阅读下面的文字，完成下列小题。
国画是以墨色的变化、线条组织和色彩搭配进行绘制的，墨分五色又是国画艺术发展中的一大 。历朝历代画家对于墨色的使用和研究到了 的地步，但描绘出的作品显得单一苍素。若盖上红印效果就非同一般了，有了红印的衬托，就会更加突出主体，墨色的浑厚感和层次感也更趋丰富。
最初，印章的使用只是一种为了构图完整的补救，后来逐渐演变成为画面点睛的作用。自元代以后，印章在国画中的地位显著提高。由于画家不断地探索，墨色和印章的红色的结合是 的，使之成为国画作品中不可或缺的组成部分，体现了很高的审美价值和社会价值。印章在什么情况下如何运用，要根据具体情况，按照画面的内容和题跋、构图的需要而定，不能 。印章的风格与书画风格应该相吻合或接近，决不可大相径庭，否则，（ ）。
自古诗、书、画、印一体，印章虽排在尾巴的位置上，但是它的作用却非常大。人们在欣赏名画、书法的时候，也能够欣赏到那一方别具匠心的印章。所以说，印章的好坏不仅影响到作品的内容，也影响到人们的联想和心情。
1.依次填入文中横线上的词语，全都恰当的一项是
A.创造 游刃有余 浑然天成 相提并论
B.创举 炉火纯青 巧夺天工 相提并论
C.创造 游刃有余 巧夺天工 一概而论
D.创举 炉火纯青 浑然天成 一概而论
2.文中画横线的句子有语病，下列修改最恰当的一项是
A.印章的使用只是一种为了构图完整的补救，后来逐渐具有了画面点睛的作用。
B.印章的使用只是一种为了构图完整的补救，后来逐渐演变成了画面点睛的作用。
C.印章的使用只是一种为了构图完整的补救方式，后来逐渐具有了画面点睛的作用。
D.印章的使用只是一种为了构图完整的补救方式，后来逐渐演变成了画面点睛的作用。
3.下列填入文中括号内的语句，衔接最恰当的一项是
A.非但不能促进画面的统一和谐，反而破坏了画面的美
B.非但不能增加画面的美，而且破坏了画面的统一和谐
C.非但不能促进画面的统一和谐，而且破坏了画面的美
D.非但不能增加画面的美，反而破坏了画面的统一和谐
高三语文选择题中等难度题
阅读下面的文字，完成下列小题。
国画是以墨色的变化、线条组织和色彩搭配进行绘制的，墨分五色又是国画艺术发展中的一大 。历朝历代画家对于墨色的使用和研究到了 的地步，但描绘出的作品显得单一苍素。若盖上红印效果就非同一般了，有了红印的衬托，就会更加突出主体，墨色的浑厚感和层次感也更趋丰富。
最初，印章的使用只是一种为了构图完整的补救，后来逐渐演变成为画面点睛的作用。自元代以后，印章在国画中的地位显著提高。由于画家不断地探索，墨色和印章的红色的结合是 的，使之成为国画作品中不可或缺的组成部分，体现了很高的审美价值和社会价值。印章在什么情况下如何运用，要根据具体情况，按照画面的内容和题跋、构图的需要而定，不能 。印章的风格与书画风格应该相吻合或接近，决不可大相径庭，否则，（ ）。
自古诗、书、画、印一体，印章虽排在尾巴的位置上，但是它的作用却非常大。人们在欣赏名画、书法的时候，也能够欣赏到那一方别具匠心的印章。所以说，印章的好坏不仅影响到作品的内容，也影响到人们的联想和心情。
1.依次填入文中横线上的词语，全都恰当的一项是
A.创造 游刃有余 浑然天成 相提并论
B.创举 炉火纯青 巧夺天工 相提并论
C.创造 游刃有余 巧夺天工 一概而论
D.创举 炉火纯青 浑然天成 一概而论
2.文中画横线的句子有语病，下列修改最恰当的一项是
A.印章的使用只是一种为了构图完整的补救，后来逐渐具有了画面点睛的作用。
B.印章的使用只是一种为了构图完整的补救，后来逐渐演变成了画面点睛的作用。
C.印章的使用只是一种为了构图完整的补救方式，后来逐渐具有了画面点睛的作用。
D.印章的使用只是一种为了构图完整的补救方式，后来逐渐演变成了画面点睛的作用。
3.下列填入文中括号内的语句，衔接最恰当的一项是
A.非但不能促进画面的统一和谐，反而破坏了画面的美
B.非但不能增加画面的美，而且破坏了画面的统一和谐
C.非但不能促进画面的统一和谐，而且破坏了画面的美
D.非但不能增加画面的美，反而破坏了画面的统一和谐
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阅读下面的文字，完成下列小题。
古人称绘画为“丹青”早期的中国画是以“色彩”为主的，山水画也是如此。纵观中国绘画发展史，色彩的表现是其中重要的闪光点之一，而青绿山水画又在其中扮演了重要角色。青绿山水采用典型的工笔重彩的表现形式。用呈色稳固、经久不变的矿物质石青、石绿为主色，青绿相映，富丽堂皇。青绿山水曾作为主要的山水样式流行于隋唐和北宋末年的宫廷，宋代以后逐渐式微，传隋展子虔的《游春图》是我国山水画史上第一幅完整独立的山水画卷，同时开启了青绿山水端绪，对后世影响深远，尤其是唐代李思训、李昭道父子。
初唐的李思训、李昭道父子为杰出的青绿山水大家，史称“大小李将军”。李思训首创大青绿山水及金碧山水一格，形成“金碧辉煌”的富丽效果，把青绿山水推上了一个高峰。传为李思训的《江帆楼阁图》现藏于台北故宫博物馆，用精细匀称的铁线勾画出山石树木之形态，线条硬朗且疏密有别。画面设色浓厚，以石青、石绿为主，用金粉提色，山石罩染数次，正所谓“青绿为质，金碧为文”，“阳面涂金，阴面加蓝”，整体一派繁茂厚重、金碧辉煌的景象，极具装饰效果。《唐朝名画录》称李思训为“国朝山水第一”，赞颂的就是其在青绿山水上的突出贡献。此时，青绿山水发展到一个承前启后的阶段。
李昭道继承父业，但“变父之势，妙又过之”，画山水阁楼，设色用笔稍变其父法，而更加精巧细密。
从李思训父子，可以看到青绿山水画的成长发展轨迹。李氏父子所代表的青绿山水一派和盛唐以后兴盛起来的水墨山水的发展，为晚唐五代山水画的成熟准备了条件。
青绿山水画的哲学基础主要是传统的五色理论、儒家思想和佛教的有宗，这一理论体系是“有色系”，它决定了青绿山水画重彩的面貌和富有装饰性的审美特征。
