阅读下面的文字，完成下列小题。
古人称绘画为“丹青”早期的中国画是以“色彩”为主的，山水画也是如此。纵观中国绘画发展史，色彩的表现是其中重要的闪光点之一，而青绿山水画又在其中扮演了重要角色。青绿山水采用典型的工笔重彩的表现形式。用呈色稳固、经久不变的矿物质石青、石绿为主色，青绿相映，富丽堂皇。青绿山水曾作为主要的山水样式流行于隋唐和北宋末年的宫廷，宋代以后逐渐式微，传隋展子虔的《游春图》是我国山水画史上第一幅完整独立的山水画卷，同时开启了青绿山水端绪，对后世影响深远，尤其是唐代李思训、李昭道父子。
初唐的李思训、李昭道父子为杰出的青绿山水大家，史称“大小李将军”。李思训首创大青绿山水及金碧山水一格，形成“金碧辉煌”的富丽效果，把青绿山水推上了一个高峰。传为李思训的《江帆楼阁图》现藏于台北故宫博物馆，用精细匀称的铁线勾画出山石树木之形态，线条硬朗且疏密有别。画面设色浓厚，以石青、石绿为主，用金粉提色，山石罩染数次，正所谓“青绿为质，金碧为文”，“阳面涂金，阴面加蓝”，整体一派繁茂厚重、金碧辉煌的景象，极具装饰效果。《唐朝名画录》称李思训为“国朝山水第一”，赞颂的就是其在青绿山水上的突出贡献。此时，青绿山水发展到一个承前启后的阶段。
李昭道继承父业，但“变父之势，妙又过之”，画山水阁楼，设色用笔稍变其父法，而更加精巧细密。
从李思训父子，可以看到青绿山水画的成长发展轨迹。李氏父子所代表的青绿山水一派和盛唐以后兴盛起来的水墨山水的发展，为晚唐五代山水画的成熟准备了条件。
青绿山水画的哲学基础主要是传统的五色理论、儒家思想和佛教的有宗，这一理论体系是“有色系”，它决定了青绿山水画重彩的面貌和富有装饰性的审美特征。
初唐有阎立德、阎立本兄弟二人除画人物外易擅青绿山水，提倡水墨山水画的“南宗之祖”王维，也曾作青绿山水。区别于李思训，王维的山水画带有一种抒情和恬淡的诗意，在作品中参用破墨的方法，且“一变钩斫之法”，用斧披皴作画或是在用斧披皴的同时亦参用披麻皴。后代称李思训李昭道一体，多勾勒、皴笔少、重彩较浓者为大青绿山水，称王维这一体重彩较清淡者为小青绿山水，此一体一般在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。
青绿山水的丰碑之作当属宋代王希孟的《千里江山图》。
青绿山水发展至南宋时期，以赵伯驹、赵伯骕兄弟为代表。以“精工之极，又有士气”的雅致清润之貌取代过去的富丽堂皇，创造了一种介于院体画和文人画之间的青绿山水。现藏故宫博物院的《江山秋色图》为赵伯驹的代表作。
此后，由于文人对绘画的介入使得山水画的审美倾向发生转变。文人画家在绘画上倡导“以书入画”，追求笔墨趣味、写意抒情、不重形似、崇尚“逸格”，轻视色彩等，使得绘画文学化，水墨山水画渐成主流。水墨山水画的哲学基础主要是老庄的道家思想、玄学和禅学，这一理论体系是“无色系”，它决定了水墨山水画重视黑白、虚实，崇尚简淡空灵的美学意境。
从此，山水画家主要以水墨山水为主，青绿山水遭到贬抑，逐渐被挤出了画坛主流的位置，虽有发展，但不发达，以小青绿略胜。近代从事青绿山水的画家有张大千、应野平、贺天健、潘素等人。
1.下面对“青绿山水”的特点表述，不符合文意的一项是
A. 中国山水画中非常重要的一支，用典型的工笔重彩来表现自然的画作。
B. 隋唐时期的青绿山水画的作者以画家为主，画作富丽堂皇缺少文化气息。
C. 画家使用呈色稳固、经久不变的矿物质石青、石绿作画，画面青绿相映。
D. 历史上的大清绿山水设色厚重、重视形似重视色彩有很强的装饰性。
2.下列对中国山水画的理解不符合文意的一项是
A. 青绿山水曾作为中国山水画主要的样式流行于隋唐和北宋末年的宫廷。
B. 中国山水画分青绿山水画和水墨山水画，青绿山水画又有大青绿和小青绿之分。
C. 青绿山水画的哲学基础和文人山水画的哲学基础不一样审美趣味基本一致。
D. 文人画是山水画中的一支，倡导以书入画，追求写意抒情，是后期山水画的主流。
3.下列对文意的理解和推断，不正确的一项是
A. 传展子虔的《游春图》是中国山水画史上第一幅完整独立的山水画画卷。
B. 被称为“国朝山水第一”的李思训在青绿山水上承前启后有突出贡献。
C. 初唐阎立德、阎立本兄弟二人、王维，宋代王希孟都是大青绿山水代表人物。
D. 中国山水画所采用的形式既受技术知识的影响，也受哲学思想的影响。
高三语文现代文阅读中等难度题
阅读下面的文字，完成下列小题。
古人称绘画为“丹青”早期的中国画是以“色彩”为主的，山水画也是如此。纵观中国绘画发展史，色彩的表现是其中重要的闪光点之一，而青绿山水画又在其中扮演了重要角色。青绿山水采用典型的工笔重彩的表现形式。用呈色稳固、经久不变的矿物质石青、石绿为主色，青绿相映，富丽堂皇。青绿山水曾作为主要的山水样式流行于隋唐和北宋末年的宫廷，宋代以后逐渐式微，传隋展子虔的《游春图》是我国山水画史上第一幅完整独立的山水画卷，同时开启了青绿山水端绪，对后世影响深远，尤其是唐代李思训、李昭道父子。
初唐的李思训、李昭道父子为杰出的青绿山水大家，史称“大小李将军”。李思训首创大青绿山水及金碧山水一格，形成“金碧辉煌”的富丽效果，把青绿山水推上了一个高峰。传为李思训的《江帆楼阁图》现藏于台北故宫博物馆，用精细匀称的铁线勾画出山石树木之形态，线条硬朗且疏密有别。画面设色浓厚，以石青、石绿为主，用金粉提色，山石罩染数次，正所谓“青绿为质，金碧为文”，“阳面涂金，阴面加蓝”，整体一派繁茂厚重、金碧辉煌的景象，极具装饰效果。《唐朝名画录》称李思训为“国朝山水第一”，赞颂的就是其在青绿山水上的突出贡献。此时，青绿山水发展到一个承前启后的阶段。
李昭道继承父业，但“变父之势，妙又过之”，画山水阁楼，设色用笔稍变其父法，而更加精巧细密。
