术割裂传统，丢掉规范而以自我塑造为核心，表达精英意识，必然使其远离大众。

D. 在艺术风格上，古典艺术强调通俗，现代艺术强调高雅，而后现代艺术则强调雅俗融合。

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绘画史上的悲剧意识

中国历史上有过一些很出色的人物画家如顾恺之、阎立本、吴道子等等，他们的作品，或线条匀停紧挺，或设色富丽谐洽，或神貌逼真鲜明，但总的说来，他们所画的人物与他们自身的生命激情未必有密切的血缘关联。他们强调传神，但主要是很传神地在描绘着一种异己的著名人物或重要场面。有没有可能，让艺术家全身心的苦恼、焦灼、挣扎，痴狂在画幅中燃烧，人们可以立即从笔墨、气韵、章法中发现艺术家本人，并且从根本上认识他们，就像欧洲人认识拉斐尔、罗丹和梵高？

徐渭的葡萄图、《墨牡丹》、《黄甲图》、《月竹》以及《杂花图长卷》都让人精神陡然一震。他的生命奔泻出淋漓而又洒泼的墨色与线条，躁动的笔墨后面游动着不驯和无奈。

徐渭遭遇过复杂的家庭变故，又曾惶恐于政治牵连。他厌弃人世、厌弃家庭、厌弃自身，但他又多么清楚自己在文化艺术史上的千古重量，这就产生了特别残酷、也特别响亮的生命冲撞。而实际上他的佯狂背后埋藏的都是悲剧性的激潮。在中国古代画家中，人生经历像徐渭这样凄厉的人不多，即便有，也没有能力把它幻化为一幅幅生命本体悲剧的色彩和线条。

明确延续着这种在中国绘画史上很少见到的强烈悲剧意识的，便是朱耷。他具体的遭遇没有徐渭那样惨，但作为已亡的大明皇室的后裔，他的悲剧性感悟却比徐渭多了一个更寥廓的层面。他的天地全都沉沦，只能在纸幅上拼接一些枯枝、残叶、怪石来张罗出一个个地老天荒般的残山剩水，让一些孤独的鸟、怪异的鱼暂时躲避。这些鸟鱼完全挣脱了秀美的美学范畴，而是夸张地袒露其丑，以丑直锲人心，以丑傲视甜媚。它们是秃陋的，畏缩的，不想惹人，也不想发出任何音响的，但它们却都有一副让整个天地都为之一寒的白眼，冷冷地看着，而且把这冷冷地看当作了自身存在的目的。它们似乎又是木讷的，老态的，但从整个姿势看又隐含着一种极度的敏感，它们会飞动，会游弋，会不声不响地突然消失。毫无疑问，这样的物象也都走向了一种整体性的象征。

比朱耷小十几岁的原济也是明皇室后裔，用他自己的诗句来说，他与朱耷都是“金枝玉叶老遗民”。他虽与朱耷很要好，心理状态却有很大不同，精神痛苦没有朱耷那么深，很重要的一个原因是他与更广阔的自然有了深入接触，悲剧意识有所泛化。