初唐有阎立德、阎立本兄弟二人除画人物外易擅青绿山水，提倡水墨山水画的“南宗之祖”王维，也曾作青绿山水。区别于李思训，王维的山水画带有一种抒情和恬淡的诗意，在作品中参用破墨的方法，且“一变钩斫之法”，用斧披皴作画或是在用斧披皴的同时亦参用披麻皴。后代称李思训李昭道一体，多勾勒、皴笔少、重彩较浓者为大青绿山水，称王维这一体重彩较清淡者为小青绿山水，此一体一般在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。
青绿山水的丰碑之作当属宋代王希孟的《千里江山图》。
青绿山水发展至南宋时期，以赵伯驹、赵伯骕兄弟为代表。以“精工之极，又有士气”的雅致清润之貌取代过去的富丽堂皇，创造了一种介于院体画和文人画之间的青绿山水。现藏故宫博物院的《江山秋色图》为赵伯驹的代表作。
此后，由于文人对绘画的介入使得山水画的审美倾向发生转变。文人画家在绘画上倡导“以书入画”，追求笔墨趣味、写意抒情、不重形似、崇尚“逸格”，轻视色彩等，使得绘画文学化，水墨山水画渐成主流。水墨山水画的哲学基础主要是老庄的道家思想、玄学和禅学，这一理论体系是“无色系”，它决定了水墨山水画重视黑白、虚实，崇尚简淡空灵的美学意境。
从此，山水画家主要以水墨山水为主，青绿山水遭到贬抑，逐渐被挤出了画坛主流的位置，虽有发展，但不发达，以小青绿略胜。近代从事青绿山水的画家有张大千、应野平、贺天健、潘素等人。
1.下面对“青绿山水”的特点表述，不符合文意的一项是
A. 中国山水画中非常重要的一支，用典型的工笔重彩来表现自然的画作。
B. 隋唐时期的青绿山水画的作者以画家为主，画作富丽堂皇缺少文化气息。
C. 画家使用呈色稳固、经久不变的矿物质石青、石绿作画，画面青绿相映。
D. 历史上的大清绿山水设色厚重、重视形似重视色彩有很强的装饰性。
2.下列对中国山水画的理解不符合文意的一项是
A. 青绿山水曾作为中国山水画主要的样式流行于隋唐和北宋末年的宫廷。
B. 中国山水画分青绿山水画和水墨山水画，青绿山水画又有大青绿和小青绿之分。
C. 青绿山水画的哲学基础和文人山水画的哲学基础不一样审美趣味基本一致。
D. 文人画是山水画中的一支，倡导以书入画，追求写意抒情，是后期山水画的主流。
3.下列对文意的理解和推断，不正确的一项是
A. 传展子虔的《游春图》是中国山水画史上第一幅完整独立的山水画画卷。
B. 被称为“国朝山水第一”的李思训在青绿山水上承前启后有突出贡献。
C. 初唐阎立德、阎立本兄弟二人、王维，宋代王希孟都是大青绿山水代表人物。
D. 中国山水画所采用的形式既受技术知识的影响，也受哲学思想的影响。
高三语文现代文阅读中等难度题查看答案及解析
阅读下面的文字，完成⑴〜⑷题
“狂人”谭盾的理想与现实
喻 盈
他状态年轻，留着平头，一身天蓝棉麻衬衫、贴身亮橙T恤、白色长裤，色彩搭配颇有些“小清新”，也隐约显露依然紧致的身体线条。
他就是谭盾。他认为，自信是最大的资本，又说：“湖南人的气质是既鬼气又放荡，既浪漫又高尚，既理想又现实”。这个有“霸蛮”性格的湖南人，头脑中没有框框。他的确是永远的“年轻人”，不断尝鲜。2013年推出的是“微电影交响诗”，之前他在做的是“建筑音乐”、“互联网交响乐”，还想尝试“互联网歌剧”。
“建筑音乐”的实施地，是他位于上海郊区古镇朱家角的工作室“水乐堂”。他请来矶崎新工作室的建筑设计师，把一幢水乡老宅改造成声音剧场，下层是现代极简的钢结构支架，以便将屋外的河水引入屋内，而上层，依旧是中国传统民居的木质样式。
不止如此。他还创作了专在水乐堂演出的《天顶上的一滴水》，把河流当琴弦，把他改造的这个建筑当成一件乐器。一出场，乐手们便敲击水乐堂的钢梁和铁梯，是为“钢铁摇滚”。然后天顶上水滴坠落，那声音被建筑的回响不断放大，好似一支水的交响乐队。
谭盾又一次实现了他所擅长的“东西方交汇、古典与现代合流”。他形容这是李白所说的“大音自成曲，但奏无弦琴”。但实际上他总是在把“大音希声”变成具体的可见、可触、可闻、可感，光是乐音还不足够，各种多媒体都是他的武器。
对于这些，谭盾说，他要感谢纽约，“到了纽约，你疯狂的程度是不一样的”。
1986年，谭盾从中央音乐学院作曲系研究生毕业，拿着美国哥伦比亚大学的奖学金飞往纽约，继续攻读博士学位。那时他在国内已经成名，与叶小纲、郭文景等并称中央音乐学院“四大才子”，还为电影《火烧圆明园》写了主题曲《艳阳天》。他的“离经叛道””也初露端倪。22岁时创作第一部交响乐作品《离骚》，他就加入了鼓、箫等中国民乐元素，因为过于前卫而引起极大争议。他还记得老师拿着他的曲谱，皱起眉，用四川话问：“你有那么深刻没有？”
奔向纽约的谭盾，携带着满身锐气和满怀雄心。第三天，他就被震了一下。他穿了件汗衫，被学校的中国留学生、学者联合会叫去座谈，结果在会场见到了西服革履的诺贝尔物理奖得主李政道、杨振宁，和建筑界最高奖普利兹克奖得主贝聿铭。李政道跟他谈话，谈的都是音乐。谭盾有点蒙，心想：要到什么样的程度，我才能够跟这些人对话？
谭盾很快察觉到，纽约是分层的。哥伦比亚大学代表的是学术圈，是精英文化，斯文、严谨、刻苦耐劳、对知识的追求永无止境；而纽约大学和艺术家聚集的格林威治村，则是通俗文化、前卫艺术生机勃勃的催化地。
谭盾觉得他之所以成为现在的自己，得益于同时在哥伦比亚大学与纽约大学的“浸淫”。“你会发现我的创作里，既有哥大训练带来的知识面，又有下层那种狂妄、实验、不屑一顾的胆量。”
在1980年代末到1990年代初那段“又穷又浪漫”的时光里，谭盾已经做出了后来使他声名大噪的陶乐、水乐、纸乐实验。烧制坛坛罐罐，揉搓、撕扯纸张，探索它们的发声，这位音乐青年有时看上去更像个装置艺术家。他也的确在当代艺术圈引起了波澜。1990年纽约古根海姆美术馆还邀请他展出了他为作品《九歌》自制的一组陶乐器。