从李思训父子，可以看到青绿山水画的成长发展轨迹。李氏父子所代表的青绿山水一派和盛唐以后兴盛起来的水墨山水的发展，为晚唐五代山水画的成熟准备了条件。
青绿山水画的哲学基础主要是传统的五色理论、儒家思想和佛教的有宗，这一理论体系是“有色系”，它决定了青绿山水画重彩的面貌和富有装饰性的审美特征。
初唐有阎立德、阎立本兄弟二人除画人物外易擅青绿山水，提倡水墨山水画的“南宗之祖”王维，也曾作青绿山水。区别于李思训，王维的山水画带有一种抒情和恬淡的诗意，在作品中参用破墨的方法，且“一变钩斫之法”，用斧披皴作画或是在用斧披皴的同时亦参用披麻皴。后代称李思训李昭道一体，多勾勒、皴笔少、重彩较浓者为大青绿山水，称王维这一体重彩较清淡者为小青绿山水，此一体一般在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。
青绿山水的丰碑之作当属宋代王希孟的《千里江山图》。
青绿山水发展至南宋时期，以赵伯驹、赵伯骕兄弟为代表。以“精工之极，又有士气”的雅致清润之貌取代过去的富丽堂皇，创造了一种介于院体画和文人画之间的青绿山水。现藏故宫博物院的《江山秋色图》为赵伯驹的代表作。
此后，由于文人对绘画的介入使得山水画的审美倾向发生转变。文人画家在绘画上倡导“以书入画”，追求笔墨趣味、写意抒情、不重形似、崇尚“逸格”，轻视色彩等，使得绘画文学化，水墨山水画渐成主流。水墨山水画的哲学基础主要是老庄的道家思想、玄学和禅学，这一理论体系是“无色系”，它决定了水墨山水画重视黑白、虚实，崇尚简淡空灵的美学意境。
从此，山水画家主要以水墨山水为主，青绿山水遭到贬抑，逐渐被挤出了画坛主流的位置，虽有发展，但不发达，以小青绿略胜。近代从事青绿山水的画家有张大千、应野平、贺天健、潘素等人。
1.下面对“青绿山水”的特点表述，不符合文意的一项是
A. 中国山水画中非常重要的一支，用典型的工笔重彩来表现自然的画作。
B. 隋唐时期的青绿山水画的作者以画家为主，画作富丽堂皇缺少文化气息。
C. 画家使用呈色稳固、经久不变的矿物质石青、石绿作画，画面青绿相映。
D. 历史上的大清绿山水设色厚重、重视形似重视色彩有很强的装饰性。
2.下列对中国山水画的理解不符合文意的一项是
A. 青绿山水曾作为中国山水画主要的样式流行于隋唐和北宋末年的宫廷。
B. 中国山水画分青绿山水画和水墨山水画，青绿山水画又有大青绿和小青绿之分。
C. 青绿山水画的哲学基础和文人山水画的哲学基础不一样审美趣味基本一致。
D. 文人画是山水画中的一支，倡导以书入画，追求写意抒情，是后期山水画的主流。
3.下列对文意的理解和推断，不正确的一项是
A. 传展子虔的《游春图》是中国山水画史上第一幅完整独立的山水画画卷。
B. 被称为“国朝山水第一”的李思训在青绿山水上承前启后有突出贡献。
C. 初唐阎立德、阎立本兄弟二人、王维，宋代王希孟都是大青绿山水代表人物。
D. 中国山水画所采用的形式既受技术知识的影响，也受哲学思想的影响。
高三语文现代文阅读中等难度题查看答案及解析
阅读下面的文字，完成下列小题。
月舟图
李永生
自涞阳县城西行三十余里，有一釜山。山上一寺，名唤灵泉寺。清乾隆年间，丹青高手念慈大师在此住持，念慈自幼聪慧，对绘画无师自通，全凭个人刻苦磨练成为大器。山水花草、人虫鸟兽，无所不精。一次，他应邀为新落成的“天墨池”书院画影壁，但见他执笔在手，略一思索，便笔走龙蛇，一气呵成《锦鸡图》。正巧，一擎鹰之人路过，也停下来看热闹，鹰见壁上锦鸡，几次作欲扑状，众人连呼精妙。念慈之画被不少人索要收藏。京城“内联升”鞋店曾挂有一幅他的《赤脚天仙》。这“内联升”鞋店做的鞋为皇家御用之物。一皇帝近侍去该店见到这幅画，便重金买下。乾隆帝无意之中看到此画，竟足足欣赏了半个时辰。
念慈与人为善，但遇求画之人，无论贫富贵贱，只要心诚向善，都尽量满足。但也有特别之处，凡官场之人求画，必答应他两个条件，一是求画人为其研墨，二是只以半幅《月舟图》相送。曾有好几位达官贵人因不愿接受这两个条件而空手离去。
乾隆十一年，涞阳新上任一位名叫安子玉的县令，也是书画琴棋无所不通的雅士。慕名来灵泉寺拜见念慈，向其求画。主客见面后，知县道明来意，念慈说出了他的两个条件。安知县未加思索便说：“为大师研墨理所应当。大师所画不论半幅整幅，都是墨宝。”念慈遂铺开宣纸。安知县在旁侍立研墨。念慈凝神握笔，先是画出一叶小舟，可奇怪的是此舟竟然倒扣。安子玉正自惊奇，念慈就又勾画几缕清波，将小舟淹没。大师放下笔，双手合十。
知县仔细审视此画，心中揣摩：河中扣舟即为覆舟，我刚上任，便咒我翻船？
念慈见其迟疑，便说：“施主如觉此画对您不敬，老衲便将其焚烧……”
念慈刚一伸手，安子玉赶忙止住：“大师墨宝，学生岂敢唐突，但不知大师另半幅画何时才能画？”
念慈说：“能否画上，要看施主为政为人如何！”
安知县捧画下山，到家后将画悬于书房正中。
安子玉明察冤狱，惩治恶匪，率民垦荒，兴办教育，当真竭诚为民。上任半年，涞阳大旱，颗粒无收。在等待赈银时，他捐献自己的积蓄俸银，又说服县内富绅大户开仓放粮。无奈饥民太多，只是杯水车薪。
涞阳境内有一大道为京城与山西之咽喉，往来有不少运送粮食的车辆，饥民便在道旁乞求，过往客商不肯施舍。也有时聚众抢劫。为此，安知县治了不少人的罪。不过，安知县深知这些百姓实属“饥不择路”。他也来到大路旁，脱去官服，随饥民一起跪于大道边，又书写一牌置于身旁“涞阳安子玉率民乞求过往恩公施舍”。来往客商觉得新奇，一打听方知堂堂知县为救民于水火而跪乞，都很感动，留下不少粮食财物。自此，未再发生一起哄抢客商之事，涞阳饥荒也得以缓解。乾隆皇帝得知此事后大为感动，御笔亲书“爱民如子”，赏赐安子玉以示奖励。百姓则尊呼其为“清廉令”。