1.下列说法不符合原文意思的一项是（　　 ）

A. 中国历史上有过一些很出色的人物画家如顾恺之、阎立本、吴道子等等，他们所画的人物与他们自身的生命激情未必有密切的血缘关联。他们强调传神，但主要是很传神地在描绘着一种异己的著名人物或重要场面

B. 拉斐尔、罗丹和梵高在画幅中表现艺术家身心状态，能让人们立即从笔墨、气韵、章法中发现艺术家本人，并且从根本上认识他们。

C. 徐渭的佯狂背后埋藏的都是悲剧性的激潮并把凄厉的人生经历幻化为一幅幅生命本体悲剧的色彩和线条。

D. 原济与朱耷心理状态有很大不同，精神痛苦没有朱耷那么深，因此他与更广阔的自然有了深入接触，悲剧意识有所泛化

2.下列有关朱耷绘画悲剧意识的理解不符合原文意思的一项是（　　 ）

A. 朱耷绘画有强烈悲剧意识的，明确延续着徐渭的画风。

B. 朱耷绘画悲剧意识与他的人生遭遇有关，作为已亡的大明皇室的后裔，他的悲剧性感悟却比徐渭多了一个更寥廓的层面

C. 朱耷绘画悲剧意识表现为他的天地全都沉沦，只能在纸幅上拼接一些枯枝、残叶、怪石来张罗出一个个地老天荒般的残山剩水，连孤独的鸟、怪异的鱼都好像躲避在画幅之外

D. 朱耷笔下的鱼鸟都有一副让整个天地都为之一寒的白眼，而且把这冷冷地看当作了自身存在的目的。它们看起来是木讷的，老态的，但从整个姿势看又隐含着一种极度的敏感。

3.依据原文信息，下列推论不正确的一项是（　　 ）

A. 唐朝画家阎立本的名作《步辇图》描绘的是一种异己的重要场面，很难让人们可以立即从笔墨、气韵、章法中发现艺术家本人。

B. 徐渭遭遇过复杂的家庭变故，又曾惶恐于政治牵连。他厌弃人世、厌弃家庭、厌弃自身，这在某种程度上影响了他的画风，使他的作品有一种强烈的悲剧意味，反而获得了一种别开生面的美

C. 朱耷笔下的鱼鸟夸张地袒露其丑，以丑直锲人心，以丑傲视甜媚，完全挣脱了秀美的美学范畴，这种“审丑”的画风与拉斐尔、罗丹和梵高是相近的。

D. 朱耷原济都是明皇室后裔，但朱耷与广阔自然的接触深入度不如原济。

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绘画史上的悲剧意识

中国历史上有过一些很出色的人物画家如顾恺之、阎立本、吴道子等等，他们的作品，或线条匀停紧挺，或设色富丽谐洽，或神貌逼真鲜明，但总的说来，他们所画的人物与他们自身的生命激情未必有密切的血缘关联。他们强调传神，但主要是很传神地在描绘着一种异己的著名人物或重要场面。有没有可能，让艺术家全身心的苦恼、焦灼、挣扎，痴狂在画幅中燃烧，人们可以立即从笔墨、气韵、章法中发现艺术家本人，并且从根本上认识他们，就像欧洲人认识拉斐尔、罗丹和梵高？

徐渭的葡萄图、《墨牡丹》、《黄甲图》、《月竹》以及《杂花图长卷》都让人精神陡然一震。他的生命奔泻出淋漓而又洒泼的墨色与线条，躁动的笔墨后面游动着不驯和无奈。

徐渭遭遇过复杂的家庭变故，又曾惶恐于政治牵连。他厌弃人世、厌弃家庭、厌弃自身，但他又多么清楚自己在文化艺术史上的千古重量，这就产生了特别残酷、也特别响亮的生命冲撞。而实际上他的佯狂背后埋藏的都是悲剧性的激潮。在中国古代画家中，人生经历像徐渭这样凄厉的人不多，即便有，也没有能力把它幻化为一幅幅生命本体悲剧的色彩和线条。

明确延续着这种在中国绘画史上很少见到的强烈悲剧意识的，便是朱耷。他具体的遭遇没有徐渭那样惨，但作为已亡的大明皇室的后裔，他的悲剧性感悟却比徐渭多了一个更寥廓的层面。他的天地全都沉沦，只能在纸幅上拼接一些枯枝、残叶、怪石来张罗出一个个地老天荒般的残山剩水，让一些孤独的鸟、怪异的鱼暂时躲避。这些鸟鱼完全挣脱了秀美的美学范畴，而是夸张地袒露其丑，以丑直锲人心，以丑傲视甜媚。它们是秃陋的，畏缩的，不想惹人，也不想发出任何音响的，但它们却都有一副让整个天地都为之一寒的白眼，冷冷地看着，而且把这冷冷地看当作了自身存在的目的。它们似乎又是木讷的，老态的，但从整个姿势看又隐含着一种极度的敏感，它们会飞动，会游弋，会不声不响地突然消失。毫无疑问，这样的物象也都走向了一种整体性的象征。