那时候他住在中国城的地下室，室友是如今的著名导演顾长卫。《九歌》首演的海报，就是顾长卫在这地下室里替他拍的。“我没有钱去工作室拍照。顾长卫说，这还不简单吗。他拿绳子串起几件中国古乐器，挂在一个架子上，然后让我在那前面席地而坐。他把相机架上，设定成自拍，自己举个手电筒站一旁给我打光。我最好的一张照片就是这么拍出来的。”
谭盾喜欢纽约。他说纽约让他看到自己，自己就是最大的资本，“‘你’就是价值”。
但是，谭盾仍觉得，要真正获得世界性的影响，还是得借助“上层的训练”。他想到了交响乐，“全世界有多少交响乐团？交响乐团就是世界性的音乐平台！我决定我就要做这个，把陶乐、水乐、纸乐放进交响乐里去”。
就像他所预期的，全世界交响乐团都成了他的舞台。然后，他又往更“上层”去，发展出一套有意与西方“乐音音乐”相对应的“有机音乐”体系——陶乐是土地之声，水乐是河流之声，纸乐是风之声，一切自然之声，都被他用创作的“巫术”驱赶，攻占曾被主流音乐体系垄断的殿堂。
这个湖南人站在聚光灯下，不是偶然。（有删改）
1.下列对传记有关内容的分析和概括，最恰当的两项是（ ）（ ）
A．传记开头写“状态年轻，留着平头，一身天蓝棉麻衬衫、贴身亮橙T恤、白色长裤，色彩搭配颇有些‘小清新’”，意在表现谭盾自信的精神状态。
B．“湖南人的气质是既鬼气又放荡，既浪漫又高尚，既理想又现实”，文中引用谭盾的这句话主要是为了突出谭盾作为湖南人的骄傲之情。
C．谭盾的“离经叛道”很早就显现出来了，他的第一部交响乐作品《离骚》因过于前卫而引起极大争议，但他的老师仍支持他继续走下去。
D．谭盾为实施“建筑音乐”，曾将位于上海郊区古镇朱家角的一幢水乡老宅改造成为声音剧场，以河流和建筑作为乐器进行音乐演出。
E．纽约求学的经历对谭盾影响很大，“到了纽约，你疯狂的程度是不一样的”，谭盾在纽约求学时学到了自由、浪漫，学到了狂妄、实验、不屑一顾。
2.文章中提到了在谭盾眼中哥伦比亚大学与纽约大学的不同，这样写有何作用？ 请简要分析。
3.联系全文回答：“‘狂人’谭盾”的“狂”表现在何处？
4.文末说“这个湖南人站在聚光灯下，不是偶然”，请联系文本和现实，谈谈你对“不是偶然”的认识。
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阅读下面的文字，完成各题。
有着辉煌历史的中国传统色彩体系具有独特的东方文化审美内涵，在漫长的岁月中，已凝炼为中国精神 的部分。然而，近一百年来，在谈及绘画的色彩时，总有人认为中国画的色彩不及西方绘画丰富。这种认知，使我们与中国绵延数千年的人文艺术传统相互隔绝。还记得北京奥运会开幕式上，一幅青绿山水长卷徐徐展开，令世人 。这幅长卷诞生于宋朝，叫作《千里江山图》。在用色上，创作者以石青、石绿两种矿物质颜料为主要色彩着色，并在青绿颜料叠绘中寻求色彩微妙的变化，画面层次分明，色彩照人。这一富有装饰性的 ，是如何穿越近千年的历史。展现在我们面前的呢？从材料物性的角度分析，首先是载体的质量上乘。古人有“纸寿千年，绢寿入百”的说法。其次，（ ）。其实，从历史遗存中可以判断，东西方色彩的装饰功能均先于再现功能而出现，而且最早基本上都是利用天然的矿物质颜料在适宜的载体上涂绘。从表现的角度分析，西方艺术的表现以绚烂的色彩画为主导，而中国艺术同样也有丰富的色彩基因，一直到宋朝，色彩表现仍占据中国艺术的主流位置。如果我们不能从材料和技法的视角领悟古人，就难以理解《千里江山图》色彩何以如此绚烂多彩。唯有 ，梳理我们自才的传统，看清中国人文艺术真正的价值，赋予和彰显本民族人文艺术精神品位与主体性，才能确定中国人文艺术在人文艺术世界殿堂中应有的位置。
1.依次填人文中横线上的成语，全都恰当的一项是
A. 绝无仅有 叹为观止 吉光片羽 寻根究底
B. 不可或缺 叹为观止 鸿篇巨制 追本溯源
C. 绝无仅有 击节称叹 鸿篇巨制 寻根究底
D. 不可或缺 击节称叹 吉光片羽 追本溯源
2.下列在文中括号内补写的语句，最恰当的一项是
A. 是颜料及绘画手段的独特性，然而矿物质颜料性质稳定不易变色
B. 是独特的绘画手段及颜料，所以矿物质颜料性质稳定不易变色
C. 是颜料及绘画手段的独特性，因为矿物质颜料性质稳定不易变色
D. 是独特的绘画手段及颜料，而且矿物质颜料性质稳定不易变色
3.文中画横线的部分有语病，下列修改最恰当的一项是
A. 赋予和彰显本民族人文艺术精神品位与主体性，才能确立中国人文艺术在人文艺术世界殿堂中应有的位置。
B. 赋予和彰显本民族人文艺术精神尊严与主体性，才能确定中国人文艺术在世界人文艺术殿堂中应有的位置。
C. 赋予和彰显本民族人文艺术精神品位与主体性，才能确立我们中国人文艺术在世界人文艺术殿堂中应有的位置。
D. 赋予和彰显本民族人文艺术精神尊严与主体性，才能确立中国人文艺术在世界人文艺术殿堂中应有的位置。
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阅读下面的文字，完成小题。
“简”是一种艺术风格，也是唐宋以来我国艺术、尤其是传统绘画的一大审美追求。当代著名画家程十发在谈到中西绘画艺术异同时曾说：“西洋画是加法，中国画是减法。”这“减法”之喻，颇巧妙地点出了传统中国画在意象经营和意境创构上追求“简”的审美个性，这与中西方民族文化的思维方式、思想积淀的差异有着很深的联系。在古代艺术家看来，“画以简贵为尚”。究其渊源，这种以“简”为贵的思想的兴起与产生，在构成我国传统文化之骨干的禅、道、儒三家学说里已昭然可见。
尚“简”的艺术思潮自唐宋兴起，它和当时风靡流行的佛教禅宗多有瓜葛。“自唐宋以来，禅学日盛，才智之士，往往出乎其间。”文人画始祖王维就受禅风濡染极深。他把参禅领悟的意境融入绘画创作，使超然空灵的胸襟和清简萧疏的山水化为一体，在禅心与画意的交响中开创了洒脱、淡简、高远的“南宗”文人画风。自此，五代的董、巨，宋朝的苏、米，元四家，明四家，清六家等，其作画均不用浓墨重彩，而是在绘画技法上从简淡到隐隐约约、若有若无之状，尤其在疏简的笔墨中敞亮出一个幽远的境界。禅学精神，影响到我国艺术，在方法论上给后者的重大启示正在于“以经济的笔墨获取丰富的艺术效果，以减削迹象来增加意境。”（钱钟书语）而古人论画语“弄一车兵器，不若寸铁杀人”，就来自禅家话头，乃宋代禅师宗杲的名言。