一日，衙役来报有一僧求见。安子玉望望那半幅《月舟图》，微笑出门迎接。来人正是念慈。他向安子玉深施一礼：“老衲为画那半幅画而来。”安子玉赶忙将《月舟图》取下铺于书案。念慈指着画说：
“老衲曾让施主为我研墨，并非妄自尊大。施主肯屈尊为我研墨，可见施主对百姓之尊重，心有百姓方能做父母官……老衲只以半幅《月舟图》相送，是盼天下为官之人都能以‘载舟覆舟’自省，那是天下百姓之造化。施主为政一年，德行有口皆碑，老衲早该为施主画完此画。”
念慈大师挥毫作画。他先是在水面上画一与覆舟对称之舟，新舟与覆舟模样不差分毫。但较之覆舟墨浓线更实，原先覆舟成了新舟水下倒影。随即轻轻点缀几笔游鱼，又在上方画一月牙。
安子玉大声喝彩：“好一幅《月舟图》！”但见月光皎洁、河水旖旎、轻舟静卧、倒影婆娑，游鱼自得。整幅画高洁雅丽、秀逸空灵，不杂一丝尘俗之气。念慈大师欣然说：“此画只道出百姓悠然安乐而已，施主见笑。”说罢，躬身告退。
安子玉将《月舟图》收起，而后从书架上另取出一画悬于那半幅《月舟图》所挂之处。看去，竟还是半幅《月舟图》，跟念慈大师原来的半幅《月舟图》丝毫不差。其实，这是安子玉临摹念慈大师而作。安子玉料到念慈会来将画补上，便提前复制一幅。他想，“水能载舟，亦能覆舟”之教诲还是终生在眼前为好。
1.下列对小说相关内容和艺术特色的分析鉴赏，不恰当的一项是
A. 文章写鹰欲扑《锦鸡图》上的锦鸡，写乾隆皇帝欣赏《赤脚大仙》半个时辰，是使用侧面描写的方法，写念慈大师绘画技艺的高妙。
B. 文章围绕涞阳灵泉寺主持和县令安子玉间一幅《月舟图》的故事，巧妙设疑，徐徐展开故事情节，叙述了的一段意味丰富的文人雅事。
C. 念慈大师来见时，安子玉就知道他是为那半幅画而来。“微笑”是文人间的心有灵犀，也有对此前和尚“考察”自己的一种戏谑嘲讽。
D. 安子玉最后把临摹的半幅《月舟图》挂在书房里，把念慈大师的“整”画收了起来。他希望“载舟覆舟”的为官理念随时警醒自己。
2.请简单分析安知县这一人物形象。
3.这是一篇意蕴丰富，行文雅致的小说。请从主题、语言和情节特征的角度，结合全文谈谈理由。
高三语文现代文阅读中等难度题查看答案及解析
阅读下面的文字，完成各题。
有着辉煌历史的中国传统色彩体系具有独特的东方文化审美内涵，在漫长的岁月中，已凝炼为中国精神 的部分。然而，近一百年来，在谈及绘画的色彩时，总有人认为中国画的色彩不及西方绘画丰富。这种认知，使我们与中国绵延数千年的人文艺术传统相互隔绝。还记得北京奥运会开幕式上，一幅青绿山水长卷徐徐展开，令世人 。这幅长卷诞生于宋朝，叫作《千里江山图》。在用色上，创作者以石青、石绿两种矿物质颜料为主要色彩着色，并在青绿颜料叠绘中寻求色彩微妙的变化，画面层次分明，色彩照人。这一富有装饰性的 ，是如何穿越近千年的历史。展现在我们面前的呢？从材料物性的角度分析，首先是载体的质量上乘。古人有“纸寿千年，绢寿入百”的说法。其次，（ ）。其实，从历史遗存中可以判断，东西方色彩的装饰功能均先于再现功能而出现，而且最早基本上都是利用天然的矿物质颜料在适宜的载体上涂绘。从表现的角度分析，西方艺术的表现以绚烂的色彩画为主导，而中国艺术同样也有丰富的色彩基因，一直到宋朝，色彩表现仍占据中国艺术的主流位置。如果我们不能从材料和技法的视角领悟古人，就难以理解《千里江山图》色彩何以如此绚烂多彩。唯有 ，梳理我们自才的传统，看清中国人文艺术真正的价值，赋予和彰显本民族人文艺术精神品位与主体性，才能确定中国人文艺术在人文艺术世界殿堂中应有的位置。
1.依次填人文中横线上的成语，全都恰当的一项是
A. 绝无仅有 叹为观止 吉光片羽 寻根究底
B. 不可或缺 叹为观止 鸿篇巨制 追本溯源
C. 绝无仅有 击节称叹 鸿篇巨制 寻根究底
D. 不可或缺 击节称叹 吉光片羽 追本溯源
2.下列在文中括号内补写的语句，最恰当的一项是
A. 是颜料及绘画手段的独特性，然而矿物质颜料性质稳定不易变色
B. 是独特的绘画手段及颜料，所以矿物质颜料性质稳定不易变色
C. 是颜料及绘画手段的独特性，因为矿物质颜料性质稳定不易变色
D. 是独特的绘画手段及颜料，而且矿物质颜料性质稳定不易变色
3.文中画横线的部分有语病，下列修改最恰当的一项是
A. 赋予和彰显本民族人文艺术精神品位与主体性，才能确立中国人文艺术在人文艺术世界殿堂中应有的位置。
B. 赋予和彰显本民族人文艺术精神尊严与主体性，才能确定中国人文艺术在世界人文艺术殿堂中应有的位置。
C. 赋予和彰显本民族人文艺术精神品位与主体性，才能确立我们中国人文艺术在世界人文艺术殿堂中应有的位置。
D. 赋予和彰显本民族人文艺术精神尊严与主体性，才能确立中国人文艺术在世界人文艺术殿堂中应有的位置。
高三语文选择题中等难度题查看答案及解析
阅读下面的文字，完成文后各题。
比兴和程式是中国传统绘画的基本表现手法。
比兴方法最早见于《诗经》。如果文艺作品描摹的对象是“物”，但真正表达的内容却是人，即以物喻人、缘物寄情，这就是比兴。在中国传统山水画、花鸟画中，比兴手法被巧妙地用来表现自然中人的情感寄寓。在中国绘画史上，山水画、花鸟画的数量和质量都占有绝对优势，这恰恰反映了画家借山水花鸟咏志抒情的倾向，也反映了比兴手法的作用和地位。
中国传统山水画、花鸟画与西方风景画、静物画有很大区别，其重要原因之一就在于前者使用了比兴手法，而后者则无比兴。西方画家笔下的田园风光是一种写实，画一些人物也是为了反映田园生活；中国画家则借山水表达志趣。至于花鸟画与静物画更是相差甚远。西方静物画多是描绘生活用品、水果、动物标本、瓶花等，较少有活的动物，基本上还是写实、摹真。而中国的花鸟画则完全不同。首先，花鸟画描绘的是活的动植物；其次，是选择具有某些典型特征的花鸟进行比兴。如北宋宫廷花鸟画多选择华贵富丽的牡丹、芙蓉等，民间花鸟画则多带有吉祥的含义。由于自然界中花鸟种类繁多又各具特色，非常适合用于比兴，因此中国传统绘画中以花鸟居多，远远超过了山水画和人物画。