比朱耷小十几岁的原济也是明皇室后裔，用他自己的诗句来说，他与朱耷都是“金枝玉叶老遗民”。他虽与朱耷很要好，心理状态却有很大不同，精神痛苦没有朱耷那么深，很重要的一个原因是他与更广阔的自然有了深入接触，悲剧意识有所泛化。

1.下列说法不符合原文意思的一项是（  ）

A. 中国历史上有过一些很出色的人物画家如顾恺之、阎立本、吴道子等等，他们所画的人物与他们自身的生命激情未必有密切的血缘关联。他们强调传神，但主要是很传神地在描绘着一种异己的著名人物或重要场面

B. 拉斐尔、罗丹和梵高在画幅中表现艺术家身心状态，能让人们立即从笔墨、气韵、章法中发现艺术家本人，并且从根本上认识他们。

C. 徐渭的佯狂背后埋藏的都是悲剧性的激潮并把凄厉的人生经历幻化为一幅幅生命本体悲剧的色彩和线条。

D. 原济与朱耷心理状态有很大不同，精神痛苦没有朱耷那么深，因此他与更广阔的自然有了深入接触，悲剧意识有所泛化

2.下列有关朱耷绘画悲剧意识的理解不符合原文意思的一项是（   ）

A. 朱耷绘画有强烈悲剧意识的，明确延续着徐渭的画风。

B. 朱耷绘画悲剧意识与他的人生遭遇有关，作为已亡的大明皇室的后裔，他的悲剧性感悟却比徐渭多了一个更寥廓的层面

C. 朱耷绘画悲剧意识表现为他的天地全都沉沦，只能在纸幅上拼接一些枯枝、残叶、怪石来张罗出一个个地老天荒般的残山剩水，连孤独的鸟、怪异的鱼都好像躲避在画幅之外

D. 朱耷笔下的鱼鸟都有一副让整个天地都为之一寒的白眼，而且把这冷冷地看当作了自身存在的目的。它们看起来是木讷的，老态的，但从整个姿势看又隐含着一种极度的敏感。

3.依据原文信息，下列推论不正确的一项是（  ）

A. 唐朝画家阎立本的名作《步辇图》描绘的是一种异己的重要场面，很难让人们可以立即从笔墨、气韵、章法中发现艺术家本人。

B. 徐渭遭遇过复杂的家庭变故，又曾惶恐于政治牵连。他厌弃人世、厌弃家庭、厌弃自身，这在某种程度上影响了他的画风，使他的作品有一种强烈的悲剧意味，反而获得了一种别开生面的美。

C. 朱耷笔下的鱼鸟夸张地袒露其丑，以丑直锲人心，以丑傲视甜媚，完全挣脱了秀美的美学范畴，这种“审丑”的画风与拉斐尔、罗丹和梵高是相近的。

D. 朱耷原济都是明皇室后裔，但朱耷与广阔自然的接触深入度不如原济。

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唐代之前绘画作品多施染色彩，唐代水墨绘画渐渐盛行并且在唐末宋元发展壮大，逐渐取代色彩绘画的主流地位。中国绘画史上的这一重大变革，从《唐朝名画录》等绘画理论著作以及宋代苏轼、米芾的文人绘画理论等可见其脉络。但唐代传世绘画作品不足，李白的诗歌和敦煌壁画，皆为唐代的水墨之变提供了有力的佐证。

李白诗作中有《求崔山人百丈崖瀑布图》等7首与山水画相关的诗歌，其中不乏对画面内容的具体描写，从中可以体会到当时山水画风格和技法的特点。李白在博平真人王志安处看到了一幅山水壁画，以诗记之：“粉壁为空天，丹青状江海。游云不知归，日见白鸥在。”李白笔下的这幅山水壁画非常特别，天空江海、游云白鸥构成了绝妙的景致。因此李白觉得特别新鲜有趣，故用诗记录下来。