主张“道法自然”的先秦道家美学，浑身上下都充盈着崇朴尚简精神，与儒家思想一道成为了“简”思想的源流。道家美学、儒家思想比禅宗思想更早出现在我国大地上。《老子》讲“为道日损”，《庄子》说“天地有大美而不言”“淡然无极而众美从之”。诸如此类，无不指向为“简”之道。它们在我国后世艺术里得到了鲜明体现。在道家本体论哲学里，“道”是宇宙的生命本体、造化的本根本源，它“不言”“无为”，既“素”又“朴”，无边无际，无始无终，就其浑整性而言，可谓之“一”。而万事万物皆由它生发而来，所谓“道生一，一生二，二生三，三生万物”。这是“至道不烦”的第一层含义。换言之，世间万物作为各单个存在体，当然是既多又杂的，但是，若超越纷纭繁杂的物象而“以道观之”，则种种差异皆泯然不存，最终“道通为一”。此乃“至道不烦”的又一层含义。“通于一而万事备”出自《庄子•天道》的这一哲学命题实为道家“至道不烦”思想的扼要表述。
与偏爱自然的道家美学相比，儒家美学更重文饰，但也重“文”不弃“简”，主张“简而文”。儒、道两家美学向来分歧甚多，但在推重“简易”这点上，却是殊途同归。事实上，在后世以巨大张力制约我国艺术走向的，恰是这种儒、道合流的尚“简”观念。
在有限的画幅上，一条曲线，即宛若一座起伏的山峦；一块空白，却代表万顷碧波的水面；梁楷画中的人，八大笔下的鱼，白石墨里的虾，用笔用墨极简略洗炼，却气韵生动，跃然纸上。这是一种技巧。“删繁就简”“以少总多”这既是画理，更是哲理，是用于绘画之哲理，是充盈哲理之画理。这是我国传统绘画有别于他国绘画的独到所在。
（摘自李祥林《中国古代美学的尚“简”精神》，有删改）
1.下列关于“简”的表述，不正确的一项是（ ）
A．“简”作为一种艺术风格，是唐宋以来我国艺术的一大审美追求，源远流长，影响很深远。
B．“以‘简’为贵”思想的产生，可以从我国传统文化中的禅、道、儒三家学说里找到相关的印证。
C．“简”是一个内涵极为丰富的概念，与“少”“朴素”“易”等概念之间有着非常密切的联系。
D．“简”的艺术思想，不仅在我国传统的绘画艺术中得以体现，也大量存在于其他艺术门类中。
2.下列理解和分析，不符合原文意思的一项是（ ）
A．画家程十发关于中国画是“减法”的比喻，点出了传统中国画在意象经营与意境创构上尚“简”的审美个性。
B．因为唐代诗人王维把参禅领悟的意境融入绘画创作，所以后代绘画创作在疏简的笔墨中敞亮出了一个幽远的境界。
C．“通于一而万事备”一语中，既包含了“道”具有的浑整性的特质，也包含着对纷纭繁杂物象差异的超越。
D．道家美学偏爱自然，儒家美学更重文饰，两家美学虽向来有很多不同的地方，但殊途同归，都推重“简易”。
3.根据原文内容，下列理解和分析不正确的一项是（ ）
A．中西绘画艺术存在着不少差异，这些差异的出现源自民族文化的思维方式与思想积淀的不同。
B．佛教禅宗在唐宋时期风靡流行，这为尚“简”的艺术思潮在唐宋兴起奠定了一定的思想基础。
C．我国古代绘画理论关于“简”的一些阐释，语言表述既深刻又形象，体现出中国文化的独特。
D．在我国传统绘画中，“简”是唯一一种能将技巧、画理、哲理等内容巧妙融合在一起的思想。
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阅读下面的文字，完成小题。（25分）
恪守寂寞之道
——大师齐白石的传奇人生
1957年9月，国画大师齐白石悄然辞世。他早年贫寒的出身，备受冷落的境遇，以及晚年的盛誉，构成了他具有传奇色彩的艺术人生。
从“芝木匠”[注]到画坛巨匠
1864年1月，齐白石出生于湖南湘潭。清贫的家境，使这个体弱多病的孩子在念了不到一年的私塾后，就不得不砍柴牧牛，担起生活的重担。
有两件事对青年时代的齐白石有决定性影响，一是15岁开始学雕花木匠，二是27岁时拜胡沁园、陈可藩为师，正式学画。这一时期他十分穷困，饥饿时常只能饮水充饥。晚间无钱买灯油，便点松火做灯。齐白石在40岁之前没有离开过家乡一步，主要以替人画像和刻印过活，这无论是在眼界上，还是在学问上都使他受到了一定的局限。后来在朋友的竭力鼓动下，他才“五出五归”，远游南北各地，祖国的壮美山河和多姿的风土人情，开阔丰富了这个民间画师的胸襟，提升了他的描绘境界。
60岁之后，齐白石多在北京卖画谋生。由于那时他的画风学八大山人冷逸的路子，不为时人所喜爱，故画价比同时的一般画家便宜一半也少有人问津。后来，幸遇当时声名正隆的著岩画家陈师曾，陈师曾力劝齐白石改变以前的画风，用“画吾自画自合古”来激励他自创一格。在陈师曾的无私帮助下，齐白石“衰年变法”，通过自己的艰苦努力，画风和境界发生了质的飞跃，一度受到冷落的画作逐渐得到了大家的重视。
新中国成立以后，党和政府为老画家创造了良好的工作环境，并给予极高的荣誉。老人在安静舒适的生活中，勤劳愉快地创作着，他的许多不朽之作都诞生在这一时期，他最后几年中所作的大量作品，是他贡献给他热爱的民族、土地最珍贵的瑰宝。
恪守“寂寞之道”的乡土画家
可以毫不讳言地说，齐白石是个乡下人。他有着对乡土风物真切的爱恋，毕生把童年的记忆和家乡的一切作为画题、诗题，这是齐白石作为一个善良农民所特有的情感。
齐白石将绘画视为“寂寞之道”，这是他一生恪守的信条和成功的秘诀。齐白石说：“夫画道者，本寂寞之道。其人要心境清逸，不慕名利，方可从事于画。”他在1920年到1929年间以超出常人的意志和精力，关门杜客，潜心研究，摸索适应自己才秉、气质和学养的艺术道路。他做誓言道：“余作画数十年，未称己意，从此决定大变。不欲人知，即饿死京华，公等勿怜，乃余或可自问快心时也。”同期，齐白石也在治印上下过死工夫，他在记载自己刻苦治印时有一段话：“余学刊印，刊后复磨，磨后又刊。客室成泥，欲就干，移于东复移于西，移于八方，通室必成池底。”这段时间齐白石作画万余幅，刻印三千多枚，可以说齐白石是穿越作品的海洋冲进艺术的自由王国的。