中国古代文人画家喜爱的是梅兰竹菊“四君子”，它们分明是画家本身思想和人格的化身。古代文人画“四君子”常用一个“写”字，如写梅、写竹、写兰、写菊，宗旨在于言志抒怀。可以说，中国古代画家利用了比兴这种中国特有的手法，达到了“物我交融”的境地，其思想内涵和审美价值，远远超出了山水花鸟的自然形象本身。
中国传统绘画讲求高度概括，于是形成了程式这一表现手法。画家根据对形式美规律的掌握和运用，通过对生活长期的提炼和积淀，形成了一套相对稳定的表现技法，用以描绘同一类或相似的事物，这就是绘画的程式。中国传统绘画对程式的运用远远超出西方绘画，这也是中国传统绘画的一个重要特征。如线条的运用、画面的布局、色彩的配置，都有一定的程式；人物画的各种描法、山水画的各种皴法、花鸟画的各种勾法点法，都有严格的规范，而且这些程式、规范也在不断发展、丰富着。
程式化使得艺术语言更加概括。画家在写梅兰的长期实践中，总结出“无女不成梅”和“凤眼”，画竹叶则采用了“介”字和“个”字形。程式化也十分适合于“写意”而达到“神似”。例如画树，要求“松皮如鳞”、“柏皮缠身”；树叶则有梅花点、胡椒点等。掌握了这些程式，在画树时就不必完全依它的实际枝叶形状去刻画，而是选用某种适宜的方法概括表现出来即可。这种程式的运用，当然不是为了摹真，但可达到“似与不似之间”。
程式化是中国传统绘画的一个创造，它增强了中国画的形式感和民族性。程式与内容是不可分割的整体，用程式概括并充分表达内容，又以内容来丰富和发展程式，使二者达到高度统一。可以说，中国传统绘画的写意性创造了程式，而程式的运用又恰当地表达了写意。
（节选自颜锋《中国绘画传统与人文精神初探》有删改）
1.关于中国传统绘画和西方画的比较，下列说法错误的一项是
A．中国传统山水画、花鸟画与西方风景画、静物画有很大区别的原因就是后者没有运用比兴手法。
B．中国传统山水画里的山水是画家咏志抒情的载体，西方风景画里的田园风光则是画家的一种写实。
C．中国花鸟画描绘的是活的动植物；西方静物画描绘的则是生活用品、水果等静物，较少有活的动物。
D．中国传统绘画讲求高度概括，绘画里常常出现程式化的表现手法，这种运用远远超出了西方绘画。
2.下列对“绘画的程式”的理解和分析，正确的一项是
A．绘画的程式是中国传统画家在描绘不同类事物时采用的一套相对稳定的表现技法，它体现了画家对形式美规律的掌握和运用。
B．从线条的运用、画面的布局、色彩的配置等到各种描法、皴法、勾法点法等，中国传统绘画都有一套严格的不能突破的规范和程式。
C．掌握了画树的程式，中国传统画家在画树时就不必依树的实际枝叶的形状去刻画，因为中国画运用某种程式，目的不是为了摹真。
D．程式化是中国传统绘画的一个创造，可以说，中国传统绘画的写意性创造了程式，而传统画在运用程式的同时又恰当地表达了写意。
3.根据原文内容，下列表述不正确的一项是
A．比兴方法最早见于《诗经》，其目的在于以物喻人、缘物寄情。在中国传统山水画、花鸟画中，它被巧妙地用来表现自然中人的情感寄寓。
B．中国传统绘画中，山水画、花鸟画的数量占绝对优势，花鸟画的数量又远超山水画，原因是自然界中花鸟种类多又各具特色，适合运用比兴。
C．“无女不成梅”“凤眼”和“介”字“个”字形等程式化画法，使得梅兰竹菊“四君子”特征鲜明，所以古代画“四君子”不叫“画”而叫“写”。
D．程式化增强了中国画的形式感和民族性，但程式与内容是不可分割的，既要用程式概括并充分表达内容，又要以内容来丰富和发展程式。
高三语文现代文阅读困难题查看答案及解析
阅读下面的文字，完成后面题。
山水画家所欲完成的自然是造化世界，不是由各种绘画图式构成的山川。中国画要“外师造化，中得心源”。但是“师法造化”与培根的“阅读大自然之书”全然不同，造化并非一山一水，亦非万物之集合。造化是大衍运行、生成化育，是创造和变化。造化有道却无定法，师法造化就是得万物生成变化之机枢，所以中国文人画家与世界所发生的最重要的关系不是模仿，而是起兴。起兴是在时机之中由一物一景引发的感怀兴致，世界与人的共在关系由此情激荡而出。所以此时所说的世界，既非寻常实证科学家所欲观察的自然世界，亦非知识论者所谓的认知对象，而是“造化”，是浑然天地，当是时，万物皆备于我而有我在焉。山水者，本是天地之假名，山水画或者更宽广的山水艺术，承栽的是我们的世界经验，用古人的话说——自有沟通天地之工。这是一门最能够体现中国人的世界观的艺术。在现代性的进程中，无论从视觉上还是思想上说，文人所表述的山水世界已经被彻底扰乱以至于粉碎了。山水画成为一种特定的题材，一种风格样式，一种艺术史上的现成品，因而它也就彻底丧失了其“世界观意义”。在这种境遇中，山水画早已经被抛掷到一种不及物状态，深深地陷入其表述与本体的危机。
山水画是一种回忆，作画是回忆，观画也是回忆，一种使回忆可视化，另外一种则令回忆现实化；前者将造化拢聚于图画，后者却沿着图画回返造化。古人观画，画卷是追想山水之中介，后人观画，则是以真山水之经验为中介以求对画意之了然。而今日艺术家，则无时不以艺术创作自律，动辄以笔墨技巧与视觉冲击自诩，距山水之道远矣。
山水，是一门世界观的艺术，它能够发显造化之秘，皆因其终极原则是“道法自然”。道以自然为法，“法”就超出了西方自然法语境中的最根本之契约，也超出了法令、制度之范畴。“法”之为法，通达于自然。“自然之法”恰是中国山水经验之精神所系。山水画讲求“外师造化，中得心源”，而此“造化”绝非一山一水，而是生成变化；此“心源”也绝非主体的精神，是天地之心。天地不仁，天地本无心，画者欲取造化之无尽藏，继而为“天地立心”。这正是中国山水画之“不二心法”。明清以来，画者自囚于书斋之内，流连于古人之法，此自然心法寥落已久，此不惟画者之疾，亦为思者之憾。