纵观山水画的发展历程，从六朝起，山水画便为设色山水，天空一般用青绿着色。隋朝展子皮的传世画作《游春图》是现存最早的山水画，全图以青绿设色为主，天空水面、山石树木皆以色渲染，用青绿重着山水，用泥金描绘山脚，用赭石填染树干，勾勒出生机勃勃的春之景象。这种技法对唐代山水画尤其是李思训、李昭道父子的金碧山水影响极大。唐代山水画的发展历程充满着变化，除了设色山水以外，更出现了水墨山水，拉开了画史上水墨之变的大幕。张彦远云:“山水之变，始于吴，成于二李。”他肯定了吴道子和李思训、李昭道父子在山水画变革中的引领作用。无论是人物画、山水画还是花鸟画，吴道子都很擅长，在人物画的实践中，他创造了一种新的技法，即“蔬菜描”，画中人物的衣饰有种动态的美感。后人总结为“吴带当风”。这种技法同样也运用于他的山水画实践，他的疏体山水用笔劲怒，线条多变，山石结构颇有气势。

李白诗歌中提到的天空不设色的山水壁画在唐代是非常少见的，无怪他要认为“粉壁为空天“是王志安处山水壁画的一大特色。特意用诗句记录下来。以虚为实，虚实相生，画面中留出空白是水墨画重要特征。李白时代山水画中这种“粉壁为空天”的处理，或许透露出绘画技法转析的一个端倪。

色彩绘画逐渐衰落并失去中心地位，水墨绘画不断发展壮大并成为主流，这是是一个漫长的变化过程，山水画中天空水面由施染色彩到不施色彩，反映了时代审美风尚的转变。李白所见的那幅天空不设色的山水画、敦煌莫高窟的南壁经变画面，在色彩绘画盛行的当时非常罕见、别其一格，为山水画发展中的水墨之变提供了佐证，说明在初盛唐时期，水墨绘画已经开始滋长，水墨之变已经渐露端倪。

（精编自陈晶《粉壁为空天一一李白诗与敦煌壁画对水墨之变的反映》）

1.下列关于原文内容的理解和分析，正确的一项是

A. 中国山水画的发展经历了从色彩绘画到水墨绘画的过程,唐代成为二者清晰的分水岭，唐以后水墨绘画逐渐发展成为主流。

B. 在唐代，色彩绘画的主流地位逐渐被水墨绘画取代，这一变革从《唐朝名西录》等绘面作品中清晰可见，而且变革意义重大。

C. 唐代的传世绘画作品不多，但也有《求崔山人百丈崖瀑布图》等诗作和敦煌壁画为之提供佐证，而且有唐宋绘画理论可在查。

D. 李白诗作中有对山水画面的具体描写，如“粉壁为空天.丹青状江海”不仅再现了山水壁画，也显示出山水画的风格与技法。

2.下列对原文论证的相关分析，不正确的一项是

A. 文章开头部分先提出色彩绘画与水墨绘画的变革，再为这一变革作佐证分析。

B. 文章在论证中国山水画的发展历程时，从六朝到隋朝再到唐朝逐层展开论述.

C. 文章从山水面的发展历程看李白作品中“粉壁为空天”的画法处理的独特性。

D. 文章在整体上采用总分总的结构，“分”的部分按并列式的逻辑顺序展开论证。

3.根据原文内容，下列说法不正确的一项是

A. 因为吴道子创造了“莼菜描”的新技法，使画中人物的衣饰有“吴带当风”的美感，张彦远充分肯定了他在山水西变革中的贡献。

B. 虽然李白在诗作中涉及山水画不多，但他对山水画技法有敏锐的观察力，因而唐代很少见的天空不设色的山水壁画被他抓捉住。

C. 画面留白而不施染色彩是水墨画的重要特征.水墨绘画与色彩绘画此长彼消，虽然是技法上的变化，折射的却是时代的审美风尚。

D. 敦煌莫高窟的南壁经变画面的出现与初盛唐时期的西风不一致，因为它显示出当时水墨西的滋长.而在今天其价值则更为重大。

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