称齐白石是乡土画家，是因为他用深情的笔，勾画出温馨简朴的生活气氛，并给一向高雅的文人画注入了新生命：劳动者的精神。
返璞归真的“白石老人”
齐白石的画“雅俗共赏”，他的喜怒、嘲笑、同情、智慧、幽默……都能让人在画中找到情感的共鸣，宛如一个亲切的大千世界。
爱憎分明，在齐白石的作品中总是给人以清晰的概念。从处世大节上看，在日本侵略者占领北平期间，齐白石拒绝侵华日军的利诱，退回了美术学院教授的聘书和赠煤，贴出了“官入民家主人不祥”的告白以拒见日酋、汉奸。这张告白传遍了全城，大家把齐白石的这份告白与程砚秋息演在西郊留须种地共同传为艺林佳话。
齐白石的许多作品都有自己明显的情感倾向，如有讽刺敲剥民膏军阀官僚的《灯鼠图》，讽刺腐败糊涂的政客的《不倒翁》，讽刺唯利是图商人老板的《发财图》等，当然也有表现舐犊情深的《迟迟夜读图》，赞美金秋的《枫叶寒蝉》…
齐白石由一个民间艺术家成为一代大师，是他继承了传统文人画而又抛弃了文人画的僵化程式，继承了传统民间美术而叉抛弃了民间美术中那些低俗因素的结果。文人艺术的高度精粹、高度修养化与人格化，民间艺术的质朴刚健、开朗幽默，在他笔下凝为一个新生命。他的艺术是传统绘画在20世纪突起的又一奇峰。
（有删改）
【注】齐白石的小名叫“阿芝”。
1.下列时传记有关内容的分析和概括，最恰当的两项是（5分）
A．在北京卖画期间，齐白石生活穷困，出于谋生的考虑，齐白石接受了陈师曾的建议才开始一改以前冷逸的路子，自创一格，画风和境界发生了质的飞跃。
B．齐白石爱憎分明，他的许多作品都有明显的情感倾向，让人在画中找到情感的共鸣，宛如一个亲切的大千世界，他的艺术是传统绘画在20世纪突起的一个奇峰。
C．1920年到1929年间，齐白石关门杜客，潜心研究，作画万余幅，许多不朽之作都诞生在这一时期，可以说齐白石穿越了作品的海洋冲进了艺术的自由王国。
D．齐白石抛弃了传统文人画的僵化程式，用深情的笔勾画出温馨简朴的生活气氛，给一向高雅的文人画注入了劳动者的精神这一新生命，具有雅俗共赏的特点。
E．本文通过记述齐白石具有传奇色彩的艺术人生历程，描写了他在中国绘画艺术上的理论创新和艺术成就，表现了一位伟大艺术家的高洁品格和可贵艺术精神。
2.齐白石为什么能够由一个民间画师成长为画坛巨匠？请联系全文简要分析。（6分）
3.文章以“恪守寂寞之道——大师齐白石的传奇人生”为题，同时又使用了三个小标题，这样处理有什么好处？请简要分析。（6分）
4.齐白石说：“夫画道者，本寂寞之道。其人要心境清逸，不慕名利，方可从事于画。”对此你是如何看的？请联系文本，谈谈你的看法。（8分）
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阅读下面的文字，完成下面小题。
作为中国文化的重要组成部分，中国画的繁荣发展之于中华民族精神的传承与发扬有着重要意义。新时代的中国画创作，需要在“守”与“变”中开拓新境、绘就时代新风。
“守”，是要守住文化传统、精神传统。继承传统一方面要深刻体悟中国画的文化特质和内在精神，一方面要深刻理解并遵循中国画自身发展逻辑。中国画的文化特质，在于其独特的审美诉求和精神意蕴。如“一花一世界”所包含的博大，建立在中国哲学和中华关学基础上的中国画，不注重感官刺激，强调“天人合一”的宇宙观。宋代郭熙在《山水训》中有言，“山水，大物也”，一个“大”字，便道出山水画所营造的精神要义，即中国人的世界观和作者的精神追求，以大道为终极取向，同时辉映时代气象。正如北宋国力富强，所以北宋山水画也多宏幅巨制，如《溪山行旅图》等名作，表现了北方雄浑壮阔的自然山水，全景式构图气势磅礴；而南宋偏安一隅，山水画也从“大山大水”变成气象萧疏的“边角山水”。所以，中国画创作者应该将中国画传承问题提升到文化自信、光大中华文化的高度来看待，用笔墨“为祖国山河立传”。
“为祖国山河立传”光有扎实的技法还不够，更重要的是创作者要有家国情怀，作品要呈现中国画独特的审美意蕴，其中包括特定形式所呈现的时代审美意境以及画家的精神追求。中国画有自身的发展逻辑，其笔墨法度皆不是独立的存在，而是特定审美意蕴的彰显。就像中国画最高的成就是“写意”，其中既包含“写”的审美性，也包含“意”在形式上所体现出的特定审美意境，二者相辅相成。因此，中国画创新既要守住精神，也要守住其笔墨法度与核心内涵，不能仅从形式上追求创新。现在一些画家为了求变，偷换概念，虽然使用的是宣纸、毛笔、水墨等中国画工具，但实际上画出来的是水彩、素描的样子。
真正意义上的求“变”，是创作者在继承传统的基础上还要面向时代、面向生活。这又包含两层含义：一是要让“笔墨当随时代”，表现时代审美和时代精神；一是要以高蹈的视野看世界，取各国艺术精髓并将其化为己有。这都要求创作者要有广博的学识、独立的艺术观而不随波逐流。在这一方面，老一辈艺术家做出了很好的表率，不论是林风眠的中西融合之道，还是张大千的“泼彩”山水，都为中国画的发展探索出一条新径。在他们的绘画中，既有借鉴外来艺术形式和观念所呈现出的现代性审美，又有立足中国画传统的核心要义进行的创新转化，最终于笔墨法度中成就新的精神气象。这种“从心所欲不逾矩”的融会创新，恰恰建立在极其深厚的传统功底之上，此意学者当识之。
中国画创作者应该在“守”与“变”中，坚守中华文化立场、传承中华文化基因，以“蓬勃、正大、刚健、醇雅”的精神追求，展现新时代的“审美”风范。中国画的“守”与“变”，包含着对艺术传统的回望也包含着对中华美学的回溯，更包含着对当代审美的追求，推动着中国画向前发展的同时，又保持着中国画特有的轨迹、精神和面貌，以民族艺术所应体现的文化自信，指导着中国画发展的必由之路。