近世之“山水危机”绝不只是山水画的危机。在百年后看来，山水之危机实是中国现代性的一个组成部分，这不仅意味着传统自然观的失落，也意味着历史观的破碎。在二十世纪的山水画面上所呈现的是文明冲突中山河的破碎与扰乱，是一个符号与意象的乱世。
山水经验与我们的感受力虽然已日渐衰微，却并非不可挽回。要在当下重新点亮山水之世界经验，并非于滔滔逝水中寻找记忆的刻度，我们得在当下的处境中重新学习，重新发掘，在与现成经验的斗争中重新发现。
(摘编自高士明《山水的危机》)
1.下列关于原文内容的表述，不正确的一项是
A、中国画要“师法造化”，但与培根的“阅读大自然之书”完全不同，这里的造化指的是创造和变化，而不是一山一水和万物之集合。
B、中国文人画家在创作中与世界所发生的最重要的关系是起兴，因为造化有道却没有定法，师法造化就是求得万物生成变化的关键。
C、中国文人画家眼中的世界不是寻常实证科学家所欲观察的自然世界，也不是知识论者所谓的认知对象，而是“造化”，是浑然天地。
D、山水画或者更宽广的山水艺术，是沟通天地的技艺，承载的是我们的世界经验，是最能够体现中国人的世界观的艺术。
2.下列理解和分析，不符合原文意思的一项是
A、作山水画和观山水画都是一种回忆。前者使回忆可视化，将造化拢聚于图画；后者令回忆现实化，沿着图画回返造化。
B、古人观画，中介是画卷和真山水的经验；今日艺术家则以艺术创作自律，以笔墨技巧与视觉冲击自夸，远离山水之道。
C、“自然之法”恰是中国山水经验之精神所系。中国山水画家所想完成的不是由各种绘画图式构成的山川，而是造化世界。
D、山水遵循的终极原则“道法自然”中的“法”，超出了西方自然法语境中的最根本之契约和法令、制度的范畴。
3.根据原文内容，下列说法不正确的一项是
A、在现代性的进程中，山水画彻底丧失了其“世界观意义”，因而山水画成为一种特定的题材，一种风格样式，一种艺术史上的现成品。
B、取造化的宝藏为“天地立心”是中国山水画唯一法则，而明清以来的山水画家，自闭于书斋，流连于古人之法，这是画家的大忌。
C、要挽救山水危机，重新使山水的经验闪光，不是从传统中去挖掘经验，而是在当下的处境中重新学习，重新发掘，重新发现。
D、近世之“山水危机”意味着传统自然观的失落和历史观的破碎，二十世纪的山水画呈现出文明冲突中山河的破碎与扰乱就是例证。
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阅读下面的文字，完成下列小题。
①也许由于我国在绘画艺术上有极大的成就，而我国的美术实际上可用山水来概括之，因此，在中外文化人士的心目中，中国人是“爱好自然”“师法自然”的。在环境艺术中，我国的庭园尤以“自然”闻名，不但使得19世纪以来的欧西人士产生了向往，也使我国一些建筑界人士常常把造园艺术看做中国建筑艺术的核心而加以夸张，从而大大地强解、误解了庭园的“自然”精神。
②大家知道“方外”的意思是指“世外”，很显然，这个方框代表着人世。它不但代表了、暗示着人为的居住环境，同时表示在此环境中所必须具备的行为规范。这个方框的外面，是我们不能控制的自然现象。
③我们对自然没有恐惧感，世内世外表示我们对不同的行为法则的看法。自然界，具体地说是外界的环境，是反映一种无拘无束的人生观。
④当然，真正的自然环境并不如我们所想象的那么祥和近人。对自然美的欣赏需要高度的修养，而且必须是精神型的人才成，因为只有在精神化的自然界中，才能克服真实的自然界所加予人类生存上的压迫与威胁。
⑤田园诗人与山水画家造成了这种精神化的自然意象。在他们的笔下，自然界是世外之天堂。自然与现世的文明生活环境，不但构成了对比，而且显然形成了两个极端。
⑥中国读书人的理想是在世之内外取一个平衡点，亦即所谓“方圆之间”。在世上做一个规规矩矩、顺遂世情的人，又能优游于山林之间，享受大自然的情趣，修身养性，因而能知天命。
⑦努力达到这样的实质生活环境是传统知识分子的目标。可是这种自然观与环境的创造有什么直接关系呢?其结果在我看来，是臆造的自然。能在高山、深林中跋涉以欣赏自然景色的人到底是不多的，能“悠然见南山”忘却穷困潦倒的人究竟也是不多的。大体说来，真正把大自然当天堂的情形不多，方框以内的文明生活仍是大家所迷恋的现实。在若干世纪的传统之中，文学、艺术所描述的自然环境逐渐代替了真实的自然环境，大部分的中国读书人只能满足于方内的方外感。方外者对大多数人而言，乃是不受约束、不必为生活操心的生活方式，并不真正意味着处于大自然中的生活。
⑧我国的园林艺术就是在这种矛盾的心境下的产物，自汉魏以来就有记载达官贵人经营园圃的故事。依理说，他们应该走出城外，结竹篱茅舍于山水之间的，但他们宁斥巨资造园。自他们的想象中建造一个自然景色的抄本，其目的显然是可兼有俗世生活与自然情趣。因此，园林艺术的开始就暗示着宫廷园林的走向。
⑨结果是什么呢?中国人自己塑造的自然，与宫廷富丽的人为环境联结在一起，成为一种很奇特的贵族意味浓厚的空间艺术。自然环境不但掌握在画家的想象之中，而且被建筑物穿插着。至于所谓“自然”的本身，变成一些材料，水、石、花、木，按着诗人画家的想象力组织起来，后来则按一定的公式安排起来。
⑩所以明、清以来中国人心目中的自然，成为自然中的素材。大家对石头很考究，对花很考究，对树木很考究。其结果是堆积自然素材，失去自然情趣。
（摘编自汉宝德《建筑笔记》）
1.下列关于原文内容的表述，不正确的一项是
A. 中外文化人士对中国人与自然之间关系的认识深受中国山水画的影响，可能与山水画在成就突出的中国绘画艺术中占有重要的地位有关。
B. 欧西人士喜爱中国园林的“自然”特色，但由于造园艺术的地位被人为地夸大，因此，他们不能真正理解庭园是“臆造的自然”的精神。
C. 在中国人看来，方内方外就是世内世外，它们不只代表了不同的环境，还代表了不同的生活方式，反映了不同的人生观。
D. 真实的自然环境和想象中的自然环境存在着很大的差异，能否欣赏自然环境的美与一个人的修养程度、审视自然的视角密切相关。
2.下列理解和分析，不符合原文意思的一项是
A. 中国古代诗人与画家笔下的自然并非真正的自然环境，而是精神化的自然，它们和谐美好， 平易近人，不会给人以压迫与威胁。
B. 在方圆之间找到一个平衡点是传统知识分子的理想目标，他们既想在俗世规矩生活，又希望摆脱俗世的牵连束缚，优游自在。
C. 陶渊明在现实生活中穷困潦倒，但在臆造的自然中，却能“悠然见南山”，能像他这样融入自然的人，在现实中是不多见的。
D. 在大部分的中国读书人眼里，大自然不是天堂，所以，比起真实的高山、深林，文学、艺术中的自然环境对他们更有吸引力。
3.根据原文内容，下列理解和分析不正确的一项是
A. 园林艺术的出现，满足了中国人既希望摆脱俗世的约束、生活的劳累，但又不用抛开俗世，到大自然中生活的心理需求。
B. 达官贵人不选择在城外的山水之间筑舍建园，并不是因为资金匮乏，而是他们的内心仍然迷恋现实的文明生活。
C. 汉魏以来达官贵人建造贵族意味浓厚的园林，使中国园林艺术从注重自然情趣演变成注重奇特富丽，最后走向宫廷园林。
D. 把水、石、花、木这些自然中的素材和“自然”本身混淆等同，重在对这些素材的考察、组织安排上，是没有自然情趣的。
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阅读下面的文字,完成下列小题。
①也许由于我国在绘画艺术上有极大的成就,而我国的美术实际上可用山水来概括之,因此,在中外文化人士的心目中,中国人是“爱好自然”“师法自然”的。在环境艺术中,我国的庭园尤以“自然”闻名,不但使得19世纪以来的欧西人士产生了向往,也使我国一些建筑界人士常常把造园艺术看做中国建筑艺术的核心而加以夸张,从而大大地强解、误解了庭园的“自然”精神。
②大家知道“方外”的意思是指“世外”,很显然,这个方框代表着人世。它不但代表了、暗示着人为的居住环境,同时表示在此环境中所必须具备的行为规范。这个方框的外面,是我们不能控制的自然现象。
③我们对自然没有恐惧感,世内世外表示我们对不同的行为法则的看法。自然界,具体地说是外界的环境,是反映一种无拘无束的人生观。
④当然,真正的自然环境并不如我们所想象的那么祥和近人。对自然美的欣赏需要高度的修养,而且必须是精神型的人才成,因为只有在精神化的自然界中,才能克服真实的自然界所加予人类生存上的压迫与威胁。
⑤田园诗人与山水画家造成了这种精神化的自然意象。在他们的笔下,自然界是世外之天堂。自然与现世的文明生活环境,不但构成了对比,而且显然形成了两个极端。
⑥中国读书人的理想是在世之内外取一个平衡点,亦即所谓“方圆之间”。在世上做一个规规矩矩、顺遂世情的人,又能优游于山林之间,享受大自然的情趣,修身养性,因而能知天命。
⑦努力达到这样的实质生活环境是传统知识分子的目标。可是这种自然观与环境的创造有什么直接关系呢?其结果在我看来,是臆造的自然。能在高山、深林中跋涉以欣赏自然景色的人到底是不多的,能“悠然见南山”忘却穷困潦倒的人究竟也是不多的。大体说来,真正把大自然当天堂的情形不多,方框以内的文明生活仍是大家所迷恋的现实。在若干世纪的传统之中,文学、艺术所描述的自然环境逐渐代替了真实的自然环境,大部分的中国读书人只能满足于方内的方外感。方外者对大多数人而言,乃是不受约束、不必为生活操心的生活方式,并不真正意味着处于大自然中的生活。
⑧我国的园林艺术就是在这种矛盾的心境下的产物,自汉魏以来就有记载达官贵人经营园圃的故事。依理说,他们应该走出城外,结竹篱茅舍于山水之间的,但他们宁斥巨资造园。自他们的想象中建造一个自然景色的抄本,其目的显然是可兼有俗世生活与自然情趣。因此,园林艺术的开始就暗示着宫廷园林的走向。
⑨结果是什么呢?中国人自己塑造的自然,与宫廷富丽的人为环境联结在一起,成为一种很奇特的贵族意味浓厚的空间艺术。自然环境不但掌握在画家的想象之中,而且被建筑物穿插着。至于所谓“自然”的本身,变成一些材料,水、石、花、木,按着诗人画家的想象力组织起来,后来则按一定的公式安排起来。
⑩所以明、清以来中国人心目中的自然,成为自然中的素材。大家对石头很考究,对花很考究,对树木很考究。其结果是堆积自然素材,失去自然情趣。
(摘编自汉宝德《建筑笔记》)
1.下列关于原文内容的表述,不正确的一项是
A. 中外文化人士对中国人与自然之间关系的认识深受中国山水画的影响,可能与山水画在成就突出的中国绘画艺术中占有重要的地位有关。
B. 欧西人士喜爱中国园林的“自然”特色,但由于造园艺术的地位被人为地夸大,因此,他们不能真正理解庭园是“臆造的自然”的精神。
C. 在中国人看来,方内方外就是世内世外,它们不只代表了不同的环境,还代表了不同的生活方式,反映了不同的人生观。
D. 真实的自然环境和想象中的自然环境存在着很大的差异,能否欣赏自然环境的美与一个人的修养程度、审视自然的视角密切相关。
2.下列理解和分析,不符合原文意思的一项是
A. 中国古代诗人与画家笔下的自然并非真正的自然环境,而是精神化的自然,它们和谐美好,平易近人,不会给人以压迫与威胁。
B. 在方圆之间找到一个平衡点是传统知识分子的理想目标,他们既想在俗世规矩生活,又希望摆脱俗世的牵连束缚,优游自在。