（摘编自《人民日报》，有删改）
1.下列关于原文内容的理解和分析，正确的一项是
A.中国画是中国文化的重要组成部分，所以中国画应坚守中华文化立场，传承中华基因。
B.中国画有其独特的审美诉求和精神意蕴，常以大道为终极取向，同时辉映时代气象。
C.中国画创作者要有“为祖国山河立传”的扎实技法，更要有光大中华文化高度的家国情怀。
D.中国画要表现时代审美和时代精神，就要放眼世界，取各国艺术精髓并化为己有。
2.下列对原文论证的相关分析，不正确的一项是
A.文章从中国画创作的“守～变”分别展开论证，具有很强的层次感和逻辑性。
B.文章采用举例、对比、道理等多种论证方法，阐明了中国画创作应坚守并继承的传统。
C.文章通过分析中国画创作的最高成就是“写意”，论证中国画有自身的发展逻辑。
D.文章采用大量事例详细地论证了中国画的“守”与“变”，探索了中国画的发展道路。
3.根据原文内容，下列说法不正确的一项是
A.“一花一世界”所包含的博大、“天人合一”的宇宙观都是中国画独特的文化特质。
B.中国画的创作，只有守住精神的同时守住笔墨法度与核心内涵，才能在继承传统中创新。
C.林风眠的中西融合之道和张大千的“泼彩”山水画开辟了中国画创新发展的必经之路。
D.中国画创作者坚守文化自信，展现新时代审美风范，才能更好地指导中国画的发展之路。
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阅读下面的文字，完成后面问题。
戏韵画意 王青
中国戏曲人物画是以传统戏曲人物为题材进行创作且以中国画的形式来加以表现的画种，以传统的中国戏曲人物入画，是一种非常具有表现力的艺术形式。当代中国画画家韩羽先生曾说过：“中国戏，中国画，虽不同名，却是同姓，似是姐妹。”二者同根植于中华传统文化的土壤中，在此土壤中的中国画和中国戏曲有着一定的相通性和规律性，以中国画的形式来表现中国戏曲，最能把中国特有的那种东方艺术神韵表现的淋漓尽致。
意象是客观物象与主观情思相融合而形成的艺术形象。自古以来，中国艺术就一直未停止对意象神韵追求的步伐，艺术创作对于美的要求不仅仅是纯客观的机械式的摹写，而是要走进人的内心，追求一种心灵的感触，也就是人们常说的画要传神，有韵味。若说中国画是静的艺术，那么中国戏曲就是动的艺术。在中国戏曲里，意象是一种虚实相生、形神兼备、情景交融的表“意”形式，戏曲中的道具及环境不一定要准备的面面俱到，但是它所要营造的氛围、效果一定要表现出来。戏曲舞台上往往都是在现实生活的基础上进行高度提炼和升华，它要表现的意蕴主要在于演员的情景交融的唱、念、做、打之中。戏曲舞台在观众面前所呈现的是一个完整的、有意蕴的感性世界，一个产生美的联想的世界。
中国戏曲人物画具有“三感”，即“动感”、“美感”、“情感”。戏曲中有很多程式化的动作，如手、眼、身、发、步等表演程式的戏曲语言，这些动作都是从生活中提炼而来的，具有一定的典型性，根据塑造的不同人物形象有其不同的动态。往往画家们可以抓住舞台上最精彩的一瞬，将一些富有动感美的典型瞬间融入画家本人的思想情感表现在画面上。戏曲艺术是美的艺术，戏曲人物不论服饰、妆容、还是表情、神态都包含着丰富的美学因素。中国画和戏曲都追求神似重过形似，重在表意，中国戏曲人物画的关键在于传神，将画面所表达的意味传达给看画之人，从而产生共鸣。
我们鉴赏戏曲人物画时，“三味”（“韵味”、“趣味”、“戏味”）是重要的标准。一幅优秀的戏曲画，这“三味”缺一不可。“韵味”指的是要充分表现出戏中人的内心情感。“趣味”主要指的是人物造型要加上画家对其有意的加工改造，或变型或夸张，而不是单纯的对其描摹。“戏味”体现的是中国戏曲独特的艺术风采。戏曲本身就带有很高的符号性，用中国画的形式来表现中国戏曲，将戏曲本身的戏曲语言与中国画的笔墨语言相融合。
不论是“三感”还是 “三味”，可以说都是对中国戏曲人物画概括简练的总结。将戏曲与中国画两种传统艺术糅合起来，形成一种别具一格、有着独特魅力的新艺术形式，它所体现的神韵和美感是对东方艺术最好的诠释。
在中国戏曲人物画的创作中，戏曲画作品与戏曲表演是有一定差距的。戏曲画的创作作品既可以是戏曲表演本身的真实写照，也可以是经过作者有意识的对戏曲表演进行加工改造，从中提取一些元素或者是符号语言来进行的创作，在这个过程中戏曲本身作为戏曲创作的母本起着十分重要的作用。戏曲演员程式化的妆容、脸谱、头饰和服饰，鲜艳的色彩，带有夸张性质和一定寓意的图案以及所扮演角色的性格特征，这些都具有高度的艺术表现力并且十分入画。
中国戏曲源于生活，随着时代的发展，人们对于戏曲人物画的表现方式也愈加丰富，基于传统，在老戏的基础上人融入新的艺术观念加以创新，形成新的绘画创作语言。
1.下列关于“中国戏曲人物画”的表述，不符合原文意思的一项是（3分 ）
A 中国戏曲人物画属于中国画系列，于中国戏曲具有一定的相通性，它以传统戏曲人物为题材，且用中国画的形式来进行表现。
B 中国戏曲人物画最能把中国特有的艺术神韵表现出来，它具有动感、美感、情感的特点，欣赏着能借以产生一个美的联想世界。
C中国戏曲人物画是一种追求戏韵画意的艺术形式，关键之处在于传神，注重将画面所表达的意味传达给观众，从而产生共鸣。
D中国戏曲人物画都是韵味、趣味、戏味缺一不可的作品，它要求将戏曲语言与中国画的笔墨语言相融合，与戏曲一样重在表意。
2.下列理解和分析，不符合原文意思的一项是（3分）
A 根植于中华传统文化的土壤中的中国画和中国戏曲一样，具有一定的规律性，都追求神似重过形似，都追求意象神韵。
B 画要传神，要有韵味，说的是画的创作不仅仅是纯客观的机械式的摹写，而且是要走进人的内心，追求一种心灵的感触。
C 戏曲艺术是在现实生活的基础上提炼和升华而产生的，而演员的情景交融的唱、念、做、打，是其意蕴的主要表现形式。
D 戏曲人物的服饰妆容、表情神态都包含着丰富的美学因素，人物表演的夸张性和图案的寓意性都具有高度的艺术表现力。
3.根据原文内容，下列理解和分析不正确的一项是（3分）
A 尽管中国画是静的艺术，中国戏曲是动的艺术，但两者都追求一种心灵的感触，都强调虚实相生、形神兼备、情景交融。
B 中国戏曲中手、眼、身、发、步等表演程式化的动作从生活中提炼而来，既构成了戏曲语言，也为画家们的创作提供素材。
C 戏曲画作品的艺术形式与戏曲艺术不同，其创作一方面参照戏曲表演本身，一方面需要对戏曲表演进行加工改造。
D 中国戏曲源于生活，随着时代的发展，戏曲人物画要在继承传统的基础上融入新的艺术观念，以形成新的绘画创作语言。
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阅读下面的文字，完成后面题。
戏韵画意
王青
中国戏曲人物画是以传统戏曲人物为题材进行创作且以中国画的形式来加以表现的画种，以传统的中国戏曲人物入画，是一种非常具有表现力的艺术形式。当代中国画画家韩羽先生曾说过：“中国戏，中国画，虽不同名，却是同姓，似是姐妹。”二者同根植于中华传统文化的土壤中，在此土壤中的中国画和中国戏曲有着一定的相通性和规律性，以中国画的形式来表现中国戏曲，最能把中国特有的那种东方艺术神韵表现得淋漓尽致。
意象是客观物象与主观情思相融合而形成的艺术形象。自古以来，中国艺术就一直未停止对意象神韵追求的步伐，艺术创作对于美的要求不是纯客观的机械式的摹写，而是要走进人的内心，追求一种心灵的感触，也就是人们常说的画要传神，有韵味。若说中国画是静的艺术，那么中国戏曲就是动的艺术。在中国戏曲里，意象是一种虚实相生、形神兼备、情景交融的表“意”形式，戏曲中的道具及环境不一定要准备得面面俱到，但是它所要营造的氛围、效果一定要表现出来。戏曲舞台上往往都是在现实生活的基础上进行高度提炼和升华，它要表现的意蕴主要在于演员的情景交融的唱、念、做、打之中。戏曲舞台在观众面前所呈现的是一个完整的、有意蕴的感性世界，一个产生美的联想的世界。
中国戏曲人物画具有“三感”，即“动感”、“美感”、“情感”。戏曲中有很多程式化的动作，如手、眼、身、发、步等表演程式的戏曲语言，这些动作都是从生活中提炼而来的，具有一定的典型性，根据塑造的不同人物形象有其不同的动态。往往画家们可以抓住舞台上最精彩的一瞬，将一些富有动感美的典型瞬间融入画家本人的思想情感表现在画面上。戏曲艺术是美的艺术，戏曲人物不论服饰、妆容，还是表情、神态都包含着丰富的美学因素。中国画和戏曲都追求神似重过形似，重在表意，中国戏曲人物画的关键在于传神，将画面所表达的意味传达给看画之人，从而产生共鸣。
我们鉴赏戏曲人物画时，“三味”（“韵味”、“趣味”、“戏味”）是重要的标准。一幅优秀的戏曲画，这“三味”缺一不可。“韵味”指的是要充分表现出戏中人的内心情感。“趣味”主要指的是人物造型要加上画家对其有意的加工改造，或变型或夸张，而不是单纯的对其描摹。“戏味”体现的是中国戏曲独特的艺术风采。戏曲本身就带有很高的符号性，用中国画的形式来表现中国戏曲，将戏曲本身的戏曲语言与中国画的笔墨语言相融合。
不论是“三感”还是 “三味”，可以说都是对中国戏曲人物画概括简练的总结。将戏曲与中国画两种传统艺术糅合起来，形成一种别具一格、有着独特魅力的新艺术形式，它所体现的神韵和美感是对东方艺术最好的诠释。
在中国戏曲人物画的创作中，戏曲画作品与戏曲表演是有一定差距的。戏曲画的创作作品既可以是戏曲表演本身的真实写照，也可以是经过作者有意识的对戏曲表演进行加工改造，从中提取一些元素或者是符号语言来进行的创作，在这个过程中戏曲本身作为戏曲创作的母本起着十分重要的作用。戏曲演员程式化的妆容、脸谱、头饰和服饰，鲜艳的色彩，带有夸张性质和一定寓意的图案以及所扮演角色的性格特征，这些都具有高度的艺术表现力并且十分入画。
中国戏曲源于生活，随着时代的发展，人们对于戏曲人物画的表现方式也愈加丰富，基于传统，在老戏的基础上人融入新的艺术观念加以创新，形成新的绘画创作语言。
1.下列关于“中国戏曲人物画”的表述，不符合原文意思的一项是（ ）（3分）
A．中国戏曲人物画与中国戏曲同根植于中华传统文化的土壤中，具有一定的相通性，它以传统戏曲人物为题材，且用中国画的形式来表现，有东方艺术独特的神韵。
B．中国戏曲人物画具有“三感” （动感、美感、情感），戏曲中手、眼、身、发、步等的表演动作都是程式化的，是从生活中提炼而来，具有一定的典型性。
C．一幅优秀的戏曲人物画是韵味、趣味、戏味缺一不可的作品，它要求将戏曲语言与中国画的笔墨语言相融合，与戏曲一样充分表意。
D．中国戏曲人物画是一种追求戏韵画意的艺术形式，关键之处在于传神，注重将画面所表达的意味传达给观众，从而产生共鸣。
2.下列理解和分析，符合原文意思的一项是（ ）（3分）
A．中国画和中国戏曲一样属于中国艺术，具有一定的规律性，都追求神似重过形似，都追求意象神韵；都讲究动静结合、虚实相生的艺术表现形式。
B．画要传神，要有韵味，说的是画的创作不仅仅是纯客观的机械式的摹写，而且是要走进人的内心，追求一种心灵的感触。
C．戏曲艺术是在现实生活的基础上提炼和升华而产生的，而演员的情景交融的唱、念、做、打，就是其意蕴的表现形式。
D．戏曲人物的服饰妆容、表情神态都包含着丰富的美学因素，人物表演的夸张性和图案的寓意性都具有高度的艺术表现力。
3.根据原文内容，下列理解和分析不正确的一项是（ ）（3分）
A．中国戏曲人物画最能把中国特有的艺术神韵表现出来，它具有动感、美感、情感的特点，欣赏时能借以产生一个美的联想世界。
B．戏曲画作品的艺术形式与戏曲艺术不同，其创作一方面参照戏曲表演本身，一方面需要对戏曲表演进行加工改造。
C．将戏曲与中国画两种传统艺术糅合起来，会形成一种别具一格、有着独特魅力的新艺术形式，它所体现的神韵和美感是最好的东方艺术。