C. 陶渊明在现实生活中穷困潦倒,但在臆造的自然中,却能“悠然见南山”,能像他这样融入自然的人,在现实中是不多见的。
D. 在大部分的中国读书人眼里,大自然不是天堂,所以,比起真实的高山、深林,文学、艺术中的自然环境对他们更有吸引力。
3.根据原文内容,下列理解和分析不正确的一项是
A. 园林艺术的出现,满足了中国人既希望摆脱俗世的约束、生活的劳累,但又不用抛开俗世,到大自然中生活的心理需求。
B. 达官贵人不选择在城外的山水之间筑舍建园,并不是因为资金匮乏,而是他们的内心仍然迷恋现实的文明生活。
C. 汉魏以来达官贵人建造贵族意味浓厚的园林,使中国园林艺术从注重自然情趣演变成注重奇特富丽,最后走向宫廷园林。
D. 把水、石、花、木这些自然中的素材和“自然”本身混淆等同,重在对这些素材的考察、组织安排上,是没有自然情趣的。
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阅读下面的文字，完成下列各题。
绘画（有删节）
林语堂
当反对琐细工匠手法的变革到来之时，出现了王维。他本人也是第一流的山水画家。他把中国诗歌的精神与技巧引入其中，有印象主义、抒情性、气韵的强调以及泛神论。这样看来，这位使中国绘画人享盛誉的“南宗之祖”，是受了中国诗歌的熏陶的。
这种绘画世称“士夫画”，又称“文人画”。到了11世纪，由于苏东坡、米芾及其儿子米友仁等宋代学者的影响，这种绘画变得更为简朴，主观性更为强烈。
中国的画家们遗留下了卷帙浩瀚、内容深奥的艺术批评论著。他们将“形”（物体的物理形状）、“理”（内部的法则或精神）和“意”（艺术家本人的观念）区别开来。“士夫画”就是对被动的写真手法的反抗。这种手法，古往今来例证俯拾皆是。宋代学者尤重于“理”，即事物的内部精神。
单纯追求细节精确的绘画是商业画家们之所为，而真正称得上是艺术的绘画应该致力于表现精神。
然而，这种绘画不是专业艺术家所作，而是文人学士之所为，这一点很有深刻含义。正是这种业余性质，使他们能够用一种轻松愉快的精神去作画。
作画是文人学士们娱乐消遣的手段，一如书法与绘画的作用。他们没有沉重的精神负担，似乎文人学士们的书法已经很有造诣，还有更多的精力可以用到其他艺术上去，以之为一种快乐而有趣的调剂。二者所使用的工具完全相同：同样的立轴，同样的笔墨，同样的清水，一切都置于案头，也不需要什么调色板。米芾这个士夫画的大家之一，有时甚至以一卷纸来代替画笔，或用甘蔗渣和莲梗代替。
当灵感和腕底的魔力到来之际，对艺术家来说，没有什么东西是不可以使用的。因为他们已经掌握了传达基本韵律的艺术，其余都在其次。今天甚至有用裸露的手指和灵活的舌尖作画，蘸上墨汁涂于纸上的。绘画过去是，现在仍然是文人学士的消遣。
这种游戏的情绪可以用来解释中国绘画的某些特征，这种特征称为“逸”，此词最贴近的英译为“fugitivenelss ”，即“即兴”、“漂泊”等意，但同时也要有“浪漫主义”和“退隐精神”等意。李白的诗篇也正是因这种轻松愉快的浪漫主义特性著称的。这种“逸”的特质被誉为士夫画的最高标准，它来自游戏精神。如同道学一般，它也是人类为逃避喧闹尘世、获得心灵自由而作出的一种努力。
如果我们意识到文人学士的精神是如何被限制在道德与政治的框架内的，我们就可以容易地理解他们的这种愿望了。士大夫们至少在绘画上是尽了自己最大的努力去恢复他们的自由的。
1.下列各项表述中，符合文意的一项是（3分） （ ）
A．受中国诗歌的熏陶，王维把诗歌的精神与技巧引入绘画之中，成为享有盛誉的“南宗之祖”。
B．苏东坡、米芾等宋代学者绘画更为简朴，主观性更为强烈，成为中国“士夫画”的开创者。
C．对艺术家来说，灵感到来时，什么东西都可以作画，米芾甚至以卷纸或甘蔗渣、莲梗代替画笔。
D．文人学士为突破道德与政治限制，获得心灵自由的游戏精神，使他们的绘画具备某种道学特征。
2.从文中看，“士夫画”有哪些特征？请分条归纳。（6分）
3.作者认为形成“士夫画”艺术特征的原因有哪些？（6分）
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阅读下面的文字，完成各题。
在对待自然的态度和方法上，中国传统艺术与西方现代派艺术各有所侧重，不尽相同，这可以从花卉的描绘上做比较。
在中国传统绘画领域里，花卉题材和山水题材占了极大的比重，取得了较高成就，这在世界艺术史上是十分独特的。这种现象产生的原因，大概与中国文化传统中的看重自然，强调人与自然、人与社会和谐共处这一人文哲学精神有关。
被称为西方“画圣”的荷兰现代派画家凡·高在西洋美术史上占有重要地位。他的名作《向日葵》被认为是稀世珍宝，画作通体呈黄色，像一团狂热的火焰，反映了画家燃烧的心灵。它不仅色彩热烈，画中花瓣的线条也呈现出烫灼般的颤抖，的确有一股跳荡的猛烈的心灵之火在烧炙着每一个观画者的感官。凡・高开辟了以画家的主观心灵为源泉的作画风格，但单以主观心灵的色彩来观照和变化自然对象，导致个体性太强，画家的主观压倒和排挤了自然的客观，画作虽然独特，但缺乏和谐，凡・高的带有病态色彩的精神，更会给他的表现对象带来一定的损害，投合了现代西方富有阶层寻求怪异刺激的欣赏趣味。
反观几幅中国画家的几幅花卉作品，比如齐白石的《牵牛花》，张大千的《荷花图》，虚谷的《松鼠戏竹图》，每幅作品都是形神飞动，气韵盎然，仿佛一首首有形的诗，一曲曲无声的乐，和谐温馨，使我们充分感受到大自然的勃勃生机，自有一股浩瀚的宇宙清气，一片昂扬的生命节律，流溢心田，舒心无比。中国画家的这种创作方法是立足于人与自然的契合，把一种人格和理想境界具象化地渗透于特定的对象之中，是一种意象的创造形态，而不是再现的形象形态，是升华了对象自身的根本特征而不是任意以画家的主观来扭曲变形。在创作的精神上，中国画家总是执着地追求一种以提高和完善人性自身为目的的人文精神，而不像西方现代派画家那样片面张扬独立于自然和社会、以个体为中心的个人主观精神。
由于中西方画家这种创作态度和方法上的差异，使得中国传统绘画从本质上看，既非模仿的艺术，也不是抽象的艺术，而是充满了主客体的统一精神，以意象创造而实现人、社会、宇宙和谐的中和的艺术，是简洁、传神、含蓄、隽永的艺术，是达到了“气”（艺术家的主观心灵之气，生命运行之气，宇宙间自然万物之气）、“韵”（主观、客观契合所制造的意象自身所发射出来的风华、光辉）生动的艺术。应该说，中国的花鸟画、山水画中所表现出的这种整体性的人与自然之间的牧歌式的亲切精神，是十分有意义和价值的。
（摘编自吴式南《发现艺术之美》）
1.下列关于原文内容的理解和分析，正确的一项是
A. 从花卉类绘画作品中可以看出，中西方艺术在对待自然的态度上是完全不同的。
B. 中国绘画艺术重视花卉题材，此类艺术成就也最高，这在世界艺术中十分独特。
C. 凡・高的《向日葵》表现强烈主观心灵，投合了画家怪异的欣赏趣味。
D. 中国传统绘画立足人与自然的契合，追求创造意象形态，升华对象根本特征。
2.下列对原文论证的相关分析，不正确的一项是
A. 文章采用“总—分—总”结构，侧重论述中国传统绘画艺术的主要特点和本质。
B. 文章采用举例论证和对比论证，对中西方绘画创作特点做了清晰形象的分析。
C. 文章以齐白石等人作品为例，证明中国传统绘画是再现的形象形态，更追求和谐。
D. 文章中“气韵”这一术语虽专业，但文中相关论述及解析降低了理解难度。
3.根据原文内容，下列说法正确的一项是
A. 如果作画时画家个体特性太强，势必排挤对象的自然特性，这不利于艺术表现。
B. 中国传统花卉作品不是再现对象形态，这样也会导致作品中的形象扭曲变形。
C. 中国花鸟画透露出牧歌式的亲切，有利于画家和观者提高完善自身，和谐心灵。
D. 中国传统绘画讲求传神、含蓄，艺术表现优于西方现代派绘画的片面张扬个性。
高三语文现代文阅读中等难度题查看答案及解析
阅读下面的文字，完成以下3题。
打开中国画的天地，在烟云腾迁、古木逶迤之后，总有一种幽幽的寒意。明文微明说：“古人高人逸士，往往喜开笔作山水以自娱，然多写雪景。”中国画家又爱画寒林，秋日的疏木，冬日蝗枯槎，春日的老芽初发，都被笼上了一层寒意。
王维就是大量以寒入画的画家，也可以说是中国画史上第一个将雪景作为主要表现对象的画家，《宣和画谱》卷十著录的王维雪景图就有26幅。在唐代，开创泼墨之体的王洽的画，也使人有“云霞卷舒，烟雨惨淡”之感；另一位水墨创始人项容，其作《寒松漱石图》，也也表现出对荒寒境界的重视。五代时，荒寒趣味成了山水画家的自觉审美追求。生于南方的董源，画作重秋的高远和冬的严凝之境 ，使得他在少雪之乡而多画雪，于温润之地而多出冷寒。
宋代山水画家得荒寒骨气的，最可称范宽、郭熙二人，范的雪景足称高格，从其《雪景寒林图》中，可见雪意中混莽而又荒寒的韵味；而郭特工山水寒林，于营丘寒林之外，别构一种灵厅。清代黄公望以苍莽、王蒙以细密、吴镇以阴沉湿漉的气氛，共筑冷的世界；如王蒙的《夏日山居图》，写夏山之景，丝毫没有浓郁葱茏之感，相反使人感到阴沉冷寂，气氛苍莽。
中国画的荒寒韵味，也体现在其他画科。在竹画中，竹的寒痕冷意素为画界所重，如吴镇自题竹画云：“亭亭月下阴，挺挺霜中节，寂寂空山深，不改四时叶。”画梅又以墨梅、雪梅为尚，如杨补之的墨梅，清气冷韵，令人绝倒，黄庭坚以“嫩寒清晓，行孤村篱落间”许之。菊画也不忘求冷追寒，画史中有所谓冷菊之称。
中国画对于荒寒的推重，可分为三个层次：一是将荒寒作为一种审美趣尚，喜欢作寒景，出寒意，使得雪景屡出，寒林叠现；二是将荒寒作为典型气氛，不仅于雪景寒林中寻其荒寒寂寥之趣，也给不同的题材笼上寒意；三是将荒寒作为最高境界，绘画境界有多种，而荒寒雄视从境之巅。鉴于荒寒感在中国画中的独特位置，它理应成为探讨中国画民族特色的不可忽视的因素之一。
（选自朱良志《论中国画的荒寒境界》，有删改）
1.下列对文中“荒寒”的理解，正确的一项是 （ ）
A．荒寒是中国画所推崇的一种审美观，主要体现在山水画家都 喜欢画雪景，同时画春夏秋冬的山林之景，也会点染一种幽幽的寒意。
B．唐朝王维、王洽、项容三位画家大量以寒入画，在绘画艺术的天地独树一帜，对中国画荒寒特色的形成作出了突出的贡南献。
C．山水画家们从五代开始，历经宋、元、明、元、清各朝，虽然画的题材不同，画的时空迥异，但荒寒趣味成了自觉的审美追求。
D．荒寒的中国画中有独特的位置，它是构成中国画民族特色的不可忽视的因素，本文从情趣、风格、境界三个方面来探讨其精髓。
2.下列说法，符合文意的一项是 （ ）
A．“诗中有画，画中有诗”是王维诗歌的特色，他也是中国画上第一个喜欢画景的画家，《宣和画谱》就收录其大量雪景图。
B．《寒松漱石图》重冬的严凝之境，因为董源生于南方，过于追求荒寒趣味，使得他在少雪之乡有而多画雪，于温润之地而多出冷寒。
C．一些山水画在雪景寒林中笼上典型的荒寒气氛的同时又极富个性，如宋清两代的画或高格，或灵奇，或苍莽，或细密，或阴沉湿漉。
D．吴镇的竹画、杨补之的墨梅以及菊画中的冷菊均能体现荒寒韵味，黄庭坚用“嫩寒清晓，行孤村篱落间”一语加以称赞。
3.根据本文信息，下列诗词意境与画家们的审美趣尚不吻合的一项是 （ ）
A．袅袅兮秋风，洞庭波兮木叶下。
B．层林尽染，漫江碧透，百舸争流。
C．梧桐更兼细雨，到黄昏，点点滴滴。
D．帘外雨潺潺，春意阑珊，罗衾不耐五更寒。
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