D．中国戏曲源于生活，随着时代的发展，戏曲人物画要在继承传统的基础上融入新的艺术观念，以形成新的绘画创作语言。
高三语文现代文阅读困难题查看答案及解析
阅读下面的文字，完成后面的题。（9分）
①传统中国画根据所描绘对象、题材、内容的不同，将绘画分成若干个科类，这种分科是绘画艺术自身发展和完善的需要，通过一代又一代艺术家在单一画科创造性的劳动，使其从原初的简略发展到完备和博大精深。无论是外在的视觉形式语言及制作技术技巧，还是内在的精神文化内涵及象征意义，都获得了巨大发展。但随着人类知识的不断积累，人类的认识能力也不断提高，特别是现代物理学和生命科学的发展彻底改变了人类原有的认识论。孤立的、分析的认识方式逐渐为全面系统的认识方法所代替，并在此基础上形成了全新的世界观。这样，建立在分科基础之上的中国传统绘画形式语言则显示出其巨大的局限性。当这种观念普遍适用于绘画时，就要求打破绘画艺术中的山水画、花乌画、人物画的分科模式。正是在这样一种大的文化和艺术背景中，中国画的画科整合问题正渐浮出水面，成为当代中国画创新的一个大问题。画科整合为中国画从传统审美模式向现代审美模式的转型开辟了一条通道。
②然而，三科的划分毕竟是古代文明的理性范式，确定之后，它就成了先画家而存在的先验模式。无论是对自然事物的认识，还是画家对自我身份的设置，都不可避免地在这个先验模式之内进行和完成。三科的图式及其不同的形式语言成为普遍适用于一切画家的理性力量，这种理性力量发展到明清期间业已成为压抑画家创造力的“坚冰”。绘画艺术徒剩冰冷僵硬的理性分科模式，山水画家、花鸟画家、人物画家是每一个画家不可兼得的选择。只有少数人如陈老莲、石涛、八大山人等，试图反抗这种僵硬的理式，但他们并没有能够真正整合画科（如八大山人的《河上花图》显示了山水花鸟整合的趋势）。真正将整合问题在实践中提出是20世纪50年代以后的事。
③艺术要真实地反映现实生活，就不能不促使画家突破传统三科分立的模式。在新时代的推动下，画家们创作了一大批画科整合特别是山水人物画整合的作品。最具代表性的画家是赵望云和钱松岩，他们的《雪天驮运图》《芙蓉湖上》等是画科整合的典范作品；潘天寿的作品《灵岩涧一角》和《小龙湫下一角》则从整合山水花乌画科方面进行尝试。
④应该说，无论是钱松岩、赵望云，还是潘天寿，他们的画科整合探索都不是完全自觉的。因为此时期画家探索目的更多的是使艺术能符合新时代的美学要求，能更强烈地表现生活气息和自然的真实，并非艺术本体自身发展的自觉，这就使他们的画科整合探索显得不那么彻底了。因此，他们也被按惯例视为山水或花鸟画家。这样，从艺术本体自觉地探索画科的整合就成为当代中国画创新的必然要求。
⑤画科整合是一个更新的“当代性”话语，与20世纪50年代不同之处在于，除了画家的自觉性外，还有两个重要问题是应该注意的：一是画科整合不是客观主义自然主义式地将两幅中的题材合二或合三为一，而是要根据画家个人独特的艺术观念和风格模式自由自主地组合，要求每一个画家要充分调动自己的创新能力与创造智慧，构建独立的个人视觉图像；二是解决笔墨形式语言的统一问题，也就是说，每一个画家要刨建个性的笔墨形式语言，超越于三科之上，又普遍适用于三科的题材符号。笔墨形式语言不再依附于题材，而是依附于画家个人的独特性。
⑥画科整合不是简单的组合问题与单纯的个人风格问题，而是切实地关系着中国画创作的大的发展趋势。当我们试图跳出传统绘画单一认知模式的同时，往往会发现已经走入中国文化“贵通重合”的“大道”。
（选自杨国平《从画科整合谈中国画创作的发展趋势》有删改）
1.下列对中国画画科整合原因的分析，符合原文意思的一项是（3分）（ ）
A．从认识论看，随着人类认识的提高，特别是现代物理学和生命科学的发展，全面系统的认识方法逐渐代替孤立的、分析的认识方式。这种认识方式的转变必然要求中国画由分科转向整合。
B．从分科模式的影响看，三科划分的理性模式成为普遍适用于一切画家的理性力量，这种力量到后压抑了画家的创造力。画科整合有助于突破这种僵硬的模式。
C．从艺术反映现实生活的角度看，赵望云等一大批作家自觉地把画科整合用于实践，创造出画科整合的典范作品，能更强烈地表现生活气息和自然的真实。
D．从中国画创作的发展趋势看，只有画家构建出独立的个人视觉图像和创建个性的笔墨形式语言，才能为中国画从传统审美模式向现代审美模式的转型开辟一条通道。
2.下列对原文思路的分析，不正确的一项是（3分）
A．①段首先肯定了传统中国画分科所取得的成绩，接着指出，随着人类认识的发展，原有的分科模式显示出局限性，自然引出对画科整合问题的探讨。
B．②段分析了传统中国画理性分科模式压抑画家创造性的原因，指出少数画家试图反抗这种僵硬的分科模式，但没有真正整合画4。③段举例说明新时代出现了一些画科整合的作品。
C．④段指出钱松岩等人在画科整合的探索方面不是完全自觉的，画科整合必然要求艺术本体的自觉探索。⑤段进一步指出，画家在画科整合过程中还应注意两个重要问题。
D．⑥段在上文分析的基础上明确指出，画科整合关切着中国画创作的大的发展趋势，体现了中国文化“贵通重合”的精神，照应文题。
3.根据原文内容，下列理解和分析不正确的一项是（3分）
A．传统中国画分科是绘画艺术自身发展和完善的需要，在新时代的推动下，这种分科模式尽管显示出局限性，但依然能够真实地反映现实生活。
B．山水画、花鸟画、人物画的分科确定之后，每一科都有其相应的图式及形式语言，各科的画家不可避免地受到这种先验模式的影响。
C．陈老莲、石涛等画家试图反抗传统中国画的分科模式，他们当中少数作品只是显示了画科整合的趋势，并没有在实践中提出画科整合的问题。
D．画科整合要根据画家个人独特的艺术观念和风格模式自由自主地组合，要求每一个画家要充分调动自己的创新能力与创造智慧，构建独立的个人视觉图像。
高三语文现代文阅读困难题查看答案及解析